A sus 85 años, la leyenda de The Beatles, Sir Ringo Starr, no tiene ninguna intención de colgar las baquetas. El icónico baterista ha reafirmado su amor incondicional por los escenarios al dar inicio a una nueva gira por Estados Unidos con su All Starr Band, asegurando que la emoción de tocar en vivo sigue tan viva como siempre.
En una charla con los medios antes de su concierto en Milwaukee, Ringo explicó por qué, después de casi siete décadas en la música, sigue recorriendo el mundo.
El Secreto de la Eterna Juventud
Cuando se le pregunta sobre su edad, Ringo responde con el humor y el espíritu juvenil que siempre lo han caracterizado. El baterista atribuye esta vitalidad a su pasión por la música, un sentimiento que lo ha acompañado toda su vida y que incluso su madre notó desde el principio.
Viviendo “en el Ahora”
Más allá de la música, la filosofía de vida de Ringo es simple: vivir el momento presente, sin preocuparse por el pasado o el futuro. “Vivo en el ahora. No planeé nada de esto. Amo la vida que se me permite vivir”, afirmó.
Esta actitud es la que lo mantiene en la carretera, compartiendo escenario con otros músicos legendarios en su All Starr Band, un proyecto que ha demostrado ser una de las giras más consistentes y queridas del rock clásico. Para Ringo, la alegría no está en los recuerdos, sino en el próximo golpe de batería frente a una multitud que lo adora.
La demanda para ver a The Weeknd en su gira “After Hours Til Dawn” es simplemente insaciable. Apenas una semana después de anunciar la etapa europea y latinoamericana de su tour para 2026, el artista canadiense ha añadido tres fechas adicionales en el icónico Estadio de Wembley en Londres, debido a la abrumadora respuesta del público.
Inicialmente, se habían anunciado dos conciertos en la capital británica para el 14 y 15 de agosto de 2026. Ahora, se suman tres nuevas presentaciones los días 16, 18 y 19 de agosto, llevando su estancia en Wembley a un impresionante total de cinco noches.
Un Tour con Causa Benéfica
Más allá de su éxito comercial, la gira “After Hours Til Dawn” tiene un fuerte componente filantrópico. Una porción de cada boleto vendido se destina al Fondo Humanitario XO, una iniciativa del artista en colaboración con Global Citizen.
Específicamente, 1 libra de cada boleto en el Reino Unido, 1 euro en Europa y el equivalente a 1 dólar en México y Brasil serán donados al Programa Mundial de Alimentos de las Naciones Unidas y al Fondo de Educación Global de la FIFA para combatir el hambre y apoyar la educación infantil.
¿La Despedida de “The Weeknd”?
Esta gira masiva podría ser una de las últimas oportunidades de ver al artista bajo su famoso apodo. Abel Tesfaye ha expresado repetidamente su deseo de “matar” el personaje de The Weeknd, afirmando que su último álbum, Hurry Up Tomorrow, será el final de esa era.
Aunque el cambio aún no es oficial, esta gira se siente como el canto del cisne de uno de los alter egos más exitosos de la historia del pop.
El legendario David Byrne ha regresado con su esperado nuevo álbum, ‘Who Is The Sky?’, su primer trabajo de estudio desde el aclamado American Utopia de 2018. El disco, lanzado a través de Matador Records, llega acompañado del estreno de un nuevo sencillo, “What Is The Reason For It?”, en colaboración con Hayley Williams, la poderosa vocalista de Paramore.
La canción destaca por la fascinante interacción vocal entre Byrne y Williams, mientras exploran la naturaleza del amor de una manera que desafía la lógica. El tema se ha estrenado con un innovador video musical que utiliza inteligencia artificial de vanguardia para animar más de 20 dibujos originales del propio Byrne, un proyecto visualmente impactante dirigido por Shira Indbar.
Un Sonido Ambicioso y un Equipo de Lujo
Who Is The Sky? es un proyecto ambicioso que reúne a un equipo de talentos de primer nivel. El álbum fue producido por Kid Harpoon, el productor ganador del Grammy detrás de éxitos de Harry Styles y Miley Cyrus. Además, las 12 canciones del disco cuentan con arreglos del aclamado conjunto de cámara neoyorquino Ghost Train Orchestra.
La lista de invitados es igualmente impresionante. Además de Hayley Williams, el álbum incluye colaboraciones con la multifacética artista St. Vincent y con Tom Skinner, el baterista de la aclamada banda The Smile (proyecto de los miembros de Radiohead).
Gira Mundial y Temas de Conexión Humana
Para acompañar el lanzamiento, David Byrne se embarcará en una gran gira mundial a finales de este mes. El tour, producido por Live Nation, comenzará el 14 de septiembre en Rhode Island y lo llevará a recintos icónicos como el Radio City Music Hall de Nueva York y el Dolby Theatre de Los Ángeles.
El nuevo álbum fue presentado previamente con el contagioso primer sencillo, “Everybody Laughs”, una canción que establece el tono temático del disco, centrado en la conexión humana y el potencial de unidad social en un mundo caótico. Who Is The Sky? promete ser otra obra maestra en la carrera de uno de los artistas más innovadores e influyentes de las últimas cinco décadas.
Un misterio ha envuelto el universo digital de Pink Floyd. La legendaria banda ha reemplazado las portadas de todos sus álbumes en las plataformas de streaming y redes sociales con una imagen completamente negra, mostrando únicamente una descripción literal de la obra de arte original en texto blanco. Este movimiento ha desatado una ola de especulación entre los fans, y todas las pistas apuntan a una inminente celebración del 50º aniversario de su obra maestra de 1975, .
La campaña es sutil pero poderosa. La portada de The Dark Side of the Moon ahora se describe como “Un prisma de luz refractada”, mientras que la de Wish You Were Here dice: “Dos hombres en traje dándose la mano, un hombre está en llamas”. Este último detalle es especialmente significativo, ya que el LP original de 1975 se vendía envuelto en un plástico negro opaco que ocultaba la icónica portada, un gesto que la banda parece estar replicando digitalmente.
El aniversario del álbum es este viernes, 12 de septiembre, por lo que se espera que un anuncio oficial sea inminente.
La Nueva Era de Sony y el Retorno de la Inversión
Aunque no ha habido un comunicado oficial, el contexto comercial refuerza la teoría de una reedición masiva. En octubre de 2024, Sony Music adquirió el catálogo completo de Pink Floyd por una cifra reportada de 400 millones de dólares (aproximadamente 7.4 mil millones de pesos). Es lógico suponer que los nuevos propietarios quieran comenzar a obtener un retorno de su inversión con una celebración a gran escala de uno de los álbumes más queridos de la banda.
Esta estrategia ya se vio en abril, cuando el sello lanzó con gran éxito el álbum y la película en vivo Pink Floyd At Pompeii – MCMLXXII en varios formatos.
Un Legado en Constante Movimiento
Mientras el legado de la banda se prepara para un nuevo capítulo, sus miembros continúan activos. El guitarrista David Gilmour estrenará esta noche en Londres su nueva película de concierto, Live At The Circus Maximus, que llegará a los cines a finales de este mes.
La misteriosa campaña digital ha logrado su objetivo: el internet está inundado de especulaciones y emoción.
En un momento que sella décadas de una compleja relación, Sir Paul McCartney asistió al concierto de la gira de reunión de Oasis en el Rose Bowl de Los Ángeles, y su veredicto fue simple y contundente: “Fabuloso”. La presencia del legendario Beatle en el show es un gesto significativo, considerando la tensa historia entre él y los hermanos Gallagher.
McCartney fue captado en video por otros asistentes mientras grababa con su teléfono la interpretación de Noel Gallagher de “Little By Little”. Según la cuenta de fans “Oasis Mania”, el músico fue el único en su sección que se puso de pie para disfrutar de la canción, un claro gesto de admiración.
Más tarde, al salir del recinto, un fan le preguntó qué le había parecido el concierto, a lo que McCartney respondió con un entusiasta “¡Fabuloso!”, acompañado de un gesto de “todo bien” con la mano.
La admiración de McCartney es especialmente notable dada la historia de fricción entre él y Oasis. En 1996, en la cima de su fama, Noel Gallagher declaró polémicamente que Oasis era “más grande que The Beatles”. La respuesta de McCartney, en una entrevista de 1997, fue mordaz: “Son derivativos y se creen demasiado. No significan nada para mí”.
Aunque Gallagher se retractó más tarde de su comentario, la tensión quedó en el aire durante años. La presencia de McCartney en el concierto del sábado, disfrutando visiblemente del espectáculo, es vista por muchos como el cierre definitivo de ese capítulo.
La Perspectiva de Liam: “Un Sueño”
Curiosamente, la relación de Liam Gallagher con el Beatle ha sido menos conflictiva. En una entrevista, Liam relató una anécdota sobre un malentendido con unas margaritas y describió a McCartney como “un sueño”.
Mientras Oasis acaba de completar sus primeras fechas en Estados Unidos en 17 años, Sir Paul McCartney se prepara para reanudar su propia gira, “Got Back Tour”, a finales de este mes.
En los años 80, algo cambió para siempre en la relación entre el cine y la música. Las bandas sonoras dejaron de ser un simple acompañamiento de fondo para convertirse en protagonistas, en personajes con voz propia que podían ser tan o más grandes que las propias películas. Impulsados por el poder de MTV, los soundtracks de los 80 no solo vendían boletos de cine, sino que se convirtieron en álbumes conceptuales que definieron el sonido, el estilo y las aspiraciones de toda una generación.
Estas no eran colecciones aleatorias de canciones; eran cápsulas del tiempo perfectamente curadas, llenas de himnos originales que dominaron las listas de éxitos y se grabaron a fuego en la memoria colectiva. Desde el rock de alto octanaje hasta el pop adolescente y las partituras épicas, estos soundtracks fueron la verdadera banda sonora de la década.
La Explosión del Pop y el “Himno de Película”
Los 80 perfeccionaron la fórmula del “movie anthem”: una canción pop de alto impacto que encapsulaba el espíritu de la película. El ejemplo supremo es ‘Top Gun’ (1986). Su banda sonora es un artefacto cultural, un monumento al rock de estadio con canciones como “Danger Zone” de Kenny Loggins y la balada ganadora del Oscar, “Take My Breath Away” de Berlin. El álbum fue un fenómeno de ventas que definió el sonido del verano de 1986.
En la misma línea, películas como ‘Flashdance’ (1983) y ‘Footloose’ (1984) no serían lo mismo sin su música. “Flashdance… What a Feeling” de Irene Cara y la canción titular de Kenny Loggins se convirtieron en éxitos masivos que impulsaron a sus películas a la estratosfera, demostrando que un buen soundtrack era el mejor marketing posible.
El Sonido de la Juventud: La Era de John Hughes
Nadie entendió mejor la angustia y el anhelo adolescente de los 80 que el director John Hughes, y sus bandas sonoras fueron la voz de esa generación. ‘The Breakfast Club’ (El Club de los Cinco, 1985) es inseparable de “Don’t You (Forget About Me)” de Simple Minds, una canción que ni siquiera era de la banda originalmente, pero que se convirtió en su himno definitorio y en el cierre perfecto para una película icónica.
Del mismo modo, ‘Pretty in Pink’ (La Chica de Rosa, 1986) capturó el espíritu del rock alternativo y el new wave británico con una banda sonora que incluía a The Smiths, New Order y, por supuesto, la canción titular de The Psychedelic Furs. Estos soundtracks no solo acompañaban las historias; eran la historia.
El Artista como Soundtrack: El Caso de ‘Purple Rain’
En 1984, Prince llevó el concepto de banda sonora a otro nivel. ‘Purple Rain’ no es simplemente el soundtrack de la película; es una obra maestra, uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Prince no solo compuso las canciones, sino que las integró en la narrativa de una forma tan profunda que el álbum y la película son inseparables. Desde la épica “Let’s Go Crazy” hasta la balada inmortal que le da título, Purple Rain es el ejemplo definitivo de un artista utilizando el cine como un vehículo para su visión musical total.
Por primera vez, la era de Wings, la aclamada banda de Paul McCartney post-Beatles, será celebrada con una antología dedicada exclusivamente a su música. El set, titulado simplemente ‘Wings’, se lanzará el 7 de noviembre en una variedad de formatos, ofreciendo a los fans la colección definitiva de una de las bandas más exitosas de los años 70.
La compilación estará disponible en formatos de 1CD, 2CD, Blu-ray, 1LP y una edición limitada de 3LP en vinilo de color. La versión en Blu-ray marcará un hito, ya que será la primera vez que las canciones de Wings estarán disponibles en Dolby Atmos en un lanzamiento físico.
Aunque a menudo vivieron a la sombra de The Beatles, Wings fue una potencia comercial por derecho propio. Sus 23 sencillos llegaron al Top 40 en Estados Unidos, y la banda, cuyo núcleo estaba formado por McCartney, su esposa Linda McCartney y el ex-Moody Blues Denny Laine, logró 14 Top 10 y cinco álbumes número 1 consecutivos en EE. UU.
Más que un Simple “Grandes Éxitos”
A diferencia de compilaciones anteriores como Wingspan (2001) o Wings Greatest (1978), que incluían material solista de McCartney, esta nueva antología se centrará únicamente en el trabajo de la banda que existió de 1971 a 1980.
El set promete un recorrido completo por la era, con éxitos internacionales como “Band on the Run”, “Live and Let Die”, “Jet” y “Let ‘Em In”, junto a joyas apreciadas por los fans como “Nineteen Hundred and Eighty Five” y “Call Me Back Again”.
Un Paquete de Lujo Supervisado por McCartney
El propio Paul McCartney ha estado profundamente involucrado en el proyecto. Escribió una nueva introducción para el libreto de 32 páginas que acompaña las ediciones multidisco, y también supervisó el diseño del arte junto a Aubrey “Po” Powell de Hipgnosis, el legendario estudio de diseño que trabajó en las portadas originales de álbumes como Band on the Run.
La muerte de Linda McCartney en 1998 y la de Denny Laine en 2023 pusieron fin a cualquier esperanza de una reunión. Por ello, esta antología se erige como el tributo definitivo a una banda que, aunque a menudo subestimada, dejó un legado de pop-rock impecable y una serie de éxitos que siguen siendo parte fundamental de los conciertos de McCartney hasta el día de hoy.
La década de los 80 fue una explosión de color, sonido y estilo. Fue la era en que la música pop no solo dominó las listas de éxitos, sino que se apoderó de la cultura global gracias a un nuevo y poderoso aliado: MTV. Los sintetizadores se convirtieron en los reyes, las cajas de ritmos marcaron el pulso de una generación y los artistas se transformaron en íconos visuales. Más que simples canciones, los 80 nos dejaron himnos generacionales, piezas inmortales que, décadas después, siguen siendo la banda sonora de cualquier fiesta.
Estos no eran solo éxitos; eran eventos. Canciones con estribillos tan masivos que podían ser coreados en estadios, pero con una producción tan innovadora que definieron el futuro de la música.
El Reinado de Michael Jackson y Madonna: El Pop como Espectáculo
Si los 80 tuvieran realeza, sus tronos pertenecerían a Michael Jackson y Madonna. Michael Jackson redefinió los límites de un artista con el álbum Thriller. Su sencillo “Billie Jean” no era solo una canción; era un cortometraje, un paso de baile icónico (el Moonwalk) y una línea de bajo que es reconocible al instante. Jackson demostró que un éxito pop podía ser, al mismo tiempo, oscuro, paranoico y absolutamente irresistible.
Por su parte, Madonna utilizó el pop como una herramienta de provocación y empoderamiento. Con “Like a Virgin”, no solo creó un himno bailable, sino que desató un debate cultural. Su actuación en los primeros MTV VMAs, con un vestido de novia y movimientos sugerentes, es uno de los momentos más icónicos de la historia de la televisión y cimentó su estatus como la “Reina del Pop”.
La Revolución del Sintetizador: Melodías para una Nueva Era
El sonido de los 80 es el sonido del sintetizador. Bandas de todo el mundo adoptaron la nueva tecnología para crear melodías pegajosas y atmósferas futuristas. El trío noruego a-ha conquistó el mundo con “Take On Me”, una canción con un riff de teclado tan alegre como adictivo, inmortalizada por un video musical revolucionario que mezclaba animación y acción real.
En el lado más oscuro y elegante, el dúo británico Eurythmics creó una obra maestra con “Sweet Dreams (Are Made of This)”. Con su ritmo hipnótico y la poderosa y andrógina presencia de Annie Lennox, la canción se convirtió en un himno de synth-pop melancólico y sofisticado que demostró que la música electrónica podía ser fría y, a la vez, profundamente conmovedora.
Pat Benatar y Neil Giraldo, el dúo dinámico que sacudió el rock de los 80 con himnos como “Hit Me with Your Best Shot”, han cambiado temporalmente las guitarras eléctricas por los cuentos para dormir. La legendaria pareja ha lanzado su primer libro infantil, ‘My Grandma and Grandpa Rock!’, inspirado directamente por sus tres nietos.
La idea del libro, que se publica hoy 9 de septiembre, nació de una conversación con su nieta mayor, Stevie, de 7 años.
“Lo Leímos con Ellos en Cada Paso del Camino”
El libro, ilustrado por Tiffany Everett, celebra la diversidad de los abuelos en el mundo, mostrando diferentes apariencias, trabajos y nombres. El proceso de escritura fue muy similar a cómo han compuesto sus éxitos durante 46 años: cada uno trabaja en sus ideas por separado y luego las unen. Y en esta ocasión, contaron con los críticos más honestos: sus propios nietos.
¿Nueva Música en el Horizonte?
Aunque han pasado 22 años desde su último álbum de estudio, la pareja no descarta volver a grabar. “Tenemos unas 135 canciones escritas”, reveló Benatar, aunque expresó dudas sobre el esfuerzo que requiere un álbum completo. Sin embargo, Giraldo adelantó que tiene una “idea loca” para un nuevo disco y espera convencerla. “A esta edad de nuestras vidas, no buscamos hacer éxitos. Solo queremos hacer música. Si a 10 personas les gusta, genial”, sentenció.
Mientras tanto, la pareja se prepara para salir de gira como teloneros de Bryan Adams, una serie de conciertos que los traerá de vuelta a los escenarios.
Debido al abrumador éxito de su actual gira,Lady Gaga ha anunciado una segunda etapa de conciertos en Norteamérica de su “Mayhem Ball Tour” para el año 2026. La superestrella del pop, que actualmente se encuentra finalizando la primera parte de su recorrido por la región, llevará su aclamado espectáculo a nuevas ciudades a partir de febrero del próximo año.
Live Nation anunció este martes que la nueva etapa comenzará en Glendale, Arizona, y llevará a Gaga de regreso a recintos icónicos como el Kia Forum de Los Ángeles. La gira continuará por ciudades como Fort Worth, Atlanta, Austin, Miami, Nueva York y Boston, entre otras.
Este anuncio llega mientras la artista todavía tiene pendientes las fechas finales de su actual etapa, que la llevarán a Toronto y Chicago antes de cruzar el Atlántico para sus conciertos en Europa y Australia. Al igual que en la primera parte, Gaga ha optado por un formato de arenas, buscando una experiencia más íntima que la de los estadios.
El “Mayhem Ball Tour” ha sido aclamado por la crítica y los fans como un espectáculo de múltiples actos que recorre toda la ilustre carrera de la artista, desde sus primeros éxitos hasta su material más reciente. La gira apoya su álbum de 2025, Mayhem, que ella misma describió como un regreso a sus “raíces pop”.
La producción es un viaje visual y sonoro a través de las diferentes eras de Gaga, consolidando su estatus como una de las mejores intérpretes en vivo de su generación.
H2: Un Año de Dominio Pop
Este 2025 ha sido un año de inmensa actividad y éxito para Lady Gaga. Además de lanzar su nuevo álbum, la artista ha estado en el centro de la cultura pop:
Recibió el Premio a la Innovación en los iHeartRadio Music Awards.
Fue cabeza de cartel en el Festival de Coachella.
Lanzó el exitoso sencillo “The Dead Dance” para la serie Wednesday.
Fue la máxima ganadora en los MTV VMAs, llevándose a casa cuatro premios, incluyendo el de Artista del Año.
La extensión de su gira es la culminación de un año espectacular, demostrando que, más de una década y media después de su debut, Lady Gaga sigue siendo una de las fuerzas más potentes y creativas de la música pop.