Archivos de la categoría Cultura Pop

Anuncian reediciones de los álbumes solistas de Ringo Starr

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Los cuatro primeros álbumes de la carrera en solitario de Ringo Starr serán reeditados en ediciones especiales de vinilo de color, ofreciendo a los fans una nueva oportunidad de explorar el diverso y a menudo subestimado catálogo del legendario Beatle. Los lanzamientos celebran desde su incursión en los estándares americanos hasta su obra maestra del pop de los 70.

Esta campaña de reedición rescata la primera etapa de Ringo como solista, una época de gran creatividad y colaboraciones estelares.

Los álbumes y sus nuevos colores son:

  • ‘Sentimental Journey’ (1970): Vinilo Amarillo “Buttermilk”.
  • ‘Beaucoups of Blues’ (1970): Vinilo Azul “Baby Blue”.
  • ‘Ringo’ (1973): Vinilo “Lava Fundida”.
  • ‘Goodnight Vienna’ (1974): Vinilo “Ondas Psicodélicas”.

Un Viaje por la Diversidad Musical

Los primeros cuatro discos de Ringo muestran una increíble versatilidad. Su debut, ‘Sentimental Journey’, fue un homenaje a las canciones que escuchaba en su infancia, producido por el “quinto Beatle”, George Martin. Ese mismo año, viajó a Nashville y grabó en solo dos días ‘Beaucoups of Blues’, un aclamado álbum de country.

Sin embargo, fue con ‘Ringo’ (1973) que alcanzó la cima de su éxito como solista. Considerado su mejor álbum de la era, el disco contó con la colaboración de sus tres excompañeros de The Beatles y produjo éxitos masivos como “Photograph” y “I’m the Greatest”. La nueva edición de este álbum incluirá una réplica del libreto original de 24 páginas.

‘Goodnight Vienna’ (1974) continuó la racha de colaboraciones estelares, con la participación de John Lennon, Elton John y Harry Nilsson.

“Preservando su Obra”

Bruce Resnikoff, presidente de UMe, la discográfica a cargo de las reediciones, declaró: “Durante décadas, Ringo ha dado forma a la música e inspirado a audiencias de todo el mundo… Nos sentimos honrados de que se nos confíe la preservación de su obra”.

Este homenaje a su legado llega justo después de que Ringo, a sus 85 años, concluyera otra exitosa gira con su All-Starr Band, demostrando que su misión de “paz y amor” sigue tan vigente como siempre. 

La historia del álbum ‘Listen Like Thieves’ de INXS

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Un día como hoy, 14 de octubre, pero de 1985, la banda australiana INXS lanzó su quinto álbum de estudio, ‘Listen Like Thieves’. Este no era un disco más; fue el álbum que finalmente rompió las barreras del mercado estadounidense y los transformó de una banda de new wave aclamada en su país a verdaderas estrellas de rock globales. Fue el momento en que la visión de la banda finalmente se cristalizó en un sonido listo para conquistar estadios.

Después de sus álbumes anteriores, la banda sentía que necesitaba dar un paso adelante. Con Listen Like Thieves, tomaron el funk bailable de sus trabajos previos y le inyectaron una dosis masiva de rock de guitarras, creando un sonido más potente, directo y musculoso, perfectamente adaptado para la radio de los 80.

La Búsqueda de un Hit y el Nacimiento de “What You Need”

La creación del álbum no fue fácil. La banda grabó durante meses, pero el productor, Chris Thomas (conocido por su trabajo con Sex Pistols y Roxy Music), sentía que aún faltaba “el hit”. Les dijo que el álbum era bueno, pero que no tenía el sencillo que los llevaría al siguiente nivel.

Frustrados pero decididos, Michael Hutchence y Andrew Farriss se encerraron en una habitación y compusieron “What You Need” en el último minuto. Con su riff de guitarra funky, su explosiva sección de vientos y el carisma magnético de Hutchence, la canción se convirtió en el sencillo que estaban buscando. Fue su primer Top 5 en Estados Unidos y la llave que les abrió las puertas del estrellato masivo.

El Puente hacia ‘Kick’

Listen Like Thieves es mucho más que “What You Need”. Contiene himnos como la canción que da título al disco y la poderosa “This Time”. Pero su mayor importancia reside en ser el puente perfecto entre su sonido new wave inicial y la perfección de pop-rock que alcanzarían dos años después con su obra maestra, ‘Kick’.

En este disco, se pueden escuchar todas las piezas encajando: la sensualidad de Hutchence, los riffs de los hermanos Farriss, el ritmo sólido de la sección rítmica. Fue el álbum donde INXS dejó de ser una promesa australiana para convertirse en una de las bandas más grandes del planeta. 

*NSYNC celebra su 30º aniversario con un emotivo video

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Una de las boy bands más grandes de todos los tiempos está de aniversario. *NSYNC ha celebrado el 30º aniversario de su formación con un emotivo y nostálgico video en sus redes sociales, agradeciendo a sus fans por tres décadas de apoyo incondicional.

En la publicación del 1 de octubre, el grupo formado por Justin Timberlake, JC Chasez, Joey Fatone, Chris Kirkpatrick y Lance Bass reflexionó sobre su increíble viaje. “30 años. El 1 de octubre de 1995 se siente como ayer… y de alguna manera como hace toda una vida”, comienza el mensaje. “Cinco chicos persiguiendo un sueño se convirtió en algo más grande de lo que jamás imaginamos”.

El post, que conmemora el día en que Lance Bass se unió oficialmente al grupo, celebra “la música, los shows, los recuerdos” y, sobre todo, un “vínculo inquebrantable” con sus fans y entre ellos. “A través de cada alto y bajo, su amor nos ha sostenido. Eternamente agradecidos”, concluyeron.

Un Vistazo a la “Hermandad”

El video que acompaña el mensaje es un viaje en el tiempo que recorre su meteórico ascenso al estrellato. En clips de diferentes épocas, los miembros de la banda hablan de su profunda conexión. “Los mejores días de mi vida fueron en este grupo”, dice Lance Bass en un fragmento de su discurso en el Paseo de la Fama de Hollywood, destacando la “hermandad” con sus compañeros.

Justin Timberlake se refiere al grupo como una “familia”, diciendo: “No puedo poner en palabras cuánto significan para mí los cuatro”.

El Legado de una Era

Desde 1995 hasta su pausa en 2002, *NSYNC se convirtió en un fenómeno global, definiendo el sonido y la estética del pop de finales de los 90. Su álbum de 2000, ‘No Strings Attached’, rompió récords al vender más de 2.4 millones de copias en su primera semana.Aunque el grupo no ha lanzado un álbum completo en más de dos décadas, se han reunido esporádicamente para momentos especiales, como su actuación en los MTV VMAs de 2013 y el lanzamiento de nuevas canciones en 2023 y 2024. Este emotivo aniversario es un recordatorio del impacto duradero de una de las boy bands más queridas de la historia.

La disputa entre Mariah Carey y Eminem

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Mariah Carey ha añadido un nuevo y enigmático capítulo a su larga disputa con el rapero Eminem, confirmando en parte los rumores de que el conflicto podría haberse originado por una oferta de casting para la película 8 Mile.

Durante su aparición en el programa Watch What Happens Live with Andy Cohen, la icónica cantante fue cuestionada sobre si el drama comenzó cuando Eminem supuestamente le pidió que interpretara a su madre en su película autobiográfica de 2002, a pesar de que solo se llevan cuatro años de edad.

“Por lo que he oído, hay algo de verdad en eso”, respondió Carey. “Pero no creo que él realmente… bueno, quién sabe quién se acercó a quién”. Cuando el presentador Andy Cohen le preguntó directamente si eso fue lo que “encendió la mecha”, la respuesta de Carey fue tan diva como se esperaba: “Um, no. O sea, tal vez. Depende de lo que él piense. Realmente no me importa”.

Una Disputa de Dos Décadas

La tensión entre las dos superestrellas se remonta a 2001, cuando Eminem comenzó a hacer referencias líricas a una supuesta relación romántica con Carey. En su álbum de 2002, The Eminem Show, mencionó el supuesto romance en varias canciones. Carey, por su parte, siempre ha negado que tuvieran una relación.

“Pasé el rato con él, hablé con él por teléfono. Creo que estuve con él un total de cuatro veces. Y no considero que eso sea salir con alguien”, declaró la cantante a Larry King en 2002.

La disputa alcanzó su punto más álgido en 2009, cuando Carey pareció burlarse directamente de Eminem en el video de su canción “Obsessed”, donde se disfrazó de un acosador masculino, un movimiento que fue ampliamente interpretado como su respuesta definitiva al rapero.

Un Productor Confirma la Historia

El rumor de 8 Mile fue reforzado este verano por el productor musical Damion “Damizza” Young, quien afirmó que él mismo los presentó. Según Young, Eminem quería que Carey interpretara a su madre alcohólica, y su negativa, debido a la pequeña diferencia de edad, fue un punto de fricción. El papel finalmente fue para Kim Basinger.

Aunque Mariah sigue siendo elegantemente evasiva, sus nuevas declaraciones parecen dar credibilidad a una de las leyendas más fascinantes del pop.

Björk denuncia el “secuestro” de su amiga por el ejército israelí en Gaza

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La icónica artista islandesa Björk ha denunciado públicamente que su amiga de la infancia, la también músico Magga Stína, fue “secuestrada” por el ejército israelí mientras participaba en una misión de ayuda humanitaria con destino a Gaza. En una enérgica publicación en sus redes sociales, Björk ha hecho un llamado urgente a las autoridades de su país y a la comunidad internacional.

“Ella navegaba en un barco siguiendo a Greta Thunberg en el intento de abrir un camino para la ayuda internacional a Gaza”, escribió Björk. “Creo que el activismo es tan diverso como los seres humanos. Apoyo a Magga Stína y a Greta en hacer todo lo posible para intentar detener el genocidio en Palestina. Es ilegal matar de hambre a la gente e impedir que la comida llegue a los niños“.

La artista conectó su llamado con la historia de su propio país. “Sabemos, después de ser una colonia durante 600 años, lo que se siente al ser oprimido”, explicó. “Aunque seamos pocos, nuestra voz importa”.

Un Llamado Urgente al Gobierno Islandés

En su mensaje, Björk hizo peticiones directas a su gobierno. “Pido a las autoridades islandesas que sigan su propio apoyo a Palestina de hace 11 años, que detengan todas las interacciones comerciales con Israel hasta que el genocidio en Gaza se detenga, y que luchen por el regreso seguro de Magga Stína”, demandó.

Según la prensa islandesa, el barco de Stína, “The Conscience”, formaba parte de una flotilla de nueve naves que se dirigía a Gaza en respuesta a la crisis humanitaria. Este incidente es similar a uno ocurrido en junio, en el que el barco de Greta Thunberg fue abordado por fuerzas israelíes y sus ocupantes, incluida la activista, fueron detenidos y deportados.

Un Patrón de Activismo Contundente

Esta no es una acción aislada por parte de Björk. A finales de septiembre, la artista se unió al boicot masivo “No Music for Genocide”, retirando todo su catálogo musical de las plataformas de streaming en Israel.

Su denuncia personal y directa por la detención de su amiga de la infancia eleva su nivel de activismo a un plano mucho más íntimo, utilizando su plataforma global para ejercer presión y visibilizar una situación que la toca de cerca. 

El sonido de U2: Cómo Bono y The Edge crearon un estilo único

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Pocas asociaciones en la historia del rock son tan simbióticas y reconocibles al instante como la de Bono y The Edge. Son más que un cantante y un guitarrista; son dos mitades de una misma alma creativa, una dupla que durante casi cinco décadas ha construido un sonido que es a la vez épico e íntimo, un universo sónico que ha redefinido lo que significa ser una banda de estadio.

Desde sus inicios en el post-punk de Dublín hasta sus experimentos con la electrónica y sus regresos al rock puro, la alquimia entre la voz apasionada de Bono y la guitarra atmosférica de The Edge ha sido la constante, el corazón palpitante de U2.

The Edge: El Arquitecto del Sonido

A diferencia de los “guitar heroes” tradicionales, el genio de The Edge no reside en la velocidad o en los solos virtuosos, sino en su maestría de la textura, el espacio y la tecnología. Fue uno de los primeros guitarristas en utilizar los pedales de efectos, especialmente el delay, no como un adorno, sino como una parte integral de la composición.

Su estilo, a menudo descrito como “angular” y “cristalino”, crea paisajes sonoros. El icónico riff de “Where the Streets Have No Name” no es solo una melodía; es un sentimiento de euforia y anticipación. La guitarra de The Edge es una orquesta en sí misma, capaz de llenar un estadio con solo unas pocas notas repetidas en un eco infinito.

Bono: La Voz y el Alma

Si The Edge es el arquitecto, Bono es el predicador. Su voz, un poderoso tenor capaz de pasar de un susurro a un grito operístico, es el vehículo de las grandes emociones. Pero es su habilidad como letrista lo que le da a U2 su profundidad.

Las letras de Bono no son simples canciones de amor o rock and roll. Son exploraciones de la fe, la duda, la política, la injusticia social y la condición humana. Desde la oración desesperada de “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” hasta el llamado a la unidad de “One”, sus palabras han transformado los conciertos de U2 en experiencias casi religiosas, en rituales de comunión colectiva.

La Eterna Reinversión: De ‘The Joshua Tree’ a ‘Achtung Baby’

La grandeza de su asociación reside en su negativa a estancarse. Tras conquistar el mundo con el rock de raíces americanas de The Joshua Tree (1987), la banda se encontraba al borde de la auto-parodia. Su respuesta fue viajar a Berlín y deconstruir por completo su sonido.

El resultado fue ‘Achtung Baby’ (1991), un álbum industrial, oscuro y cargado de ironía, que abrazaba la electrónica y el caos. La guitarra de The Edge se volvió distorsionada y agresiva, mientras que Bono adoptó personajes como “The Fly” para burlarse de su propia imagen de estrella de rock mesiánica. Fue su movimiento más arriesgado y, para muchos, su momento más brillante, la prueba definitiva de que su alquimia creativa era capaz de cualquier cosa.

El camino de Bono y The Edge es una lección de evolución y confianza mutua. Es la historia de cómo un guitarrista que pinta paisajes sonoros y un poeta que clama al cielo se encontraron para crear una de las bandas más importantes y duraderas de la historia del rock. 

“True” de Spandau Ballet: El himno romántico de los 80

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En 1983, Spandau Ballet, una de las bandas pioneras del movimiento New Romantic, ya era conocida por sus ritmos bailables y su estilo sofisticado. Pero fue una balada suave, melódica y profundamente vulnerable la que los catapultó al estrellato mundial y les dio su único número uno en el Reino Unido. Esa canción era “True”, un himno que no solo definió su carrera, sino que se convirtió en la banda sonora de innumerables romances de los años 80.

La canción fue una desviación de su sonido anterior. Con su ritmo lento, su saxofón melancólico y la emotiva voz de Tony Hadley, “True” era una pieza de “blue-eyed soul” que demostró la increíble versatilidad de la banda y la genialidad de su compositor, Gary Kemp.

Una Declaración de Amor No Correspondido

“True” es, en esencia, una carta de amor. Gary Kemp la escribió como un tributo a la cantante de Altered Images, Clare Grogan, por quien tenía un amor platónico y no correspondido. La letra está llena de inseguridades y de la dificultad de expresar los verdaderos sentimientos, un tema universal que conectó instantáneamente con millones de personas.

“Esta es la salvación del alma / Sé que esto es mucho…”, canta Hadley, encapsulando la vulnerabilidad de un hombre que se expone por completo. Kemp también incluyó un sutil homenaje a Marvin Gaye, una de sus grandes influencias, al mencionar “listening to Marvin all night long” (escuchando a Marvin toda la noche).

La Magia del Saxofón de Steve Norman

Uno de los elementos más icónicos de la canción es, sin duda, su solo de saxofón. Interpretado por el miembro de la banda Steve Norman, el solo no es un despliegue de virtuosismo, sino una melodía simple, elegante y cargada de emoción que complementa a la perfección la atmósfera de la canción. Se ha convertido en uno de los solos de saxofón más reconocibles de la historia del pop, tan memorable como el propio estribillo.

Un Éxito Global y un Legado Hip-Hop Inesperado

“True” fue un éxito masivo en todo el mundo. No solo alcanzó el número 1 en el Reino Unido, sino que llegó al Top 5 en Estados Unidos, convirtiendo a Spandau Ballet en estrellas globales. Pero su legado no se quedó en los 80.

En 1989, el grupo de hip-hop P.M. Dawn sampleó el icónico riff de piano de la canción para su éxito “Set Adrift on Memory Bliss”, llevando la melodía de Kemp a una nueva generación y demostrando su increíble atemporalidad. Desde entonces, ha sido utilizada en innumerables películas y series de televisión, consolidándose como la quintaesencia de la balada romántica de los 80.

Hoy, más de 40 años después, “True” sigue siendo una canción que evoca una sensación de nostalgia y romanticismo como pocas. Es el sonido de una época, un himno que, sabemos, es mucho.

Neil Finn: El genio detrás de Crowded House y “Don’t Dream It’s Over”

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En la ruidosa y extravagante década de los 80, dominada por el synth-pop y el rock de estadio, y más tarde en la furia del grunge de los 90, una banda de las antípodas se abrió paso con una fórmula radicalmente diferente: la simple y atemporal belleza de una canción perfectamente construida. Esa banda era Crowded House, y su arquitecto silencioso, el cantante y compositor neozelandés Neil Finn.

Surgida de las cenizas de la excéntrica banda de new wave Split Enz, Crowded House no buscaba revolucionar la moda ni inventar un nuevo género. Su visión, impulsada por Finn, era más pura y mucho más ambiciosa: escribir canciones que pudieran resistir el paso del tiempo, melodías que se sintieran familiares desde la primera escucha pero que revelaran una complejidad emocional con cada repetición.

La Sombra de The Beatles: El Arte de la Melodía Perfecta

El genio de Neil Finn reside en su maestría para la melodía. Con una sensibilidad pop que bebe directamente de la fuente de The Beatles, Finn tiene una habilidad casi sobrenatural para crear ganchos que son a la vez sofisticados e increíblemente pegajosos. No es de extrañar que su trabajo a menudo sea comparado con el de Paul McCartney.

La prueba definitiva es su himno inmortal de 1986, “Don’t Dream It’s Over”. La canción es una obra maestra de melancolía optimista. Con su progresión de acordes descendente y su coro que se eleva como un ruego, se convirtió en un éxito mundial y en un himno de esperanza contra la adversidad. Es una de esas raras canciones que parece que siempre ha existido.

Letras Introspectivas: Más Allá del Pop Superficial

Pero la visión de Finn no se quedaba solo en la melodía. Sus letras, a menudo introspectivas y agridulces, exploraban las complejidades de las relaciones humanas con una honestidad que contrastaba con el pop más superficial de la época. Sus canciones no trataban sobre coches y fiestas, sino sobre la duda, la esperanza y las pequeñas batallas domésticas.

En “Weather with You” (1991), Finn utiliza una simple metáfora sobre el clima para hablar de la salud mental y los demonios internos, todo ello envuelto en una melodía soleada que la convirtió en un éxito global. Esta dualidad entre la luz melódica y la sombra lírica es la marca registrada de su genio.

El Legado de la Artesanía: De los 80 a Fleetwood Mac

A lo largo de los 80 y 90, Crowded House se mantuvo como un faro de la artesanía pop, lanzando una serie de álbumes aclamados que, aunque quizás no siempre alcanzaron el éxito masivo de su primer hit, consolidaron a Neil Finn como uno de los mejores compositores de su generación.Su talento es tan respetado que, en 2018, fue invitado a unirse a Fleetwood Mac para reemplazar a Lindsey Buckingham en su gira mundial, un testimonio del inmenso respeto que sus pares le tienen. No es una estrella de rock en el sentido tradicional; es un “músico para músicos”, un artesano silencioso cuyo legado no está en los escándalos, sino en el cancionero inmortal que ha regalado al mundo.

La química de Daryl Hall y John Oates: La historia del dúo

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En la historia de la música pop, pocas duplas han sido tan exitosas y, a la vez, tan subestimadas como Daryl Hall & John Oates. A menudo encasillados en la categoría de “pop de los 80”, su música era en realidad una amalgama sofisticada de soul de Filadelfia, new wave, rock y R&B. Fueron el dúo más vendedor de todos los tiempos, y la razón de su éxito monumental reside en una química única: la fusión de dos talentos aparentemente opuestos que juntos crearon un sonido irresistible.

No eran una banda de rock tradicional ni un dúo de baladistas. Eran dos cantautores que entendían el poder de una buena melodía y la importancia de un ritmo que te hiciera mover. Su colaboración fue una conversación musical constante, un equilibrio perfecto entre el alma y el pop.

El Alma y el Ancla: Dos Polos Opuestos

La dinámica de Hall & Oates se basaba en el contraste. Daryl Hall era el cantante principal, el “alma” del dúo. Con su voz de tenor, influenciada por los grandes del soul como Smokey Robinson y David Ruffin, era el vehículo de las grandes melodías y las emociones a flor de piel. Era el frontman carismático, el rubio de ojos azules que cantaba con el corazón de un artista de Motown.

John Oates, por otro lado, era el ancla. Con sus raíces en el folk y el R&B, aportaba los cimientos rítmicos, las armonías vocales perfectas y un sentido de la estructura de la canción que a menudo pasaba desapercibido, pero que era absolutamente crucial. Era el hombre del bigote, la presencia tranquila que le daba solidez y profundidad al pop de Hall.

La Fusión Perfecta: “Rock & Soul”

A principios de los 80, en la era de MTV, su sonido cristalizó en una fórmula ganadora. Álbumes como Voices (1980), Private Eyes (1981) y H2O (1982) fueron una avalancha de éxitos. Ellos mismos definieron su música como “rock & soul”, y la etiqueta era perfecta.

Canciones como “I Can’t Go for That (No Can Do)” demostraron su maestría. Con una de las primeras cajas de ritmos utilizadas en un éxito pop y una línea de bajo hipnótica, la canción era tan funky que se convirtió en un éxito en las radios de R&B, un hito para un dúo blanco en esa época. La leyenda cuenta que Michael Jackson admitió haber “robado” esa línea de bajo para “Billie Jean”.

De Baladas a New Wave

Su versatilidad era asombrosa. Podían crear baladas románticas atemporales como “Sara Smile” o “One on One”, y al mismo tiempo, producir himnos de new wave con sintetizadores afilados como “Private Eyes”. Y luego estaba “Maneater”, una canción con un ritmo de Motown, un solo de saxofón melancólico y una letra oscura, que se convirtió en su mayor éxito.

La química de Hall & Oates no era la de dos amigos que hacían todo juntos; era la de dos artesanos con habilidades complementarias que entendían que, juntos, eran mucho más que la suma de sus partes. Su legado es un cancionero impecable que demuestra que la mejor música pop es la que se nutre del alma. 

El Salón de la Fama del Rock anuncia a Olivia Rodrigo y Elton John como invitados

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La ceremonia de inducción del Salón de la Fama del Rock & Roll de 2025 será una noche llena de estrellas. La organización ha revelado la lista inicial de invitados especiales que participarán en el evento el próximo 8 de noviembre, y es una impresionante mezcla de leyendas y superestrellas contemporáneas, con Olivia Rodrigo, Doja Cat y Sir Elton John a la cabeza.

La lista de artistas que presentarán y/o actuarán para honrar a los nuevos miembros incluye también a David Letterman, Missy Elliott, Beck, Iggy Pop, Flea de Red Hot Chili Peppers, Killer Mike y Twenty One Pilots, entre otros. Aunque aún no se ha especificado qué rol jugará cada invitado, se espera una noche de discursos emotivos y colaboraciones musicales únicas.

“Cada año, la ceremonia reúne a los artistas más influyentes de la música actual para honrar a sus héroes”, declaró John Sykes, presidente de la Fundación del Salón de la Fama del Rock & Roll.

Una Noche para Celebrar a los Nuevos Inmortales

La ceremonia de este año, que tendrá lugar en el Peacock Theater de Los Ángeles y se transmitirá por Disney+, dará la bienvenida a una clase ecléctica y muy merecida de nuevos miembros.

Los inducidos en la categoría de Intérprete son:

  • Bad Company
  • Chubby Checker
  • Joe Cocker
  • Cyndi Lauper
  • Outkast
  • Soundgarden
  • The White Stripes

Además, se honrará a Salt-N-Pepa y Warren Zevon por su Influencia Musical, y a los músicos de sesión Nicky Hopkins y Carol Kaye por su Excelencia Musical.

¿Quién Honrará a Quién?

Con una lista de invitados tan variada, la especulación sobre quién rendirá tributo a quién ya ha comenzado. ¿Veremos a Olivia Rodrigo y Beck honrando a The White Stripes? ¿A Doja Cat, Missy Elliott y Killer Mike celebrando a Outkast? ¿O a Elton John rindiendo homenaje a su contemporánea y amiga Cyndi Lauper?

La noche promete ser una celebración intergeneracional del poder del rock and roll, uniendo a los pioneros con los artistas que hoy llevan la antorcha.