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Canciones clásicas para empezar el Año Nuevo con buena vibra

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El inicio de un nuevo año es un lienzo en blanco, una oportunidad para la renovación y la esperanza. Y no hay mejor manera de musicalizar ese sentimiento que con canciones que han superado la prueba del tiempo, clásicos que nos hablan de nuevos comienzos, resiliencia y el poder de mirar hacia adelante.

Hemos preparado una playlist con siete himnos inmortales que son perfectos para arrancar enero con la vibra correcta, recordándonos que lo mejor siempre está por venir.

1. “A New Year’s Day” – U2 (1983)

El Himno Definitivo del 1 de Enero. No hay canción que capture mejor la atmósfera melancólica pero esperanzadora del primer día del año. Con su icónica línea de piano y la promesa de que “esta vez todo será diferente”, es una reflexión sobre el amor y la unidad en un mundo dividido. Es la canción perfecta para empezar el año con una dosis de realismo e idealismo.

2. “Here I Go Again” – Whitesnake (1987)

El Manifiesto del Borrón y Cuenta Nueva. Este es el himno de hard rock por excelencia para cualquiera que haya decidido tomar las riendas de su vida. “Aquí voy de nuevo por mi cuenta, por el único camino que he conocido”. Es una poderosa declaración de independencia y autoconfianza, la banda sonora perfecta para tus propósitos de Año Nuevo.

3. “Heroes” – David Bowie (1977)

La Promesa de la Grandeza, Aunque sea por un Día. En su esencia, “Heroes” es una canción sobre el triunfo del espíritu humano contra todas las adversidades. Es un recordatorio de que, incluso en las circunstancias más oscuras, podemos encontrar momentos de grandeza y conexión. Es la dosis de inspiración épica que necesitas para sentir que puedes conquistar el mundo.

4. “Feeling Good” – Nina Simone (1965)

La Declaración de un Nuevo Amanecer. “Es un nuevo amanecer, es un nuevo día, es una nueva vida para mí… y me siento bien”. No hay una letra que capture de forma más pura y poderosa la sensación de un nuevo comienzo. La interpretación monumental de Nina Simone convierte esta canción en un bautismo de optimismo y renovación personal.

5. “Brand New Day” – Sting (1999)

El Optimismo para el Nuevo Milenio. El título lo dice todo. Esta canción de Sting es una celebración alegre y llena de esperanza sobre dejar atrás el pasado y abrazar el futuro. Con su ritmo contagioso y su mensaje positivo, es el tema ideal para sacudirte la melancolía del año que se fue y mirar hacia adelante con una sonrisa.

6. “Let’s Go Crazy” – Prince (1984)

La Invitación a Vivir al Máximo. Con su sermón inicial (“Queridos amados, estamos aquí reunidos para superar esta cosa llamada vida”), Prince nos da la bienvenida a una explosión de funk y rock que es una celebración pura de la existencia. Es un recordatorio urgente de disfrutar el momento, una inyección de energía púrpura perfecta para no desperdiciar ni un segundo del nuevo año.

7. “Don’t Look Back in Anger” – Oasis (1996)

El Himno para Dejar Ir el Pasado. Aunque suene a reproche, esta canción es en realidad un poderoso himno sobre la aceptación y la importancia de seguir adelante sin rencores. Se ha convertido en un símbolo de resiliencia y unidad. Es la canción perfecta para hacer las paces con el año que terminó y empezar el 2026 con el alma limpia.

Estas canciones no son solo clásicos; son manuales de supervivencia emocional que, año tras año, nos recuerdan el poder de la música para inspirar, sanar y renovar.

Por qué David Bowie Odiaba “The Little Drummer Boy

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Es uno de los duetos más extraños, improbables y conmovedores de la historia de la música: la leyenda del rock, David Bowie, y el crooner por excelencia, Bing Crosby, uniendo sus voces para el clásico navideño “Peace on Earth/Little Drummer Boy”. Sin embargo, esta colaboración icónica de 1977 estuvo a punto de no ocurrir, todo porque Bowie se negó rotundamente a cantar la canción original.

“Odio esa Canción”: la Condición de Bowie

La historia, revelada por los escritores del especial navideño de Crosby, Merrie Olde Christmas, es una fascinante mirada a la mente de un genio. El plan original era que ambas estrellas cantaran a dúo el clásico “The Little Drummer Boy”. La respuesta de Bowie fue tajante.

“Le dijimos a Bowie sobre el número, y él dijo: ‘No cantaré esa canción’“, recordó el escritor Larry Grossman. “Le preguntamos por qué, y él dijo: ‘Odio esa canción. Si tengo que cantar esa canción, no puedo hacer el show’“.

¿La única razón por la que Bowie aceptó participar en primer lugar? “Estoy haciendo este show porque mi madre ama a Bing Crosby“, confesó el rockero.

Una Solución Mágica en Menos de una Hora

Con Bowie a punto de abandonar el proyecto, los escritores tuvieron que pensar rápido. En un arranque de genialidad, decidieron escribir una contramelodía completamente nueva que pudiera entrelazarse con la original. Así nació “Peace on Earth”, la parte que Bowie canta mientras Crosby interpreta la melodía de “The Little Drummer Boy”.

“En menos de una hora, la teníamos escrita y pudimos presentársela de nuevo”, contó el coguionista Buz Kohan. “A Bing le encantó el desafío”. El resultado fue una pieza musical única, un diálogo entre dos generaciones y dos mundos que se fusionaron a la perfección.

Un Canto del Cisne Agridulce

La historia de este dueto tiene un final agridulce. El especial fue grabado en septiembre de 1977. Apenas cinco semanas después, Bing Crosby falleció de un ataque al corazón. El programa se emitió de forma póstuma, convirtiendo esta actuación en una de sus últimas apariciones grabadas y en una despedida inolvidable.

La canción fue lanzada como sencillo en 1982 y se convirtió en un éxito masivo, especialmente en el Reino Unido, donde alcanzó el número 3 de las listas. Hoy, “Peace on Earth/Little Drummer Boy” es un pilar de la temporada navideña, un testimonio de un encuentro improbable y de la magia que puede surgir cuando dos genios, por muy diferentes que sean, deciden hacer música juntos. 

El álbum de David Bowie que fracasó al principio (y ahora es considerado una obra maestra)

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Un día como hoy, 17 de diciembre de 1971, llegó a las tiendas de discos un álbum que, sin hacer mucho ruido inicial, contenía las semillas de una revolución. David Bowie lanzó Hunky Dory, su cuarto álbum de estudio. Aunque no fue un éxito comercial inmediato, con el tiempo ha sido reconocido como una de sus obras maestras y, quizás, el disco más importante de su carrera.

Hunky Dory es el sonido de un artista encontrando su voz. Después de años de experimentar con el folk, el rock psicodélico y el hard rock, este fue el álbum donde Bowie abrazó el piano, las melodías pop y una diversidad de estilos que sentarían las bases para el resto de su camaleónica carrera.

Una Colección de Himnos Inmortales

Este álbum es, en esencia, un compilado de “grandes éxitos” antes de que lo fueran. Contiene algunas de las canciones más queridas y perdurables del repertorio de Bowie, temas que demuestran una madurez lírica y melódica asombrosa:

  • “Changes”: El himno a la reinvención personal que se convirtió en su manifiesto.
  • “Oh! You Pretty Things”: Una oda a la juventud y al advenimiento de una nueva especie de “superhombre”.
  • “Life on Mars?”: Una obra maestra cinematográfica, con su épico arreglo de cuerdas y su letra surrealista sobre el escapismo.
  • “Queen Bitch”: Un homenaje directo al rock crudo de The Velvet Underground, que presagiaba la energía glam que estaba por venir.

El Nacimiento de los ‘Spiders from Mars’

Hunky Dory no solo fue importante por sus canciones, sino también por el equipo que Bowie reunió. El álbum destaca por las deslumbrantes contribuciones del pianista Rick Wakeman (quien, poco después, se uniría a la legendaria banda de rock progresivo Yes), cuyo piano es el corazón de “Life on Mars?”.

Pero la pieza clave fue el guitarrista Mick Ronson. Su trabajo en este álbum marcó el inicio de una de las colaboraciones más legendarias de la historia del rock. Ronson no solo aportó su increíble talento con la guitarra, sino que también se convirtió en el arquitecto sónico de la próxima y más famosa encarnación de Bowie: Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

El Calmo Antes de la Tormenta Glam

En retrospectiva, Hunky Dory es el “calmo antes de la tormenta”. Es el álbum donde David Bowie, el artista, finalmente se puso al día con su propia y vasta imaginación. Apenas seis meses después, lanzaría The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, el disco que lo convertiría en un ícono intergaláctico.

Pero fue en Hunky Dory donde todo comenzó de verdad. Fue aquí donde Bowie nos advirtió que nos preparáramos para los cambios, sin saber que el cambio más grande de todos era él mismo. 

Labyrinth regresa a los cines en 4K por su 40º aniversario

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Cuarenta años después de su estreno, la magia, el peligro y la música de Labyrinth (Laberinto) regresan a la pantalla grande. The Jim Henson Company ha anunciado que la amada película de fantasía musical volverá a los cines en un evento especial de cuatro días, del 8 al 11 de enero de 2026.

Para celebrar su 40º aniversario, la película ha sido completamente remasterizada en formato 4K Ultra HD, lo que permitirá a los fans experimentar el intrincado mundo creado por Jim Henson con una claridad y un detalle nunca antes vistos. Las entradas para estas proyecciones especiales ya están a la venta a través de Fathom Entertainment.

Dirigida por el legendario creador de los Muppets, Labyrinth cuenta la historia de Sarah (una joven Jennifer Connelly), una adolescente de 16 años que, en un arrebato de frustración, desea que su pequeño hermanastro sea llevado por el Rey de los Goblins. Cuando su deseo se cumple, debe aventurarse en un laberinto mágico para rescatarlo.

El Legado Inmortal de Jareth, el Rey Duende

Gran parte del estatus de culto de la película se debe a la inolvidable interpretación de David Bowie como Jareth, el Rey de los Goblins. Carismático, magnético y ambiguamente peligroso, el personaje de Bowie no solo es el antagonista, sino también el corazón musical de la historia. El artista compuso e interpretó varias canciones para la banda sonora, incluyendo los clásicos “Magic Dance” y “As the World Falls Down”, que se convirtieron en himnos para toda una generación.

Su icónico vestuario y su enigmática presencia escénica lo consolidaron como uno de los villanos más fascinantes y queridos de la historia del cine fantástico.

Una Obra Maestra de la Fantasía Práctica

Labyrinth fue la última película dirigida por Jim Henson antes de su prematura muerte en 1990. Aunque en su estreno inicial en 1986 no fue un éxito de taquilla, la película encontró una segunda vida en el formato casero, convirtiéndose en un fenómeno cultural que ha perdurado por décadas.

La película es una celebración de los efectos prácticos y la maestría en la creación de títeres del Jim Henson’s Creature Shop. En una era dominada por el CGI, la fisicalidad y el encanto de personajes como Ludo, Hoggle y Sir Didymus siguen siendo un testimonio del genio creativo de Henson.

Una Celebración para los Fans

Para hacer de este reestreno un evento aún más especial, cada proyección incluirá un cortometraje exclusivo que celebra a la comunidad de fans de la película. Este material adicional fue filmado durante el reciente evento “Labyrinth Experience & Masked Ball” en el Reino Unido.

Este anuncio llega en un momento de gran actividad para The Jim Henson Company. El 25 de noviembre, la compañía realizará una subasta masiva de más de 400 artículos de su archivo, incluyendo utilería, vestuarios y títeres hechos a mano, ofreciendo a los coleccionistas una oportunidad única de poseer un pedazo de historia.

El concierto que convirtió a Nirvana en leyenda

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Un día como hoy, el 18 de noviembre de 1993, la banda más grande del planeta, Nirvana, subió al escenario de los estudios Sony Music en Nueva York para grabar una sesión que cambiaría la historia de la música para siempre. Su participación en la serie MTV Unplugged no fue solo un concierto acústico; fue una declaración artística, un acto de vulnerabilidad y, sin saberlo, un testamento musical que se convertiría en uno de los álbumes en vivo más grandes de todos los tiempos.

En contra de las expectativas de la cadena MTV, que esperaba un desfile de grandes éxitos como “Smells Like Teen Spirit”, Kurt Cobain diseñó una noche íntima y sombría. La banda, acompañada por el guitarrista Pat Smear y la chelista Lori Goldston, optó por un repertorio de canciones menos conocidas de su propio catálogo y una cuidada selección de versiones de artistas que admiraban.

Desafiando Todas las Expectativas

La atmósfera del concierto fue única. Cobain, visiblemente nervioso, pidió que el escenario estuviera decorado con lirios stargazer y velas negras, una petición que, según se dice, hizo que un productor le preguntara: “¿Te refieres a como un funeral?”. La respuesta afirmativa de Cobain, en retrospectiva, añade una capa de profundidad escalofriante a la actuación.

El setlist fue un acto de rebeldía en sí mismo. En lugar de complacer, Nirvana eligió compartir su alma musical, interpretando versiones de:

  • The Vaselines (“Jesus Doesn’t Want Me for a Sunbeam”)
  • David Bowie (“The Man Who Sold the World”)
  • Meat Puppets (“Plateau”, “Oh, Me”, “Lake of Fire”), con los hermanos Kirkwood de la banda uniéndose a ellos en el escenario.
  • Lead Belly (con la inolvidable y desgarradora interpretación final de “Where Did You Sleep Last Night”)

El Testamento Involuntario

La sesión se emitió en televisión un mes después, pero su leyenda se agigantó tras la trágica muerte de Kurt Cobain en abril de 1994. Meses después, la grabación fue lanzada como el álbum en vivo MTV Unplugged in New York. El disco fue un éxito comercial y crítico masivo, debutando en el número uno de las listas de todo el mundo y otorgándole a Nirvana la semana de ventas más alta de toda su carrera.

Más allá de las cifras, el álbum redefinió el legado de Nirvana. Despojó al grunge de su furia eléctrica para revelar la fragilidad, la belleza melódica y la profundidad lírica de las composiciones de Cobain. Se convirtió en la despedida que nadie supo que estaban presenciando, y hoy, más de 30 años después, sigue siendo una escucha esencial y un retrato crudo y honesto de un genio en su momento más vulnerable.

“The Final Act”: Nuevo documental sobre los últimos años de David Bowie

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Los últimos años de la vida de David Bowie, un período de enigmático silencio y una explosión creativa sin precedentes, serán explorados en un nuevo documental de 90 minutos para el canal británico Channel 4. Con el título provisional de “The Final Act”, la película promete trazar el capítulo final de uno de los artistas más icónicos de la música.

El documental contará con entrevistas raras de colaboradores cercanos a Bowie, así como de artistas que fueron inspirados por su obra. El foco estará en la “estrategia detrás de la resurrección artística de Bowie” y la inagotable creatividad que definió su última década, culminando con el lanzamiento de su obra maestra final, “Blackstar”, solo dos días antes de su fallecimiento en enero de 2016.

Bowie murió a los 69 años tras una batalla de 18 meses contra el cáncer, una enfermedad que mantuvo en estricta privacidad, convirtiendo sus últimos trabajos en un testamento artístico minuciosamente planeado.

“No fue un Final, fue una Resurrección”

El director del documental, Jonathan Stiasny, explicó la visión detrás del proyecto, que busca reinterpretar el final de la vida de Bowie no como una decadencia, sino como un renacimiento.

“El documental musical tradicional celebra el triunfo. Lo que más me fascinó al hacer esta película fue cómo  declaró Stiasny. “Transformó el fracaso en triunfo, el silencio en revelación y, finalmente, la muerte en arte.”

Shaminder Nahal, ejecutivo de Channel 4, añadió: “Bowie fue uno de esos raros artistas cuya imaginación nunca se apagó. Esta película revela cómo, al enfrentarse al final, encontró formas de romper barreras y crear algo trascendente.”

La película está a cargo de Rogan Productions, el aclamado equipo detrás de otros documentales musicales de alto perfil, incluyendo “Freddie Mercury: The Final Act” y “ABBA: Against the Odds”, lo que garantiza un tratamiento respetuoso y de alta calidad.

Este anuncio se suma a otro proyecto de la BBC, “Bowie In Berlin”, confirmando que, casi una década después de su partida, el legado del “Duque Blanco” sigue expandiéndose y revelando nuevas capas de su genio.

La banda sonora de “Sing” llega en vinilo, checa los detalles

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La aclamada banda sonora de la película animada de 2016, “Sing”, que reunió a estrellas de la música y el cine para interpretar grandes éxitos, recibirá por primera vez un lanzamiento en formato de vinilo. Esta edición especial estará disponible a partir del próximo 14 de noviembre y se presentará en una llamativa variante de color “azul psicodélico marmoleado”.

Aunque la película presenta más de 60 canciones, la banda sonora oficial se compone de 16 pistas que son, en su mayoría, versiones de clásicos del pop y el rock. El álbum abre con la canción original “Faith”, interpretada por la leyenda Stevie Wonder y Ariana Grande, que fue nominada a un Globo de Oro.

Sin embargo, para los amantes de los clásicos, el disco es una joya. Incluye la versión original del icónico dueto de Queen y David Bowie, “Under Pressure”. Además, presenta memorables interpretaciones como la de Jennifer Hudson cantando una mezcla de The Beatles con “Golden Slumbers/Carry That Weight” y la versión de Tori Kelly del clásico de Leonard Cohen, “Hallelujah”.

De Actor a Estrella de Rock: El Elenco Pone la Voz

Junto a estos músicos, el álbum destaca por las canciones interpretadas por el talentoso elenco de la película. Actores como Reese Witherspoon, Seth MacFarlane y Scarlett Johansson prestan sus voces para covers de éxitos como “Venus” y “Shake It Off”.

Una de las interpretaciones más notables es la de Taron Egerton, quien da voz al gorila adolescente Johnny. Egerton ofrece una poderosa versión de “I’m Still Standing” de Elton John, un adelanto del talento que demostraría años más tarde al interpretar al propio John en la película biográfica Rocketman de 2019.

“Sing” cuenta la historia de un koala llamado Buster Moon que organiza un concurso de canto para salvar su teatro. La banda sonora fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 8 en la lista Billboard Hot 200. El éxito de la película dio lugar a una secuela en 2021, Sing 2, que incluyó una canción original de U2, y Universal Pictures ya ha confirmado que una tercera película está en desarrollo.

El lanzamiento de este vinilo permite a los fanáticos y coleccionistas disfrutar de una manera diferente de un soundtrack que celebró la música a través de generaciones, uniendo a leyendas con nuevas estrellas.

Queen lidera la lista de los actos de rock más reproducidos del siglo

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A pesar de que su era dorada fue en los años 70 y 80, la música de Queen sigue reinando de forma indiscutible. La legendaria banda ha sido nombrada el acto de rock más escuchado del siglo XXI en el Reino Unido, según una nueva lista publicada por PPL para celebrar el próximo National Album Day.

El legado de la banda ha acumulado más de 400 millones de segundos de reproducción en radio y televisión solo en este siglo, lo que equivale a 12.5 años de reproducción continua. Sorprendentemente, la canción más escuchada no fue “Bohemian Rhapsody”, sino el éxito de 1986, “A Kind of Magic”.

El guitarrista Brian May reaccionó a la noticia con asombro y gratitud. “¡Noticia asombrosa! Teniendo en cuenta que la mayor parte de las obras principales de Queen se hicieron en el siglo XX, es increíble encabezar una lista del siglo XXI. Muchas gracias a todos nuestros fans”, declaró.

El Panteón del Rock: El Top 10 Completo

Queen lidera una lista repleta de leyendas del rock, superando a otros íconos británicos y contemporáneos. La competencia fue feroz, demostrando la increíble longevidad del género.

El Top 10 de los actos de rock más escuchados del siglo XXI en el Reino Unido:

  1. Queen
  2. David Bowie
  3. U2
  4. Oasis
  5. Fleetwood Mac
  6. Stereophonics
  7. The Rolling Stones
  8. The Police
  9. The Killers
  10. Kings Of Leon

Un Año de Celebración para Queen

Este reconocimiento llega en un momento de gran celebración para la banda. El próximo 18 de octubre, se lanzará la reedición del 50º aniversario de su obra maestra, ‘A Night at the Opera’, en un lujoso vinilo de color cristalino.

“Este ranking subraya cómo el rock a través de las décadas continúa prosperando en las ondas del Reino Unido. Felicitaciones a Queen por este gran galardón en un año de aniversario tan significativo”, afirmó Peter Leathem, CEO de PPL. El legado de Queen, a casi 55 años de su formación, demuestra ser más fuerte y resonante que nunca.

Ridley Scott dice que prefiere ver sus propias películas que las actuales

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El legendario director Ridley Scott, conocido por ser tan brillante como franco, ha lanzado una dura crítica contra el estado actual del cine, afirmando que la mayoría de las películas modernas son “mierda” y que, en su lugar, ha comenzado a volver a ver sus propias obras.

En una reciente charla en el BFI Southbank, el director de clásicos como Blade Runner, Alien y Gladiator no se guardó nada. “La cantidad de películas que se hacen hoy en día, literalmente a nivel global, son millones. No miles, millones… y la mayor parte es mierda”, sentenció.

Scott, de 87 años, sugirió que los efectos digitales se utilizan para “salvar y encarecer” películas que no tienen “una gran idea sobre el papel primero”. Su diagnóstico fue contundente: “Ahora mismo, estoy encontrando mediocridad, nos estamos ahogando en la mediocridad”.

“Son Bastante Buenas y no Envejecen”

La solución del director a este panorama desolador ha sido recurrir a su propio y aclamado catálogo. “Así que lo que hago —es algo horrible— es que he empezado a ver mis propias películas, ¡y en realidad son bastante buenas! Y además, no envejecen”, afirmó.

“Vi Black Hawk Down la otra noche y pensé: ‘¿Cómo demonios me las arreglé para hacer eso?'”, continuó. A pesar de su pesimismo, Scott admitió que “ocasionalmente, sale una buena [película], y es un alivio que haya alguien ahí fuera haciendo un buen cine”.

Su Visión sobre ‘Alien’ y el Fin de una Era

Scott también aprovechó para hablar de Alien, la franquicia de ciencia ficción que él mismo inició. A principios de este año, descartó volver a dirigir una película de la saga, argumentando que ya ha “hecho suficiente”.

Su opinión sobre el rumbo que tomó la franquicia también es dura. “Creo que la mía fue bastante buena, y creo que la de [James] Cameron fue buena, y tengo que decir que el resto no fueron muy buenas”, declaró. “Y pensé: ‘Joder, ese es el final de una franquicia que debería ser tan importante como Star Trek o Star Wars'”.

Las declaraciones de Ridley Scott, un maestro que ha definido géneros enteros, son un llamado de atención a una industria que, según él, ha priorizado la cantidad sobre la calidad.

La historia de “The Jean Genie” de David Bowie

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Un día como hoy, 6 de octubre, pero de 1972, en medio de su primera y caótica gira por Estados Unidos, David Bowie entró a los estudios RCA en Nueva York y grabó en una sola toma uno de los riffs más crudos y pegajosos de la historia del rock: “The Jean Genie”. La canción no solo se convertiría en el primer sencillo de su próximo álbum, Aladdin Sane, sino en una de las piedras angulares del movimiento glam rock.

“The Jean Genie” es un rock and roll directo, sucio y con una energía arrolladora, construido sobre un riff de guitarra bluesero y potente interpretado por su legendario guitarrista, Mick Ronson. La canción fue escrita en el autobús de la gira, y su letra, llena de imágenes surrealistas y decadentes, estaba inspirada en dos figuras clave de la cultura estadounidense: Iggy Pop y la socialité Cyrinda Foxe.

Un Homenaje a Iggy Pop y la “Chica de Nueva York”

Bowie mismo describió la canción como “un pastiche de la América de los ‘sleazy diners’ y las groupies”. El personaje de Jean Genie era, en esencia, una versión ficcionalizada de Iggy Pop, un “chimpancé con un pene de nieve” y “pelo tan largo como el de una chica”.

La canción captura la energía cruda y el peligro que Bowie admiraba en su amigo. Fue su intento de crear un rock and roll directo y sin adornos, una respuesta a la escena estadounidense que lo estaba fascinando.

El Nacimiento de Aladdin Sane

“The Jean Genie” fue la primera canción grabada para el álbum Aladdin Sane (1973), un disco que Bowie describió como “Ziggy Stardust va a América”. Si Ziggy Stardust era sobre la fantasía de una estrella de rock alienígena, Aladdin Sane era sobre la realidad fracturada y a menudo violenta de la fama en Estados Unidos.

El sonido más duro y agresivo de “The Jean Genie” marcó la pauta para un álbum que se alejaría del pop para adentrarse en un rock más afilado, con influencias de The Rolling Stones y el blues.

Hoy, 53 años después de su grabación, “The Jean Genie” sigue siendo un torbellino de energía, el sonido de un genio en la cima de su poder creativo, absorbiendo el mundo a su alrededor y transformándolo en tres minutos de rock and roll inmortal.