El récord de Bryan Adams que nadie ha podido superar

En la historia de la música pop, hay récords que parecen destinados a romperse. Pero hay uno, forjado en el verano de 1991, que permanece tan inamovible como una roca: las 16 semanas consecutivas que “(Everything I Do) I Do It For You” de Bryan Adams pasó en el número 1 de las listas del Reino Unido. Es el reinado más largo en la historia de las listas británicas, un hito que, incluso en la vertiginosa era del streaming de 2025, nadie ha podido igualar.

La historia de cómo esta balada de poder se convirtió en un fenómeno cultural es el resultado de una tormenta perfecta: una película taquillera, una composición impecable y un momento cultural que ya no existe.

La Tormenta Perfecta: Cine, Amor y una Balada de Poder

El éxito de la canción es inseparable de la película para la que fue escrita: ‘Robin Hood: Prince of Thieves’ (Robin Hood: Príncipe de los Ladrones). Protagonizada por Kevin Costner, la película fue uno de los mayores éxitos de taquilla de 1991. Cada vez que millones de personas salían del cine, la emotiva balada de Adams era lo último que escuchaban, creando una asociación indeleble.

La canción en sí fue una obra maestra de la ingeniería del pop-rock, coescrita por Adams, el legendario productor Mutt Lange (conocido por su trabajo con Def Leppard) y el compositor de la partitura de la película, Michael Kamen. Tenía todos los ingredientes de una balada de poder perfecta: una introducción de piano suave, una letra de devoción absoluta, un crescendo emocional y un solo de guitarra épico. En una era pre-internet, la radio era la reina, y la canción simplemente se apoderó de las ondas de radio durante todo el verano, sin dejar espacio para nadie más.

Un Récord Forjado en una Era que Ya no Existe

¿Por qué, 34 años después, nadie ha podido romper este récord, ni siquiera con los masivos éxitos virales de hoy? La respuesta está en cómo ha cambiado la forma en que consumimos música.

En 1991, el dominio se basaba en la radio y las ventas físicas. Una canción podía crear un monopolio cultural. Hoy, el streaming ha fragmentado a la audiencia. Mientras una canción puede ser un éxito masivo en TikTok, otra puede dominar las listas de reproducción de Spotify. Es casi imposible que una sola canción capture la atención unificada de todo el mundo durante cuatro meses seguidos.

Incluso los gigantes del streaming como Ed Sheeran o Drake, que han dominado las listas modernas, no han logrado mantener un sencillo en el número 1 del Reino Unido por tanto tiempo. El récord de Bryan Adams no es solo un testimonio de la calidad de su canción, sino una reliquia de una era en la que la cultura pop era una experiencia mucho más compartida y monolítica.

El Himno Inmortal del Amor de los 90

Más allá de los récords, “(Everything I Do) I Do It For You” se consolidó como el himno romántico definitivo de principios de los 90. Ganó un premio Grammy, fue nominada al Oscar y se convirtió en la banda sonora de innumerables bodas y dedicatorias. Su legado es el de una canción que, por un verano inolvidable, se sintió como la única en el mundo, un sentimiento que, al parecer, nadie ha podido replicar con la misma intensidad.

The Cranberries lanza su ‘MTV Unplugged’ de 1995 en vinilo y CD

Uno de los conciertos acústicos más memorables de los años 90 finalmente recibe un lanzamiento oficial. El legendario ‘MTV Unplugged’ de The Cranberries, grabado en 1995 en el apogeo de su fama, será publicado por primera vez en su totalidad en formatos de CD y vinilo.

La sesión, grabada en la Academia de Música de Brooklyn, capturó a la banda irlandesa en un formato íntimo, presentando versiones desnudas de los éxitos de su aclamado segundo álbum, No Need to Argue (1994). El set de 9 canciones y 45 minutos incluye interpretaciones inolvidables de clásicos como “Linger” y una versión particularmente conmovedora de su himno de protesta, “Zombie”.

Para los coleccionistas, se lanzará una edición especial en vinilo blanco que incluirá una litografía de la banda durante la actuación.

Un Vistazo al Futuro y una Joya Inédita

El concierto no solo se centró en su material conocido. Durante la sesión, la banda aprovechó para adelantar dos canciones de su entonces futuro álbum, To the Faithful Departed (1996): “Free to Decide” y “I’m Still Remembering”.

Además, el Unplugged presenta una joya para los fans más acérrimos: la interpretación de una canción completamente inédita titulada “Yesterday’s Gone”, que nunca fue incluida en ningún álbum de estudio posterior, convirtiendo este lanzamiento en una pieza esencial para entender la evolución creativa de la banda.

Un Homenaje a una Era Dorada

Este lanzamiento llega en un momento de celebración para el legado de la banda. En octubre, también se publicarán las ediciones del 30º aniversario del álbum . Estas reediciones de lujo incluirán el álbum remasterizado, grabaciones en vivo inéditas de su actuación en Woodstock ’94 y remezclas a cargo de Iain Cook de la banda CHVRCHES.La publicación del MTV Unplugged es un homenaje a la inconfundible voz de la fallecida Dolores O’Riordan y a la magia de una banda que, en un formato acústico, demostró que la fuerza de sus canciones no necesitaba de distorsión para ser poderosa.

Las 10 canciones de Madonna que revolucionaron la cultura pop

Pocas artistas pueden presumir de haber cambiado las reglas del juego. Madonna no solo las cambió; escribió un manual completamente nuevo. A lo largo de cuatro décadas, su música no ha sido solo una colección de éxitos, sino una serie de declaraciones de intenciones que han desafiado a la sociedad, redefinido el rol de la mujer en la música y fusionado el arte, la moda, el sexo y la religión de una manera que nadie se había atrevido antes.

Más que una cantante, Madonna ha sido una estratega cultural. Cada una de estas diez canciones no fue solo un hit número uno, sino un evento cultural que provocó conversaciones, generó controversia y dejó una marca indeleble en la cultura pop.

La Santísima Trinidad del Debate de los 80

1. “Like a Virgin” (1984): La canción que la convirtió en un ícono global. Su legendaria actuación en los primeros MTV VMAs, revolcándose en el suelo con un vestido de novia, no fue solo un show; fue una declaración sobre la sexualidad femenina que escandalizó a los conservadores y empoderó a una generación.

2. “Papa Don’t Preach” (1986): Madonna abordó el embarazo adolescente desde una perspectiva femenina pro-decisión, generando un debate nacional. La canción fue a la vez un éxito pop irresistible y un complejo comentario social que demostró que la música pop podía ser seria.

3. “Like a Prayer” (1989): El punto álgido de su genio para la provocación. El video, con sus cruces en llamas, estigmas y un romance interracial con un santo negro, fue tan controvertido que Pepsi canceló un multimillonario contrato con ella. ¿El resultado? Madonna se quedó con el dinero y el video se convirtió en una de las obras de arte más importantes de la historia de MTV.

La Liberación y el Sonido de los 90

4. “Vogue” (1990): Con esta canción, Madonna no solo creó un himno dance atemporal, sino que introdujo la cultura del voguing y los ballrooms de la comunidad LGBTQ+ negra y latina al mainstream global. Fue un acto de celebración y apropiación cultural que sigue siendo un estándar en la música de club.

5. “Justify My Love” (1990): El video, con sus imágenes de sadomasoquismo, voyeurismo y bisexualidad, fue tan explícito que MTV lo prohibió. ¿La respuesta de Madonna? Lo lanzó como el primer “video single” de la historia en formato VHS, vendiendo más de un millón de copias y demostrando que podía convertir la censura en un negocio.

Reinventando el Pop para un Nuevo Milenio

6. “Ray of Light” (1998): Después de convertirse en madre, Madonna se reinventó una vez más, abrazando la música electrónica y la espiritualidad. “Ray of Light” fue una explosión de techno-pop que demostró que una mujer de 40 años podía ser la artista más innovadora y vanguardista del planeta.

7. “Music” (2000): Una oda simple y directa al poder unificador de la música, producida por el genio francés Mirwais. La canción y su video consolidaron su estatus como un ícono global capaz de dictar las tendencias sonoras del nuevo siglo.

Himnos para la Pista de Baile y el Legado

8. “Hung Up” (2005): Cuando muchos la daban por acabada, Madonna regresó con un himno disco que sampleaba a ABBA (algo que la banda sueca casi nunca permitía). Confessions on a Dance Floor fue una obra maestra que la devolvió a la cima y demostró que la Reina de la Pista de Baile seguía en su trono.

9. “Express Yourself” (1989): Un poderoso himno feminista que ha inspirado a generaciones de artistas, desde las Spice Girls hasta Lady Gaga. “No te conformes con el segundo mejor, nena”. Un mensaje tan relevante hoy como lo fue entonces.

10. “Live to Tell” (1986): Una balada introspectiva y desgarradora que demostró su profundidad como compositora. En sus giras, a menudo la cantaba mientras se proyectaban imágenes de víctimas del SIDA, convirtiéndola en un poderoso acto de activismo y memoria. 

La carrera de Kylie Minogue: De los 80 a ‘Padam Padam’

Pocas carreras en la historia del pop son tan longevas, exitosas y resilientes como la de Kylie Minogue. Desde su debut como una estrella juvenil de telenovela en los años 80 hasta su estatus actual como un ícono global de la música disco y dance, la artista australiana ha navegado las cambiantes mareas de la industria con una gracia y una capacidad de reinvención que la convierten en una figura única. A lo largo de cinco décadas, Kylie no solo ha sobrevivido, ha prosperado, demostrando que la verdadera corona del pop no se gana una vez, se defiende constantemente.

Su carrera es un estudio de metamorfosis. Ha sido la “princesa del pop” de Stock Aitken Waterman, la musa del indie, la diva del disco y, más recientemente, la reina del “Padam”. En cada etapa, ha sabido evolucionar sin perder la esencia que la hace tan querida: una alegría contagiosa y una dedicación inquebrantable a la pista de baile.

De Actriz Adolescente a Ícono del Pop de los 80

La historia de Kylie comenzó en la televisión, en la telenovela australiana Neighbours. Pero fue su cover de “The Loco-Motion” en 1987 lo que la catapultó a la fama musical. Su éxito inicial estuvo definido por el sonido de la factoría de éxitos británica Stock Aitken Waterman. Canciones como “I Should Be So Lucky” y “Better the Devil You Know” eran pop puro, pulcro y pegadizo, que la convirtieron en una de las artistas más grandes de finales de los 80.

La Era de la Credibilidad: Indie Kylie y la Metamorfosis de los 90

A mediados de los 90, en un movimiento arriesgado, Kylie decidió romper con su imagen de “chica de al lado” y buscar la credibilidad artística. Se alejó del pop de fórmula y colaboró con artistas alternativos como Nick Cave and the Bad Seeds en la oscura y aclamada balada “Where the Wild Roses Grow”. Su álbum de 1997, Impossible Princess, aunque un fracaso comercial en su momento, es hoy considerado un trabajo valiente y experimental que demostró su profundidad como artista.

El Regreso Triunfal: La Diva del Disco de los 2000

El verdadero renacimiento llegó con el cambio de milenio. Con el álbum Light Years (2000) y su éxito “Spinning Around”, Kylie regresó a sus raíces dance-pop, pero con una confianza y una sofisticación renovadas. Sin embargo, fue en 2001 cuando alcanzó el estatus de ícono global inmortal con “Can’t Get You Out of My Head”.

La canción, con su hipnótico “la la la” y su producción minimalista y futurista, fue un fenómeno mundial. Se convirtió en la canción más escuchada de la década de los 2000 y solidificó su imagen como la reina indiscutible de la música dance.

Resiliencia y el Fenómeno ‘Padam’: Reina para Siempre

La carrera de Kylie también es una historia de inmensa fortaleza personal. Su valiente y pública batalla contra el cáncer de mama a mediados de los 2000 inspiró a millones de personas. Tras su recuperación, regresó con más fuerza que nunca.Décadas después, cuando muchos de sus contemporáneos viven de la nostalgia, Kylie sigue marcando tendencia. En 2023, su sencillo “Padam Padam” se convirtió en un éxito viral inesperado, conectando con una nueva generación en TikTok y demostrando, una vez más, su increíble capacidad para entender y definir el pulso de la cultura pop. No es solo una sobreviviente de la industria; es una fuerza constante de reinvención y alegría.

La era dorada de las boy bands de los años 90

A mediados de la década de los 90, mientras el grunge y el rock alternativo se desvanecían, un nuevo sonido, más pulcro, coreografiado y romántico, comenzó a apoderarse de las ondas de radio y, sobre todo, de los canales de videos musicales. Fue el comienzo de la era dorada de las boy bands, un fenómeno pop global que, aunque no era nuevo, alcanzó un nivel de histeria y dominio comercial sin precedentes, definiendo la segunda mitad de la década.

Estas no eran simplemente bandas; eran productos culturales meticulosamente diseñados. Grupos de cinco jóvenes, cada uno con un arquetipo definido (el sensible, el chico malo, el mayor, el tierno, el bromista), que cantaban baladas emotivas y temas bailables, todo ello envuelto en coreografías sincronizadas y videos de alto presupuesto.

Los Backstreet Boys y el fenómeno global

Los Backstreet Boys fueron los primeros en irrumpir a nivel global. Con su álbum debut internacional en 1996, conquistaron Europa y Asia antes de finalmente explotar en su natal Estados Unidos. Canciones como “Quit Playing Games (with My Heart)” y “As Long As You Love Me” se convirtieron en himnos para millones de adolescentes, gracias a sus armonías perfectas y sus letras sobre el anhelo romántico. Su éxito masivo con el álbum Millennium (1999) y temas como “I Want It That Way” los consolidaron como la boy band más vendedora de la historia.

Poco después, *NSYNC, liderados por un joven y carismático Justin Timberlake, llevaron el fenómeno a un nuevo nivel de estrellato pop. Con un sonido que incorporaba más influencias del R&B y el dance, éxitos como “Bye Bye Bye” y “It’s Gonna Be Me” no solo dominaron las listas, sino que sus videos, con coreografías complejas y memorables, se convirtieron en eventos culturales en la era de TRL de MTV.

La Respuesta Británica: Take That y las Spice Girls

Aunque el modelo de Orlando dominó, el Reino Unido tuvo su propia y masiva respuesta. Take That, liderados por Gary Barlow y un joven Robbie Williams, fue un fenómeno en Europa a principios de los 90. Con un enfoque en baladas de piano y un estilo más maduro, canciones como “Back for Good” lograron incluso cruzar el Atlántico.

Y aunque no eran una boy band, es imposible hablar del pop de los 90 sin mencionar a las Spice Girls. Utilizando la misma fórmula de arquetipos y marketing brillante, ellas crearon el “Girl Power”, la contraparte femenina que demostró que el modelo era universalmente poderoso.

Un Legado de Histeria y Pop Perfecto

La era dorada de las boy bands fue relativamente breve, desvaneciéndose con el cambio de milenio. Sin embargo, su impacto es innegable. Definieron el sonido y la estética del pop de finales de los 90, crearon una conexión fanática con su audiencia que no se había visto desde la Beatlemanía y, lo más importante, nos dejaron un cancionero de pop perfectamente construido.

Décadas después, la nostalgia por esa era sigue intacta, como lo demuestran las exitosas giras de reunión y las residencias en Las Vegas. Fue un tiempo de pop sin cinismo, de coreografías en conjunto y de una histeria colectiva que, para muchos, sigue siendo la banda sonora de su juventud.

Janet Hubert habla de su reconciliación con Will Smith

Janet Hubert, la actriz original de la “Tía Viv” en El Príncipe del Rap, ha revelado nuevos detalles sobre su ahora sólida relación con Will Smith, confirmando que su famosa y amarga disputa de 30 años ha quedado completamente en el pasado. De hecho, el actor ha tenido un gesto de apoyo fundamental en su nuevo proyecto.

En una reciente entrevista Hubert describió el momento como “catártico y sanador”, ya que fue en esa misma estación donde, hace tres décadas, Smith hizo comentarios que contribuyeron a su salida de la seri

Hubert fue reemplazada en la serie en 1993 por “diferencias creativas”, lo que desató una de las disputas más largas y públicas de Hollywood. Smith llegó a decir en esa misma estación de radio que ella “quería que el show fuera ‘El Show de la Tía Viv de Bel-Air'”.

El Apoyo Incondicional de Smith a su Nuevo Proyecto

Al ser cuestionada sobre cómo es su relación actual con Smith, Hubert la catalogó: “Tan buena”. La actriz reveló que su antiguo coprotagonista ha sido una pieza clave en la promoción de su nueva película animada independiente, JG and the BC Kids.

Explicó que el actor no solo pagó por todo el trabajo, sino que también le prestó a su equipo completo de redes sociales para ayudarla a lanzar el proyecto.

Este gesto demuestra que la reconciliación, que se hizo pública durante la emotiva reunión de El Príncipe del Rap en 2020, no fue solo para las cámaras, sino que se ha traducido en un apoyo genuino y tangible.

Del Conflicto a la Sanación

Durante décadas, ambos actores intercambiaron duras críticas en público. Hubert llegó a culpar a Smith de arruinar su carrera, mientras que él la acusaba de ser difícil en el set. Su reencuentro en 2020 fue uno de los momentos más comentados de la reunión de HBO Max, donde ambos se disculparon y explicaron sus perspectivas, abriendo la puerta a la sanación.

Ahora, con este nuevo capítulo de colaboración y apoyo, una de las peleas más amargas de la televisión de los 90 ha encontrado, finalmente, un final feliz.

Paul McCartney elogia el concierto de Oasis como “fabuloso”

En un momento que sella décadas de una compleja relación, Sir Paul McCartney asistió al concierto de la gira de reunión de Oasis en el Rose Bowl de Los Ángeles, y su veredicto fue simple y contundente: “Fabuloso”. La presencia del legendario Beatle en el show es un gesto significativo, considerando la tensa historia entre él y los hermanos Gallagher.

McCartney fue captado en video por otros asistentes mientras grababa con su teléfono la interpretación de Noel Gallagher de “Little By Little”. Según la cuenta de fans “Oasis Mania”, el músico fue el único en su sección que se puso de pie para disfrutar de la canción, un claro gesto de admiración.

Más tarde, al salir del recinto, un fan le preguntó qué le había parecido el concierto, a lo que McCartney respondió con un entusiasta “¡Fabuloso!”, acompañado de un gesto de “todo bien” con la mano.

Del Conflicto al Respeto: Un Círculo Completo

La admiración de McCartney es especialmente notable dada la historia de fricción entre él y Oasis. En 1996, en la cima de su fama, Noel Gallagher declaró polémicamente que Oasis era “más grande que The Beatles”. La respuesta de McCartney, en una entrevista de 1997, fue mordaz: “Son derivativos y se creen demasiado. No significan nada para mí”.

Aunque Gallagher se retractó más tarde de su comentario, la tensión quedó en el aire durante años. La presencia de McCartney en el concierto del sábado, disfrutando visiblemente del espectáculo, es vista por muchos como el cierre definitivo de ese capítulo.

La Perspectiva de Liam: “Un Sueño”

Curiosamente, la relación de Liam Gallagher con el Beatle ha sido menos conflictiva. En una entrevista, Liam relató una anécdota sobre un malentendido con unas margaritas y describió a McCartney como “un sueño”.

Mientras Oasis acaba de completar sus primeras fechas en Estados Unidos en 17 años, Sir Paul McCartney se prepara para reanudar su propia gira, “Got Back Tour”, a finales de este mes.

Pulp anuncia reedición del 30º aniversario de ‘Different Class’

Pulp, una de las bandas más emblemáticas del Britpop, celebrará el 30º aniversario de su obra maestra, Different Class, con una reedición expandida que se lanzará el 24 de octubre. El aclamado álbum, ganador del Premio Mercury en 1996, vendrá acompañado de una joya muy esperada por los fans: la grabación completa de su legendaria actuación en el Festival de Glastonbury de 1995.

Esta será la primera vez que el icónico concierto, considerado uno de los momentos más significativos en la historia de Glastonbury, se publique de manera oficial en su totalidad. En aquella ocasión, Pulp reemplazó a The Stone Roses como acto principal a último minuto, y aprovechó la oportunidad para debutar en vivo canciones como “Sorted For E’s & Wizz”, “Mis-Shapes” y “Disco 2000”, tres semanas después de que “Common People” alcanzara el número 2 en las listas.

La Calidad de Sonido que el Álbum Siempre Mereció

El líder de la banda, Jarvis Cocker, explicó que esta reedición en formato de doble LP a 45rpm finalmente presentará el álbum con la calidad de sonido que siempre mereció. En 1995, su obsesión por mantener 12 canciones en un “álbum pop” perfecto, a pesar de que la duración total comprometía la calidad del vinilo, fue una prioridad.

“Estábamos obsesionados con el hecho de que este era nuestro álbum ‘Pop'”, explicó Cocker. “Ahora, 30 años después, finalmente estamos listos para que Different Class sea escuchado en toda su gloria”. La remasterización fue supervisada por el propio Cocker y el guitarrista Mark Webber.

Una Edición de Colección Fiel al Original

La reedición de lujo, que estará disponible en un set de 4 LPs y en formato de doble CD, ha sido diseñada para ser un objeto de colección.

  • Libreto de 28 páginas: Con un nuevo ensayo basado en entrevistas recientes con la banda y fotos inéditas.
  • Diseño de portada interactivo: Se recrea fielmente el diseño original, que permitía a los compradores “elegir su propia portada” con seis tarjetas de arte intercambiables.
  • Póster para recortar: Incluirá un póster con las figuras de cartón de la banda, que los fans podrán recortar, tal como en el arte original.

Lanzado en 1995, Different Class no solo fue un éxito comercial masivo, sino que capturó el espíritu de una era con su ingeniosa crítica social y sus himnos sobre la clase, el sexo y la vida cotidiana, consolidando a Pulp como una de las voces más importantes de su generación.

Oasis Lanza la Versión Oficial en Vivo de ‘Wonderwall’

Oasis continúa documentando su histórica gira de reunión “Live ’25” con el lanzamiento de una nueva grabación oficial en vivo. Esta vez, es el turno de su himno más universal, “Wonderwall”, capturado durante su primer concierto del mes pasado en el Croke Park de Dublín.

La publicación sigue la estrategia de la banda de compartir pistas de alta calidad de cada ciudad de su gira. Previamente, ya habían lanzado “Slide Away” (Cardiff), “Cigarettes & Alcohol” (Manchester), “Little By Little” (Londres) y “Bring It Down” (Edimburgo).

El nuevo audio de “Wonderwall” no solo captura la energía de las 80,000 voces coreando el clásico de 1995, sino que también incluye la característica introducción de Liam Gallagher, quien se dirige al público con su habitual franqueza.

“¿Dónde carajo estaríamos todos sin ‘Wonderwall’, eh?”, se le escucha decir. “¿Dónde estaríamos? Vendiendo alfombras o alguna mierda así”.

Una Gira Marcada por la Emoción y los Homenajes

La banda se encuentra actualmente en la etapa norteamericana de su gira. En sus recientes conciertos en el MetLife Stadium de Nueva Jersey, los hermanos Gallagher protagonizaron un emotivo momento al dedicar la canción “Live Forever” a las víctimas del tiroteo en una iglesia de Minneapolis que ocurrió la semana pasada.

Este gesto subraya la madurez y la emotividad que han caracterizado esta gira de reunión, un sentimiento que también ha sido destacado por Noel Gallagher en recientes declaraciones. “Es genial estar de vuelta con Bonehead y Liam, y simplemente hacerlo de nuevo”, dijo. “Había olvidado lo divertido que es Liam”.

Un Éxito Rediseñado para el Siglo XXI

La gira “Live ’25” ha sido un éxito rotundo tanto para los fans de toda la vida como para una nueva generación que descubre a la banda por primera vez. La crítica también se ha rendido ante el espectáculo.

Después de sus fechas en Norteamérica, que incluyen paradas en el Rose Bowl de Hollywood y en la Ciudad de México, la banda regresará para dos conciertos adicionales en el estadio de Wembley a finales de este mes, antes de continuar por Asia, Australia y Sudamérica.

¡Radiohead vuelve a los escenarios!

La espera ha terminado. Radiohead, una de las bandas más influyentes y enigmáticas del rock alternativo, ha anunciado que se reunirá para su primera gira en siete años. La serie de conciertos, por ahora limitada a Europa y el Reino Unido, se llevará a cabo entre noviembre y diciembre de este año.

La gira comenzará con cuatro noches en Madrid a partir del 4 de noviembre, y continuará por Bolonia, Londres y Copenhague, antes de cerrar en Berlín a principios de diciembre. Este anuncio marca el regreso a los escenarios de la banda desde su última gira en 2018.

En un comunicado, el baterista Philip Selway explicó la razón detrás de este esperado regreso. “El año pasado, nos juntamos a ensayar, solo por el gusto de hacerlo. Después de una pausa de siete años, se sintió realmente bien volver a tocar las canciones y reconectar con una identidad musical que se ha arraigado profundamente en nosotros cinco”, compartió.

Un Sistema de Venta de Boletos para Proteger a los Fans

Fieles a su postura de proteger a sus seguidores, la banda ha implementado un sistema especial para la venta de boletos, diseñado para minimizar la reventa y la acción de los bots.

Para poder comprar entradas, los fans deberán registrarse previamente en el sitio web oficial, radiohead.com. El registro se abrirá este viernes 5 de septiembre y se cerrará 60 horas después, el domingo 7 de septiembre. La venta de boletos para los usuarios registrados comenzará el 12 de septiembre.

¿El Comienzo de una Nueva Era?

La declaración de Philip Selway no solo confirmó la gira, sino que también dejó la puerta abierta a un futuro incierto pero esperanzador para la banda, cuyo último álbum de estudio fue A Moon Shaped Pool de 2016.”Nos hizo querer tocar algunos shows juntos, así que esperamos que puedan venir a una de las próximas fechas”, continuó el baterista. “Por ahora, solo serán estas, pero quién sabe a dónde nos llevará todo esto”. Esta última frase ha desatado una ola de especulación entre los fans sobre la posibilidad de que esta reunión sea el preludio de un nuevo álbum.