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Mary Austin publicará libro con archivo inédito de Freddie Mercury

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El archivo creativo inédito de Freddie Mercury, uno de los tesoros mejor guardados del rock, finalmente verá la luz en un nuevo libro curado por su amiga de toda la vida y ex prometida, Mary Austin. Titulado “A Life in Lyrics”, el libro se publicará el 1 de septiembre de 2026, coincidiendo con la semana en que el legendario vocalista de Queen habría cumplido 80 años.

La publicación promete ofrecer un acceso sin precedentes a la mente de uno de los letristas más geniales de la música. Contendrá una gran cantidad de material nunca antes visto, incluyendo letras alternativas y versos descartados de canciones icónicas como “Bohemian Rhapsody” y “Don’t Stop Me Now”, así como letras de canciones completas que nunca llegaron a ser grabadas.

Un Tesoro Redescubierto Después de Tres Décadas

Este material invaluable será presentado junto a historias, recuerdos y anécdotas personales de Mary Austin sobre su vida con Freddie, todo ilustrado con fotografías del archivo privado del cantante. Tras la muerte de Mercury en 1991, Austin heredó su casa, Garden Lodge, junto con sus posesiones y su archivo creativo.

En el comunicado de prensa del anuncio, Austin, de 74 años, explicó cómo en 2023 comenzó a revisar algunos de los documentos privados de Freddie, que “habían permanecido intactos y sin ser vistos” en la casa durante más de treinta años. Al hacerlo, descubrió “borradores de las letras de Freddie, plasmados en hojas de papel sueltas y en cuadernos sencillos que desmentían por completo las maravillas que contenían”.

Este proceso despertó en ella “recuerdos de décadas pasadas, de conversaciones, ocasiones y emociones”. Austin, a quien Freddie consideraba su “alma gemela” y para quien escribió la icónica balada “Love of My Life”, se sintió motivada a compartir este legado.

La decisión de publicar estos extractos del archivo llega después de que Austin vendiera gran parte de las posesiones del cantante en una subasta masiva en 2023. En ese momento, se reportó que la hermana de Freddie, Kashmira, gastó cerca de 3 millones de libras (aproximadamente 66 millones de pesos) para salvar algunos de los objetos de valor de salir de la colección familiar.

“A Life in Lyrics” será publicado por HarperCollins en formato de pasta dura, libro electrónico y audiolibro.

Chrissie Hynde habla sobre su álbum “Duets Special”

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La legendaria líder de The Pretenders, Chrissie Hynde, ha compartido una guía exclusiva, canción por canción, de su nuevo y estelar álbum de versiones, “Duets Special”. El disco, que se lanzará mañana, 17 de octubre, presenta una impresionante lista de colaboradores, incluyendo a Brandon Flowers, Debbie Harry y una participación póstuma del cantante Mark Lanegan.

Compuesto por 13 pistas, el proyecto reúne a Hynde con figuras de la talla de Dave Gahan de Depeche Mode, Shirley Manson de Garbage, Dan Auerbach de The Black Keys y Cat Power. En una reveladora sesión de preguntas y respuestas, Hynde desglosó las historias y motivaciones detrás de cada colaboración.

Colaboraciones Memorables y Anécdotas Íntimas

Uno de los duetos más destacados es su interpretación de “I’m Not In Love” de 10cc junto a Brandon Flowers, el vocalista de The Killers. Hynde explicó que la idea surgió tras pensar en su amigo Kevin Godley, miembro de 10cc. “Gran canción. Brandon fue el ajuste perfecto con su hermosa voz,” comentó.

El álbum también incluye un momento profundamente emotivo: una versión de “Can’t Help Falling In Love” de Elvis Presley con el fallecido Mark Lanegan. Hynde reveló que, a pesar de la colaboración, nunca llegó a conocerlo en persona. “Leí su libro y solo entonces me familiaricé con su música. Me di cuenta de lo que me había estado perdiendo,” confesó. “Nos escribimos por correo electrónico y tenía muchas ganas de conocerlo. Pero el destino tenía otras ideas.”

Otra colaboración inesperada es la que realiza con Debbie Harry de Blondie en una canción de la banda Low. Hynde, una declarada admiradora de Low, pensó que la voz de Harry se adaptaría perfectamente al estilo de la canción. El álbum también la reúne con Julian Lennon para cantar “It’s Only Love”, una canción de The Beatles. Hynde describió esta experiencia como “un momento culminante”.

El Origen Espontáneo del Proyecto

Hynde explicó que la idea del álbum surgió de manera espontánea durante una llamada telefónica con Jörn Weisbrodt, esposo de Rufus Wainwright. “Le dije: ‘Oye, tal vez Rufus y yo deberíamos hacer algo’, y rápidamente garabateé 10 canciones que se me ocurrieron,” relató. Wainwright aceptó la propuesta, y así comenzó el proyecto.

En “Duets Special”, Hynde también colabora con Dan Auerbach, a quien considera uno de sus “héroes de la guitarra”, para resaltar su faceta como cantante. Con Cat Power interpreta un clásico de Morrissey, y con Shirley Manson comparte un vínculo peculiar, ya que ambas tienen una conexión con el pueblo escocés de South Queensferry.

Este álbum sigue a sus trabajos solistas previos, incluyendo una colección de versiones de Bob Dylan en 2021, consolidando su reputación como una intérprete magistral y una artista que sigue explorando nuevos horizontes.

El concierto que Michael Jackson nunca dio

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Meses después del inesperado fallecimiento de Michael Jackson en 2009, el mundo tuvo la oportunidad de presenciar el monumental espectáculo que el “Rey del Pop” nunca pudo ofrecer. La película documental “Michael Jackson’s This Is It” se estrenó como un testamento agridulce de la genialidad, la disciplina y la inagotable energía creativa del artista, revelando los ensayos de la que sería su gran despedida de los escenarios.

El proyecto originalmente consistía en una serie de 50 conciertos de residencia en el O2 Arena de Londres, que marcarían el regreso triunfal de Jackson. Sin embargo, tras su muerte, el director Kenny Ortega y los productores compilaron más de 100 horas de metraje grabado en alta definición durante los ensayos entre abril y junio de 2009. El resultado fue un documental que ofrecía un acceso sin precedentes al meticuloso proceso creativo del artista.

Un Vistazo Íntimo al Genio Creativo

Lejos de ser un simple concierto grabado, “This Is It” funciona como un documento histórico que muestra a un Michael Jackson en pleno dominio de sus facultades artísticas. En la película, se le observa profundamente involucrado en cada detalle de la producción: desde la dirección musical y las coreografías hasta el diseño de las proyecciones y los efectos especiales. El metraje lo retrata no solo como un intérprete legendario, sino como el arquitecto principal de su propia visión.

El documental revela a un artista perfeccionista pero colaborativo, guiando a su banda, cantantes y al joven elenco de bailarines con una mezcla de amabilidad y exigencia absoluta. Las escenas muestran la reconstrucción de coreografías icónicas para éxitos como “Thriller”, “Billie Jean” y “Beat It”, así como la preparación de nuevas versiones de clásicos como “Human Nature” y “The Way You Make Me Feel”.

Un Fenómeno Global y un Legado Duradero

Estrenada en cines por un tiempo limitado de solo dos semanas a nivel mundial, la película se convirtió en un fenómeno instantáneo. Generó una recaudación global de más de 261 millones de dólares (aproximadamente 4,571 millones de pesos), convirtiéndose oficialmente en la película de concierto más taquillera de todos los tiempos. La demanda fue tal que la cinta solidificó el legado de Jackson, demostrando que su poder de convocatoria permanecía intacto.

Paralelamente al filme, se lanzó un álbum doble del mismo nombre. El primer disco contenía las versiones de estudio de las canciones que aparecían en la película, en el mismo orden, mientras que el segundo disco incluía maquetas inéditas y un poema recitado por Jackson titulado “Planet Earth”. El álbum también fue un éxito comercial, debutando en el número uno de las listas de ventas en catorce países.

“This Is It” no fue el concierto que el mundo esperaba, pero se convirtió en el homenaje que necesitaba. Ofreció a millones de fanáticos un cierre y una última oportunidad para maravillarse con el talento de un artista que, incluso en los ensayos, ofrecía un espectáculo inolvidable.

La causa benéfica de Kate Bush con ‘Running Up That Hill’

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La icónica artista británica Kate Bush ha convocado a 52 artistas visuales para crear obras inspiradas en su célebre éxito “Running Up That Hill”, con el fin de recaudar fondos para la organización benéfica War Child. Esta iniciativa, que forma parte de la subasta anual Sound & Vision, busca apoyar a niños afectados por conflictos armados alrededor del mundo.

El proyecto coincide con el 40 aniversario de “Running Up That Hill” y de su álbum “Hounds of Love”, lanzado en 1985. La letra específica que Bush seleccionó para inspirar las creaciones artísticas es: “If I only could, I’d make a deal with God” (Si tan solo pudiera, haría un trato con Dios), un fragmento que resurgió con gran fuerza tras su aparición viral en la serie “Stranger Things”. Entre los 52 artistas participantes se encuentran nombres destacados como Maggi Hambling CBE, Peter Doig, Charlie Calder-Potts y Corbin Shaw.

El Clamor de Kate Bush por la Infancia en Zonas de Guerra

Kate Bush expresó su profunda preocupación por el impacto de los conflictos en los menores. “Todas las guerras dejan cicatrices horribles; vidas arruinadas, familias destrozadas, lesiones que alteran la vida, traumas y pérdidas a una escala masiva, pero son los niños quienes más sufren de muchas maneras”, declaró Bush. “Su pasado, presente y futuro se desvanecen en el miedo y la incertidumbre”.

La artista enfatizó la importancia de apoyar a War Child. “Es más importante que nunca que apoyemos a War Child y su inestimable trabajo brindando ayuda inmediata a los niños atrapados en conflictos en todo el mundo, incluyendo Ucrania, Gaza, Sudán y Siria. Proyectos como Sound & Vision aprovechan el poder del arte y la música para marcar una diferencia real en la vida de los niños que viven la guerra. Gracias por apoyar este proyecto”, añadió.

Fechas y Detalles de la Exhibición y Subasta Benéfica

Las piezas de arte inspiradas en la música de Kate Bush serán exhibidas en la Iconic Images Gallery de Londres del 4 al 8 de noviembre. Posteriormente, se llevará a cabo una subasta en línea desde el 28 de octubre hasta el 13 de noviembre a través de la plataforma Givergy. Todas las ofertas iniciales tendrán un precio de 100 libras esterlinas, lo que equivale aproximadamente a 2,150 pesos mexicanos, considerando una cotización de 1 libra esterlina por 21.50 pesos mexicanos al día de hoy.

Este evento representa una oportunidad única para adquirir obras de arte inspiradas en una canción legendaria y, al mismo tiempo, contribuir a una causa humanitaria vital. La iniciativa de Bush subraya cómo la música y el arte pueden movilizar recursos y conciencias en favor de los más vulnerables.

Novedades Recientes de la Trayectoria de Kate Bush

Además de esta iniciativa benéfica, Kate Bush ha estado activa en otros frentes. En septiembre pasado, anunció el lanzamiento de “The Best Of The Other Sides” debido a la gran demanda de los fans. Esta compilación, que incluye caras B y canciones inéditas, ya está disponible en formato digital desde el 26 de septiembre y se lanzará en CD y vinilo el 31 de octubre a través de Fish People.

“The Best Of The Other Sides” se creó para aquellos que no pudieron acceder a la versión original de 2018 del álbum recopilatorio “The Other Sides”. Asimismo, la cantante reveló este verano el lanzamiento de un cortometraje animado autodirigido titulado “Little Shrew”, demostrando su continuo compromiso con la expresión artística en diversas formas.

Eagles añade más fechas de conciertos para 2026 en Las Vegas

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La demanda para ver a los legendarios Eagles en la Esfera de Las Vegas parece no tener fin. La banda ha anunciado cuatro nuevas fechas para su aclamada residencia en febrero de 2026, extendiendo aún más su exitosa estancia en el innovador recinto.

Estas nuevas presentaciones se suman a las cuatro ya anunciadas para enero, llevando el total de conciertos confirmados para el próximo año a ocho. Con esta extensión, el número total de shows de los Eagles en la Esfera superará los 50, consolidando su residencia como una de las más exitosas en la historia del lugar.

Los nuevos conciertos se llevarán a cabo durante cuatro fines de semana a finales de febrero. La venta de boletos para el público general comenzará el 24 de octubre.

Un Setlist de Puros Éxitos

El espectáculo ha sido aclamado por combinar el inmenso catálogo de éxitos de la banda con las capacidades visuales inmersivas de la Esfera. El setlist es un recorrido por la historia del rock californiano, con clásicos inmortales como “Hotel California”, “One of These Nights”, “I Can’t Tell You Why” y “Life in the Fast Lane”.

El show también incluye momentos para que brillen sus integrantes en solitario, con Don Henley interpretando su éxito de los 80, “The Boys of Summer”, y Joe Walsh desatando la energía con “Rocky Mountain Way”.

Una Residencia Histórica

La residencia de los Eagles en la Esfera comenzó en septiembre de 2024 y, desde entonces, ha sido un éxito rotundo de taquilla y crítica. La banda aún tiene pendientes sus últimos conciertos de 2025 en octubre y noviembre, antes de tomarse un merecido descanso de 10 semanas.

El regreso en enero y ahora la extensión a febrero de 2026 confirman que, a más de 50 años de su formación, el vuelo del águila sigue siendo tan majestuoso como siempre.

La nueva era de Foreigner

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La legendaria banda de rock Foreigner ha comenzado oficialmente una nueva era. Tras los emotivos conciertos de despedida del vocalista Kelly Hansen este fin de semana en Atlantic City, el grupo ha presentado formalmente a su nuevo cantante, Luis Maldonado, y se muestra “emocionado por el futuro”.

Hansen, quien fue el frontman de la banda durante casi 20 años, se despidió en una noche descrita por el bajista Jeff Pilson como “profundamente emocional”. “Quería rendir homenaje a Kelly porque hizo una contribución enorme a esta banda. Es un elemento vital en lo que ha llevado al grupo a donde está hoy”, declaró Pilson.

A pesar de la tristeza de la despedida, Pilson aseguró que la transición no podría haber sido mejor. “Esas cosas pueden ser feas, y esta no lo fue en absoluto”, afirmó.

¿Quién es Luis Maldonado, el Nuevo Cantante?

Luis Maldonado no es un rostro nuevo para la banda. Se unió a Foreigner en 2021 como guitarrista y, según Pilson, fue uno de los primeros en lamentar la decisión de Hansen de retirarse, llegando a “rogarle que se quedara”.

Aunque la banda sabía que Maldonado tenía una gran voz, fue durante una serie de shows semi-acústicos que la solución se hizo evidente. “Una vez que la voz de Luis fue descubierta y todos nos dimos cuenta de lo que tenía, incluido Kelly, el futuro se volvió muy claro para nosotros”, explicó Pilson.

Con el Respaldo del Vocalista Original

Un factor crucial en esta transición ha sido el apoyo de la voz original y legendaria de la banda, Lou Gramm. Pilson reveló que Gramm no solo aprueba la elección, sino que está entusiasmado.

“Lou Gramm está muy emocionado de que Luis lo haga. Está respaldando completamente a Luis como cantante, lo cual es algo bastante genial”, compartió el bajista.

La nueva formación, con Maldonado al frente, ya ha realizado algunos conciertos en Sudamérica con gran éxito. “Simplemente dio un paso al frente y cantó estas canciones de maravilla, con mucho corazón y, sin embargo, manteniendo la intención original”, dijo Pilson.

La próxima semana, la banda comenzará una gira por Canadá con su nuevo vocalista, demostrando que, incluso después de casi 50 años, la música de Foreigner sigue adelante.

Los guitarristas imprescindibles que definieron los años 80

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La década de los 80 fue una era de excesos, de sintetizadores dominantes y de una estética visual colorida. Pero en medio de todo ello, la guitarra eléctrica no solo sobrevivió, sino que se reinventó, dando lugar a una nueva generación de “héroes de la guitarra”. Estos no eran solo músicos; eran innovadores, arquitectos sónicos y showmen que llevaron el instrumento a nuevos territorios de velocidad, textura y emoción.

Desde el hard rock de estadio hasta el rock alternativo y el pop sofisticado, estos son los guitarristas cuya visión y estilo único definieron la banda sonora de una de las décadas más icónicas de la música.

Eddie Van Halen: El Hombre que Reinventó la Guitarra Eléctrica

No se puede hablar de la guitarra de los 80 sin empezar por Eddie Van Halen. Con su técnica de tapping a dos manos, popularizó un estilo que cambiaría para siempre el vocabulario del rock. Su solo en “Eruption” no fue solo una demostración de virtuosismo; fue un momento sísmico, una declaración de que la guitarra eléctrica tenía un potencial ilimitado. Su sonido, apodado el “Brown Sound”, se convirtió en el estándar de oro para una generación de rockeros.

Slash: El Último Gran Héroe del Rock

Justo cuando la década llegaba a su fin, emergió una figura que parecía sacada de otra época. Con su sombrero de copa, su Les Paul y una actitud de rock and roll sin concesiones, Slash de Guns N’ Roses se convirtió en el último gran “guitar hero” clásico. Su riff en “Sweet Child O’ Mine” es uno de los más reconocibles de la historia, una melodía perfecta que combina melancolía y poder. Slash fusionó la crudeza del blues con la potencia del hard rock, creando un sonido atemporal.

The Edge: El Arquitecto del Sonido Atmosférico

Mientras otros buscaban la velocidad, The Edge de U2 buscaba el espacio. Su genialidad no residía en los solos, sino en la creación de texturas y atmósferas. Fue un pionero en el uso del pedal de delay, convirtiéndolo en un instrumento en sí mismo. El arpegio cristalino y repetitivo de “Where the Streets Have No Name” no es solo un riff; es un paisaje sonoro, una sensación de euforia que puede llenar un estadio.

Mark Knopfler: La Elegancia Hecha Guitarra

Con un estilo limpio, melódico y tocado sin púa, Mark Knopfler de Dire Straits fue un sonido único en los 80. Su técnica de fingerpicking le daba a su guitarra una claridad y una precisión inconfundibles. Canciones como “Sultans of Swing” o el icónico riff de “Money for Nothing” son clases magistrales de elegancia y contención. Era el contrapunto sofisticado a la estridencia de la década.

Andy Summers: Minimalismo con Alma

El sonido de The Police es inseparable de la guitarra de Andy Summers. Su uso de acordes abiertos, texturas de jazz y efectos como el chorus y el flanger creó un estilo minimalista pero increíblemente influyente. En lugar de llenar el espacio, Summers lo abría, dejando que la línea de bajo y la batería respiraran. Su trabajo en canciones como “Every Breath You Take” definió el sonido del pop-rock sofisticado de los 80.

Brian May y Prince: Los Genios Versátiles

Aunque su fama venía de los 70, Brian May de Queen llevó su sonido a nuevas alturas en los 80, creando himnos de estadio como “I Want It All”. Su guitarra casera, la “Red Special”, siguió produciendo algunos de los solos más melódicos y operísticos del rock. Por su parte, Prince, un genio multiinstrumentista, demostró ser uno de los guitarristas más incendiarios de la historia, con solos como el de “Purple Rain” que son pura emoción y fuego.

MTV: la caída de un gigante que cambió la forma de ver y escuchar música

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Cuando MTV (Music Television) salió al aire por primera vez el 1 de agosto de 1981, nadie imaginaba que aquel canal estadounidense de videos musicales transformaría la cultura popular para siempre. Con su icónico lema “Ladies and gentlemen, rock and roll”, seguido del despegue de un cohete con el logo de MTV, nació una era en la que la música dejó de ser solo algo que se escuchaba: ahora también se veía. El primer video transmitido fue Video Kill The Radio Star de Buggles. Irónicamente, cuatro décadas después, esa historia termino por incumplirse.  

Los años dorados: videoclips de íconos juveniles.

MTV marcó una ruptura total con la televisión tradicional. Su formato dinámico, dirigido a jóvenes, combinaba videos musicales, presentaciones en vivo y una estética visual vibrante. Bandas como The Police, Duran Duran, Madonna o Michael Jackson encontraron en el canal una plataforma que multiplicó su fama mundial. De hecho, el video de Thriller no solo consolidó a Jackson como el “Rey del Pop”, sino que también convirtió a MTV en el epicentro del entretenimiento global.

Durante los años ochenta y noventa, MTV fue mucho más que un canal de música: se convirtió en una referencia cultural. La cadena no solo promovió la música pop y rock, sino que también impulsó movimientos como el grunge con Nirvana o el hip hop con artistas como Run-D.M.C. y Beastie Boys.

MTV Unplugged: el poder de la música desenchufada

Uno de los formatos más emblemáticos de la cadena fue MTV Unplugged, lanzado en 1989. La premisa era simple pero poderosa: artistas interpretando sus canciones en formato acústico, sin producción eléctrica. El resultado fue histórico. Actuaciones como las de Eric Clapton (quien ganó seis premios Grammy por su sesión), Nirvana (considerado uno de los mejores conciertos de la historia del rock), y en Latinoamérica, Caifanes, Soda Stereo, Shakira o Maná, demostraron que la autenticidad y la emoción podían brillar más sin cables ni efectos.

MTV News: el pulso informativo de una generación

Con MTV News, el canal apostó por un periodismo juvenil y ágil que conectó con una audiencia cansada de los noticieros tradicionales. Figuras como Kurt Loder o Tabitha Soren se convirtieron en voces de confianza para hablar no solo de música, sino también de temas sociales, políticos y culturales que interesaban a los jóvenes: desde elecciones presidenciales hasta movimientos sociales. Fue una manera innovadora de informar a una generación que veía el mundo a través del lente de la cultura pop.

Realidad, rebeldía y reinvención

A finales de los noventa, MTV comenzó una nueva etapa apostando por los Reality Shows. Programas como The Real World, Jackass, Pimp My Ride o Laguna Beach marcaron una nueva tendencia en el entretenimiento. Aunque muchos criticaron que la música quedara en segundo plano, MTV seguía siendo un termómetro cultural.

En América Latina, la historia también dejó huella. MTV Latinoamérica, lanzado en 1993, impulsó la escena regional con espacios como Los 10 + Pedidos, MTV News Latino, y versiones locales de Unplugged, ayudando a catapultar a artistas como Café Tacvba, Molotov y Julieta Venegas.

MTV Latino: la pantalla que hizo sonar al rock en español

Cuando MTV lanzó su señal para América Latina el 1 de octubre de 1993, el continente cambió de canal y de idioma. MTV Latino, con sede en Miami, abrió una ventana inédita para la juventud latinoamericana, inaugurando su historia con una elección simbólica: el primer video transmitido fue “We Are Sudamerican Rockers” de Los Prisioneros. Desde ese instante, el mensaje quedó claro: el rock en español tenía un nuevo escenario global.

Los VJs: rostros de una generación

La magia de MTV Latino no solo estaba en los videos, sino en quienes los presentaban. Los VJs (Video Jockeys) se convirtieron en las voces y rostros de toda una generación de jóvenes latinoamericanos.

Entre los más recordados se encuentran:

  • Ruth Infarinato (Argentina).
  • Alfredo Lewin (Chile).
  • Gonzalo Morales (México).
  • Daisy Fuentes (Cuba/EE. UU.).

Un escenario para el rock latino

MTV Latino fue el gran amplificador del rock en español. Por primera vez, bandas de México, Argentina, Chile, Colombia y España compartían pantalla en un mismo espacio televisivo. Ese intercambio detonó una identidad musical sin precedentes.

Grupos como Café Tacvba, Caifanes, Soda Stereo, Aterciopelados, Maná, Los Fabulosos Cadillacs, Molotov o La Ley vieron su proyección crecer exponencialmente gracias al canal. Sus videos circulaban por toda la región, y la audiencia comenzó a reconocerse en un idioma común, pero con múltiples acentos y estilos.

El cierre de MTV: el fin de una era en la música televisada

Cuarenta años después de haber cambiado la historia de la televisión y de la música, MTV enfrenta su momento más difícil. En octubre de 2025, Paramount Skydance Corporation; resultado de la fusión entre Paramount Global y Skydance Media; anunció el cierre de cinco de sus canales musicales en Europa, Reino Unido, Irlanda y Brasil: MTV Music, MTV 80s, MTV 90s, Club MTV y MTV Live, todos con fecha de cierre para el 31 de diciembre de 2025.

Aunque el canal principal de MTV continuará, la noticia simboliza el cierre de una era: la del video musical como formato televisivo masivo.

Las razones del cierre

El principal motivo es el cambio radical en los hábitos de consumo. Hoy, los videos musicales viven en YouTube, TikTok y las plataformas de streaming, no en la televisión por cable. MTV, que fue pionera en la cultura visual de la música, fue víctima del mismo fenómeno que ayudó a crear.

A esto se suma la reestructuración corporativa posterior a la fusión de Paramount y Skydance, que busca un ahorro estimado de 500 millones de dólares a nivel global, orientando recursos hacia plataformas digitales como Paramount+ y Pluto TV.

Además, el canal llevaba años dejando atrás su esencia musical, enfocándose en realities, series y formatos de entretenimiento. El cierre de los canales musicales representa la consolidación de esa transformación.

Pérdidas y consecuencias

Aunque las cifras exactas no se han revelado, se estima que el cierre afectará a cientos de empleados en áreas técnicas, editoriales y de producción. Desde 2023, Paramount ya había cerrado MTV News y recortado personal en varias divisiones de medios.

El legado perdurable

El cierre de los canales musicales no borra su historia. MTV seguirá existiendo como marca, pero ya no como aquel laboratorio cultural que definió los ochenta, revolucionó los noventa y formó ídolos en español a través de MTV Latino.

Su partida es también una señal de los tiempos: la música sigue viva, pero su pantalla cambió. Hoy los escenarios son virtuales, los públicos globales y los ídolos se descubren con un clic. Sin embargo, nadie podrá negar que todo comenzó con una señal en 1981… y con tres letras que cambiaron el mundo: MTV.

Elton John lanza versión en vivo de “We All Fall In Love Sometimes/Curtains”

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Como un nuevo adelanto de la esperada reedición del 50º aniversario de ‘Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy’, Sir Elton John ha lanzado una épica versión en vivo de “We All Fall In Love Sometimes/Curtains”. La grabación, extraída de su gira de 2005 que celebró el 30º aniversario del álbum, ya está disponible en plataformas digitales.

Las dos canciones, que aparecen de forma consecutiva en el álbum de estudio original, eran combinadas en vivo por Elton para crear una majestuosa balada de poder de 10 minutos al piano. Esta grabación es una de las seis pistas en vivo que formarán parte del disco extra de la reedición, que se completa con seis demos inéditos de las sesiones del álbum.

La reedición completa de Captain Fantastic, que saldrá a la venta el 24 de octubre, celebra uno de los discos más personales y aclamados de la carrera de Elton John.

La Historia Autobiográfica de Elton y Bernie

Lanzado en 1975, Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy fue un álbum conceptual que narraba la historia autobiográfica de los primeros y difíciles años de Elton (Captain Fantastic) y su letrista, Bernie Taupin (the Brown Dirt Cowboy), en Londres. Aunque produjo el exitoso sencillo “Someone Saved My Life Tonight”, el álbum es más conocido por sus canciones profundamente personales.

El disco hizo historia al convertirse en el primer álbum en debutar en el número 1 de la lista Billboard 200, un hito sin precedentes en esa época.

Una Edición de Lujo para Coleccionistas

La reedición del 50º aniversario estará disponible en formatos de 2 LPs y 2 CDs, y contendrá un libreto de 28 páginas con notas, un álbum de recortes y, por primera vez, entradas del diario personal de Elton John de 1974.Además, el mismo día se lanzará por primera vez en vinilo el concierto ‘Live at Midsummer Music, Wembley Stadium 1975’, la grabación del show donde Elton debutó en vivo el material de Captain Fantastic.

No Doubt anuncia residencia en la Esfera de Las Vegas para 2026

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La legendaria banda de ska-punk y pop, No Doubt, ha anunciado su regreso a los escenarios a gran escala. El grupo realizará una residencia de seis noches en la Esfera de Las Vegas en mayo de 2026, en lo que serán sus primeros conciertos completos como cabeza de cartel en más de una década.

Bajo el nombre de “No Doubt Live at Sphere”, la producción reunirá a Gwen Stefani, Tony Kanal, Tom Dumont y Adrian Young para una serie de espectáculos que prometen un recorrido por todos sus grandes éxitos, como “Don’t Speak”, “Just a Girl”, “Hella Good” y “It’s My Life”.

Los conciertos están programados para los días 6, 8, 9, 13, 15 y 16 de mayo.

“Una Paleta Visual Completamente Nueva”

La elección de la Esfera, el recinto tecnológicamente más avanzado del mundo, promete una experiencia inmersiva que llevará el energético show de la banda a un nuevo nivel.

“La oportunidad de crear un show en la Esfera me emociona de una manera nueva”, declaró la vocalista Gwen Stefani. “El lugar es único y moderno, y nos abre una paleta visual completamente nueva para ser creativos. Hacerlo con No Doubt se siente como retroceder en el tiempo para revivir nuestra historia, mientras creamos algo nuevo de una manera que nunca hubiéramos imaginado”.

El Regreso tras Aclamadas Reuniones

Aunque la banda se ha mantenido mayormente inactiva durante la última década, su regreso no es una sorpresa total. En 2024, se reunieron para dos aclamadas actuaciones en el festival de Coachella, y este año participaron en el concierto benéfico FireAid en Los Ángeles.

Esas breves pero explosivas reuniones demostraron que la química de la banda sigue intacta y dejaron a los fans con ganas de más. Ahora, con esta residencia, finalmente ofrecerán el espectáculo completo que su legión de seguidores ha estado esperando.