Archivos de la categoría Cultura Pop

Revelan el proyecto final secreto de David Bowie: Un musical

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Nueve años después de su muerte, el genio creativo de David Bowie sigue revelando sorpresas. Se ha descubierto que, durante sus últimos meses de vida, mientras el mundo esperaba el lanzamiento de su aclamado álbum final Blackstar, el artista trabajaba en secreto en otro ambicioso proyecto: un “musical del siglo XVIII” titulado .

Los detalles de esta obra póstuma permanecieron ocultos, incluso para sus colaboradores más cercanos, hasta que sus notas manuscritas fueron descubiertas en su estudio privado en 2016. El hallazgo se produjo cuando los archivistas comenzaron a catalogar sus pertenencias para el archivo oficial.

El estudio era un santuario al que solo Bowie y su asistente personal tenían acceso, por lo que todo su contenido se mantuvo intacto. Ahora, estas notas han sido donadas al V&A Museum de Londres, junto con el resto del masivo archivo de Bowie.

Un Vistazo a la Mente del Artista en el V&A Museum

Los fans tendrán la oportunidad de ver estas notas y otros 90,000 objetos del archivo personal de Bowie cuando el David Bowie Centre abra sus puertas en el V&A East Storehouse el próximo 13 de septiembre.

Las notas revelan que Bowie estaba profundamente interesado en el desarrollo del arte y la cultura del Londres del siglo XVIII. Estaba particularmente fascinado por las historias de bandas criminales y del notorio ladrón Jack Sheppard. Este proyecto habría cumplido una de sus ambiciones de toda la vida: escribir para el teatro.

‘Lazarus’ y el Sueño del Teatro

Aunque The Spectator nunca se completó, Bowie sí logró cumplir su sueño teatral poco antes de morir con el musical ‘Lazarus’, coescrito con Enda Walsh. Inspirado en la novela El Hombre que Cayó a la Tierra, la misma que Bowie protagonizó en el cine en 1976, el musical se estrenó en Nueva York a finales de 2015.

Este proyecto final secreto añade una nueva y fascinante capa al legado de un artista que nunca dejó de crear, incluso mientras se enfrentaba a su propia mortalidad. La revelación demuestra que, hasta el final, David Bowie fue un torbellino de ideas, siempre mirando hacia su próximo acto.

U2, The Cure, Depeche Mode y más: bandas de los 80 que siguen de gira

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La década de los 80 parece lejana en el calendario, una era de sintetizadores, new wave y rock de estadio que definió a una generación. Sin embargo, para un selecto grupo de bandas legendarias, el tiempo parece ser solo un número. Lejos de ser meros actos de nostalgia, estos íconos no solo siguen activos, sino que continúan realizando giras masivas, lanzando música aclamada y demostrando que su relevancia es atemporal.

Mientras muchas bandas de su era se han disuelto o se limitan a apariciones esporádicas, estas potencias musicales siguen siendo una fuerza imparable en la industria de la música en vivo, convocando a legiones de fans, tanto veteranos como nuevos, que llenan estadios en todo el mundo para ser testigos de su energía incombustible.

U2: La Ambición de la Banda Más Grande del Mundo

Desde que se proclamaron como la banda más grande del planeta, U2 nunca ha dejado de estar a la altura de esa afirmación. Su capacidad para reinventarse y para crear espectáculos en vivo que son tanto conciertos como eventos tecnológicos es legendaria. Su reciente residencia en la Esfera de Las Vegas con el show U2:UV Achtung Baby Live at Sphere es el ejemplo perfecto: un espectáculo audiovisual sin precedentes que ha redefinido los límites de un concierto. Con más de 40 años de carrera, Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. siguen siendo el estándar de oro del rock de estadio.

The Cure: El Eterno Culto a la Melancolía Feliz

Con Robert Smith como su eterno y carismático líder, The Cure ha mantenido una conexión casi espiritual con su base de fans. Sus conciertos son eventos maratónicos, a menudo superando las tres horas, donde la banda se sumerge en un repertorio que abarca desde sus éxitos más radiantes hasta sus joyas más oscuras. Lejos de ser un ejercicio de nostalgia, cada gira de The Cure es una reafirmación de su sonido único y de su capacidad para evocar una gama de emociones que sigue resonando con una fuerza increíble.

Depeche Mode: Los Titanes del Synth-Pop Oscuro

Depeche Mode ha completado una de las transformaciones más exitosas de la historia del pop. Lo que comenzó como un grupo de synth-pop juvenil en los 80, evolucionó hasta convertirse en una potencia de rock electrónico oscuro y masivo. Su más reciente gira mundial, Memento Mori Tour, ha sido un éxito rotundo, llenando estadios en todo el globo y demostrando la increíble vigencia de su música. La energía de Dave Gahan en el escenario y las complejas atmósferas de Martin Gore siguen siendo una combinación imbatible.

Duran Duran: El Glamour que Nunca Pasa de Moda

Los “chicos guapos de Birmingham” nunca han perdido su estilo. Duran Duran, sinónimo del glamour y la sofisticación del New Romantic, sigue ofreciendo espectáculos en vivo que son una celebración de la elegancia y el pop de alta calidad. Con álbumes recientes aclamados por la crítica, como Future Past, la banda ha demostrado que no vive del pasado. Sus conciertos son una mezcla perfecta de sus himnos inmortales de los 80 con nuevo material que demuestra que su creatividad sigue intacta.

Iron Maiden: La Bestia del Heavy Metal no Descansa

En el lado más pesado del espectro de los 80, Iron Maiden sigue siendo una fuerza de la naturaleza. Sus giras mundiales son producciones teatrales a gran escala, con su icónica mascota Eddie siempre presente. A diferencia de muchas bandas de su generación, Maiden nunca ha comprometido su sonido y sigue ofreciendo conciertos con una energía y una precisión que avergonzarían a bandas con la mitad de su edad. Son la prueba viviente de que el heavy metal clásico es eterno.

Peter Hook culpa a la mala relación con New Order por la ausencia en el Salón de la Fama

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Peter Hook, el legendario bajista de Joy Division y New Order, ha roto el silencio sobre por qué cree que dos de las bandas más influyentes de la historia del rock alternativo aún no han sido incluidas en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Su respuesta apunta directamente a la amarga y pública disputa que mantiene con sus excompañeros.

En una nueva entrevista, el músico de 69 años explicó que, aunque ambas bandas tienen una presencia en el museo y son queridas por el público, la falta de unidad es el principal obstáculo. “El problema, digamos, es la relación entre las dos mitades”, afirmó Hook.

El bajista, quien dejó New Order en 2007, explicó que para ser incluido en el Salón de la Fama, los artistas nominados deben movilizar activamente a sus fans para que voten por ellos. Debido a la fractura total entre él y el resto de New Order, esta campaña conjunta es simplemente imposible.

“Una Falta de Entusiasmo en una de las Partes”

Hook fue directo al señalar la falta de cooperación. “Estás en una situación extraña aquí, porque los dos bandos no tienen ninguna comunicación y activamente no se gustan”, explicó. “Cuando se trata de trabajar en estas cosas, tienes que hacer saber a tus fans que pueden votar por ti… No te lo regalan”.

“Si comparas nuestra campaña de la última vez con la de esta vez, puedes ver que ha habido —digamos— una falta de entusiasmo en una de las partes por todo el asunto”, añadió, dejando claro que sin un frente unido, la nominación está condenada al fracaso.

Un Legado de Disputas Legales y un Posible “Ring de Boxeo”

La separación de Peter Hook de New Order en 2007 desató años de amargas batallas legales sobre regalías, los derechos del nombre de la banda y los ingresos de las giras. Hook afirmó que fue excluido de las decisiones mientras los miembros restantes continuaban sin él. La disputa llegó a los tribunales antes de que se alcanzara un acuerdo confidencial en 2017.

Mientras tanto, el bajista continúa celebrando el legado de ambas bandas con su proyecto Peter Hook and The Light, con el que ha recorrido el mundo interpretando íntegramente los álbumes de Joy Division y New Order. 

Eagles anuncia nuevas fechas de su residencia en Las Vegas

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La legendaria banda de rock Eagles ha anunciado las primeras fechas de conciertos confirmadas para 2026, extendiendo su aclamada y exitosa residencia en la Esfera de Las Vegas. Los fans tendrán cuatro nuevas oportunidades para experimentar el espectáculo inmersivo en el mes de enero.

La banda, que continúa con sus presentaciones programadas para este mes, octubre y noviembre, ha añadido estas nuevas fechas debido a la abrumadora demanda. Con estos cuatro nuevos conciertos, el número total de presentaciones de los Eagles en la Esfera ascenderá a 48, consolidando una de las residencias más importantes del innovador recinto.

Una Experiencia Inmersiva desde 2024

La residencia de los Eagles en la Esfera comenzó en septiembre de 2024 y rápidamente se convirtió en uno de los espectáculos más comentados de Las Vegas, gracias a la combinación de su atemporal catálogo de éxitos con la tecnología de vanguardia del recinto.

El precio de los boletos para las nuevas fechas comenzará en $175 dólares (aproximadamente $3,237 pesos), con impuestos y cargos ya incluidos. También estarán disponibles paquetes VIP y de hotel a través de la página oficial de la banda.

“Third Encore Experience” para los Fans

Además del concierto, los asistentes pueden disfrutar de la “Third Encore Experience”, una exhibición inmersiva gratuita y abierta al público, ubicada en el Venetian Resort. Este espacio complementa la experiencia del concierto, ofreciendo a los fans una inmersión aún más profunda en el legado de la banda.

La continuación de esta residencia subraya el increíble poder de convocatoria de los Eagles, una banda cuyo sonido definió el rock californiano de los años 70 y que, décadas después, sigue siendo capaz de llenar los recintos más avanzados y espectaculares del mundo.

Abogado de Sting responde a demanda de The Police por regalías

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La batalla legal dentro de The Police ha escalado. Los abogados de Sting han respondido a la reciente demanda presentada por sus excompañeros, el baterista Stewart Copeland y el guitarrista Andy Summers, con una afirmación explosiva: en lugar de deberles dinero, es posible que les hayan “pagado sustancialmente de más”.

Según un reporte de The New York Times, la defensa de Sting argumenta que la demanda es un “intento ilegítimo” de reinterpretar un acuerdo que los tres músicos firmaron en 2016. La semana pasada, Copeland y Summers demandaron al vocalista por más de 2 millones de dólares (aproximadamente 37 millones de pesos), alegando que se les deben “tarifas de arreglistas” por la “explotación digital” del catálogo de la banda.

Sin embargo, el equipo legal de Sting sostiene que el acuerdo de 2016, que se firmó para resolver una disputa anterior sobre los ingresos de las canciones en cine y televisión, ya cubre este tipo de regalías y que, bajo una interpretación de esos términos, sus compañeros ya han sido sobrepagados.

Una Disputa que se Remonta a los Años 70

Este conflicto no es nuevo; es la culminación de casi 50 años de tensiones financieras. La disputa se origina en la formación de la banda en 1977, cuando Sting, como compositor principal, acordó pagar a Copeland y Summers el “15 por ciento de algunas regalías” de las canciones que escribiera para el grupo.

Este acuerdo informal fue formalizado en 1981 y revisado nuevamente en 1997, después de que Copeland y Summers alegaran que se les había pagado de menos “durante un período considerable”. El acuerdo de 2016, que ahora está en el centro de la nueva disputa, fue el último intento de resolver estas tensiones.

Las Cifras Detrás de los Éxitos

Para entender la magnitud de lo que está en juego, basta con mirar las cifras de uno de sus mayores éxitos. Como único compositor acreditado de “Every Breath You Take”, se estima que Sting gana anualmente alrededor de 740,000 dólares solo por esa canción.

La nueva demanda se centra en cómo se reparten las ganancias en la era del streaming y la explotación digital, un terreno que no estaba claramente definido en los acuerdos originales. Esta batalla legal amenaza con añadir un capítulo final y amargo a la historia de una de las bandas más exitosas y conflictivas de los años 80.

Bryan Adams anuncia nuevas fechas de su gira por Reino Unido

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Debido al éxito de su gira por el Reino Unido, la leyenda del rock canadiense, Bryan Adams, ha anunciado tres nuevas fechas a su gira para el próximo mes de diciembre. Estos conciertos forman parte de su exitosa gira mundial “Roll With The Punches”.

El músico de 65 años ya ha tenido una fuerte presencia en Gran Bretaña este año, con una primera etapa de nueve conciertos en mayo, además de actuaciones en importantes festivales como el Rock N Roll Circus de Sheffield, donde compartió escenario con su colaboradora de “When You’re Gone”, Mel C.

Ahora, el intérprete de himnos como “Run To You” y “Summer of ’69” regresará a finales de año para tres presentaciones más en Hull, Cardiff y Brighton.

Celebrando el Éxito de ‘Roll With The Punches’

La gira celebra el lanzamiento del 16º álbum de estudio del artista, ‘Roll With The Punches’, que ha tenido una excelente recepción, debutando en el número tres de las listas de álbumes del Reino Unido. Este disco es particularmente significativo, ya que es el primero lanzado bajo su propio sello discográfico independiente, Bad Records, fundado el año pasado.

Las nuevas fechas confirman la fuerte y duradera conexión de Adams con el público británico, que ha respondido con entusiasmo a su nueva música y a su inagotable energía en el escenario.

Nuevas fechas de la gira ‘Roll With The Punches’ en el Reino Unido:

  • 8 de diciembre: Connexin Live, Hull
  • 9 de diciembre: Utilita Arena, Cardiff
  • 10 de diciembre: Brighton Centre, Brighton

La Verdadera Historia de su “Primera Guitarra de Seis Cuerdas”

Recientemente, Adams compartió la verdadera historia detrás de la famosa línea de su clásico “Summer of ’69”. Contrario a lo que dice la canción, su “primera guitarra de seis cuerdas real” no fue comprada en una tienda de “todo a cinco y diez centavos”, sino en una tienda de música en Reading, Inglaterra, en 1970, cuando tenía 12 años.

Curiosamente, después de vivir un año en Israel, el joven Adams dejó la guitarra en ese país cuando regresó a Canadá, un pequeño detalle que añade una nueva capa a la mitología de una de sus canciones más queridas.

Soft Cell y la historia de su éxito ‘Tainted Love’

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En septiembre de 1981, una canción de soul de los años 60, venerada en los clubes clandestinos del norte de Inglaterra, fue reinventada para una nueva era. Ese año, el dúo de synth-pop Soft Cell llegó al número 1 en el Reino Unido con “Tainted Love”, un himno minimalista y frío que no solo definió su carrera, sino que se convirtió en un pilar del sonido electrónico que dominaría la década de los 80.

La canción, escrita por Ed Cobb, había sido grabada originalmente en 1964 por la cantante estadounidense Gloria Jones (futura pareja de Marc Bolan de T. Rex). Aunque su versión nunca fue un éxito comercial, se convirtió en un tesoro de culto en la escena Northern Soul de Inglaterra, un movimiento de jóvenes que bailaban toda la noche al ritmo de oscuros discos de soul americano. Fue allí donde la canción esperó, en silencio, a ser redescubierta.

El Origen Secreto: Un Tesoro del Northern Soul

A principios de los 80, Marc Almond y Dave Ball, dos estudiantes de arte de Leeds, buscaban una canción interesante para tocar como encore en sus shows. Fue Ball, un aficionado al Northern Soul, quien le presentó la grabación original de “Tainted Love” a Almond.

“Dave me enseñó el disco”, recordaría Almond más tarde. “Me encantó, y queríamos una canción interesante para el bis. A Dave le encantaba el Northern Soul y era una novedad que una banda de sintetizadores hiciera una canción de soul“. La idea de despojar a un clásico del soul de sus instrumentos orgánicos y reconstruirlo con una paleta electrónica y sin guitarras era radical y definitoria.

El Sonido de una Nueva Década

La versión de Soft Cell, lanzada en julio de 1981, era la antítesis del original. Era lenta, siniestra y estaba impulsada por un ritmo electrónico hipnótico y una melodía de sintetizador inolvidable. La apasionada voz de Marc Almond le dio a la letra una nueva capa de angustia y drama.

El éxito en el Reino Unido fue meteórico. En pocas semanas, la canción escaló las listas y el 5 de septiembre desbancó a “Japanese Boy” de Aneka del número 1, donde permaneció dos semanas. Con una increíble permanencia de 30 semanas en las listas, se convirtió en la canción insignia de la banda y catapultó las ventas de su álbum debut, Non-Stop Erotic Cabaret.

La Conquista de América: Un Récord Inesperado

Si su éxito en el Reino Unido fue grande, lo que sucedió en Estados Unidos fue sensacional. Aunque solo alcanzó el número 8 en el Billboard Hot 100, “Tainted Love” estableció un récord de longevidad en ese momento, permaneciendo en la lista durante unas asombrosas 43 semanas.

La canción se convirtió en un himno de la new wave y en una de las exportaciones británicas más exitosas de la época. Hoy, con más de 1.3 millones de copias vendidas solo en el Reino Unido, “Tainted Love” es el ejemplo perfecto de cómo una gran canción puede cruzar géneros y décadas para encontrar una nueva vida, llevando el alma del pasado al futuro sintético.

Hasta siempre Rick Davis

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El mundo de la música despide a Rick Davies, cofundador, vocalista y tecladista de la legendaria banda británica Supertramp, quien falleció el pasado fin de semana a los 81 años de edad. 

Nacido en 1944 en Swindon, Inglaterra, Rick Davies mostró desde joven un interés profundo por la música. Su estilo al piano, con tintes de blues y jazz, y su voz barítono de matices ásperos lo distinguieron desde sus primeras incursiones en el escenario. En 1969, al publicar un anuncio en busca de músicos, encontró a Roger Hodgson, con quien fundaría Supertramp, grupo que pronto alcanzaría reconocimiento internacional. Cuando Rick Davies y Roger Hodgson se conocieron, parecía que estaban destinados a complementarse. Davies aportaba el piano rítmico, el gusto por el blues y el jazz, y una voz grave y áspera; Hodgson, en cambio, era la contraparte melódica, con un tono agudo, un estilo más espiritual y letras cargadas de introspección. Durante los años setenta, esa dualidad fue la esencia de Supertramp.

El ascenso de la banda se consolidó con discos como Crime of the Century en 1974, que incluyó himnos generacionales como Dreamer y Bloody Well Right. Pero fue con Breakfast in Americade 1979 cuando Supertramp alcanzó su mayor éxito mundial, gracias a canciones convertidas en clásicos como The Logical Song, Take The Long Way Home yGoodbye Stranger. La combinación de la sensibilidad melódica de Hodgson y la profundidad rítmica de Davies creó una dupla creativa irrepetible.

Cuando Hodgson dejó la agrupación en 1983, Rick Davies asumió el liderazgo absoluto de Supertramp. Bajo su guía, la banda continuó produciendo discos como Brother Where You Bound y Free as a Bird, manteniéndose fiel a un estilo que fusionaba sofisticación instrumental con letras cargadas de ironía y reflexión. Davies se convirtió en el único miembro constante de la formación, el pilar que sostuvo el proyecto durante décadas.

En 2015, un diagnóstico de mieloma múltiple lo obligó a cancelar la gira Supertramp Forever Tour, lo que marcó un punto de inflexión en su vida personal y artística. A pesar de la enfermedad, mostró fortaleza y llegó a reaparecer en pequeños escenarios, recordándole al público la pasión que lo acompañó hasta el final.

A lo largo de los noventa y los dos mil, hubo rumores y propuestas de reunión, pero los desencuentros entre Davies y Hodgson nunca permitieron concretarlo. Hodgson solía comentar que le hubiera gustado revivir la dupla, pero que las diferencias de carácter y la manera en que Davies manejaba la banda lo hacían imposible.

Rick Davies deja tras de sí un legado imborrable. Con su partida se apaga una de las voces más singulares del rock, pero su música sigue viva en millones de oyentes que encuentran en las canciones de Supertramp la mezcla perfecta de nostalgia, emoción y virtuosismo.

PABLO EMILIO ISLAS MARQUEZ. 
Hasta siempre Rick Davis

Septiembre de 2025. 

Resumen de los MTV VMAs 2025: Actuaciones y ganadores

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La noche de los MTV Video Music Awards 2025 fue dominada por el poder femenino, con Lady Gaga emergiendo como la máxima ganadora con cuatro premios, incluyendo el codiciado galardón a Artista del Año. Ariana Grande y Sabrina Carpenter también tuvieron una noche triunfal, llevándose a casa tres trofeos cada una.

Ariana Grande se alzó con el premio principal, Video del Año, por su emotivo clip “Brighter Days Ahead”. En su discurso de aceptación, la estrella del pop compartió un mensaje de esperanza: “Este proyecto trata sobre todo el trabajo duro que implica sanar diferentes tipos de trauma… Si estás en ese viaje, por favor continúa, porque prometo que hay días más brillantes por delante”.

La ceremonia, conducida por LL Cool J desde el UBS Arena de Nueva York, fue transmitida por primera vez en la cadena CBS, un movimiento que subraya el estatus de los VMAs como el último gran bastión cultural de la era dorada de MTV.

Sabrina Carpenter: La Actuación Más Provocadora y Política de la Noche

En una gala con muchas actuaciones consideradas “seguras”, Sabrina Carpenter ofreció el momento más memorable y audaz. Su interpretación de su provocador sencillo “Tears” adoptó una estética neoyorquina de los 90, pero fue su mensaje lo que resonó con más fuerza.

Acompañada por drag queens, sus bailarines sostuvieron carteles con frases como “Protejan los Derechos Trans” y “En lo Trans Confiamos”, convirtiéndose en la única artista de la noche en hacer una declaración política explícita. “Este mundo puede estar lleno de críticas y negatividad, así que ser parte de algo que puede traer luz… estoy muy agradecida”, dijo al aceptar el premio a Mejor Álbum.

Homenajes a Leyendas y un Momento Histórico para Mariah Carey

Los actos de legado proporcionaron algunos de los momentos más destacados. La legendaria Mariah Carey finalmente recibió su primer “Moon Person”, el premio Video Vanguard, después de una carrera de tres décadas. “¿Qué demonios les tomó tanto tiempo?”, bromeó durante su discurso, tras una espectacular interpretación de siete de sus grandes éxitos.El rapero Busta Rhymes demostró su inigualable destreza lírica antes de recibir el premio Rock the Bells Visionary. Además, la noche incluyó un emotivo tributo al “Príncipe de las Tinieblas”, Ozzy Osbourne, fallecido a principios de este verano, que unió en el escenario a Yungblud con Steven Tyler y Joe Perry de Aerosmith.

Green Day lanza el tráiler de su nueva película ‘New Years Rev’

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La legendaria banda de punk rock Green Day ha presentado el primer teaser tráiler de ‘New Years Rev’, una comedia coming-of-age basada en sus propios y caóticos inicios en la carretera. La película promete ser una celebración del espíritu rebelde y la camaradería que forjaron su carrera.

La trama sigue a una joven y ambiciosa banda de punk que se lanza a la carretera rumbo a California, tras creer erróneamente que han conseguido el concierto de sus vidas: abrir para Green Day en su show de Año Nuevo en Los Ángeles. Lo que sigue es un viaje por carretera “ruidoso, travieso y lleno de aventuras”, donde los novatos aprenden a las duras la verdadera vida de una estrella de rock.

El teaser de 55 segundos, musicalizado con el himno “Holiday”, nos muestra a los jóvenes protagonistas ideando su plan, enfrentándose a un rudo conductor de grúa y tocando en lo que parece ser un parque de patinaje. La película, que aún no tiene fecha de estreno, está protagonizada por Mason Thames, Kylr Coffman y Ryan Foust.

“Los Días de Furgoneta Mandan”

En un comunicado, el líder de Green Day, Billie Joe Armstrong, reflexionó sobre la inspiración detrás de la película, recordando con cariño esos primeros y duros días. “Los días de furgoneta mandan”, declaró. “Conduces toda la noche sin dormir para luego tocar en un sótano para 10 chicos… Pero lo haces de nuevo al día siguiente, y al siguiente. Porque lo estás haciendo con tus compañeros de banda que se convierten en tu familia, y es algo diferente a todo lo que has conocido. Es eléctrico”.

La película, escrita y dirigida por Lee Kirk (Ordinary World), también cuenta con un elenco de comedia de lujo, incluyendo a Jenna Fischer y Angela Kinsey (Pam y Angela de The Office), Fred Armisen y Bobby Lee.

Una Producción con Espíritu Punk y Respaldo Corporativo

Green Day no solo inspiró la película, sino que también se desempeña como productores ejecutivos, asegurando que el “espíritu punk rock” se mantenga intacto.

Curiosamente, a pesar de la energía rebelde del proyecto, la película es una producción de Live Nation Films, la división cinematográfica del gigante de la venta de boletos. Esta misma productora estuvo detrás del éxito de A Star Is Born (Nace una Estrella) de Lady Gaga en 2018.