Lady Gaga y Madonna: la verdad detrás de su supuesta rivalidad en el pop

Desde la irrupción masiva de Lady Gaga en la escena musical a finales de los años doscientos, la prensa internacional y los seguidores del pop establecieron paralelismos constantes con la trayectoria de Madonna. Las comparaciones se centraron en el uso de una estética visual provocadora, la reinvención permanente de la imagen pública y la subversión de símbolos religiosos y sexuales dentro de las grandes producciones discográficas. 

Ambas artistas estructuraron sus propuestas sobre cimientos de música dance y electrónica, utilizando la plataforma de los videoclips y las giras de estadios para cuestionar los límites de la moral conservadora. Mientras Madonna consolidó su estatus de icono global desafiando los tabúes de las décadas de los ochenta y noventa, Lady Gaga heredó esa plataforma multimedia para expandir el discurso hacia la era digital y las redes sociales. 

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El punto de inflexión y las declaraciones cruzadas en los medios 

Las especulaciones sobre un conflicto personal se intensificaron en 2011 tras el lanzamiento del sencillo Born This Way, cuyas similitudes estructurales con el clásico Express Yourself de Madonna de 1989 motivaron debates generalizados entre críticos musicales y oyentes. La similitud armónica y el mensaje de emancipación personal generaron titulares en diarios y revistas especializadas de todo el mundo. 

Madonna abordó públicamente el parecido en diversas entrevistas televisivas, calificando la composición de su sucesora como una obra derivada y simplificada. Por su parte, Lady Gaga restó importancia a las fricciones en apariciones documentales, reconociendo en múltiples ocasiones el impacto histórico que la intérprete de Like a Prayer ejerció sobre la industria del entretenimiento y el empoderamiento femenino. 

La evolución artística y la superación del dilema generacional 

Con el paso de los años, la supuesta rivalidad comercial se diluyó ante la diversificación de ambas trayectorias profesionales. Madonna exploró nuevas vertientes de la música latina y el cine independiente, mientras Lady Gaga diversificó su catálogo interpretando jazz junto a Tony Bennett y consolidando una carrera actoral premiada en Hollywood con producciones como A Star Is Born. 

Lejos de los enfrentamientos impulsados por la industria y los medios sensacionalistas, el fenómeno conjunto de ambas figuras demostró que el pop provocador funciona como una cadena de transmisión generacional. La confrontación estética inicial dio paso al reconocimiento mutuo de dos mujeres que utilizaron la controversia como herramienta artística para transformar las reglas del mercado musical global. 

Miley Cyrus: cómo pasó de Hannah Montana a convertirse en una estrella del pop

Miley Cyrus inició su carrera internacional en 2006 como protagonista de la serie televisiva de Disney Channel Hannah Montana, interpretando a una estudiante con una identidad secreta como cantante juvenil. El proyecto televisivo derivó en giras masivas de conciertos y bandas sonoras que alcanzaron de forma consecutiva la primera posición de la lista Billboard 200, cimentando una audiencia global antes de su mayoría de edad. 

El proceso de distanciamiento de la factoría infantil comenzó formalmente con lanzamientos como The Time of Our Lives en 2009 —que incluyó el sencillo **Party in the U.S.A.**— y el álbum Can’t Be Tamed en 2010. Con estas producciones, la cantautora de Tennessee incorporó elementos de electropop y dance, buscando una transición hacia públicos adultos en la programación radial internacional. 

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La ruptura estética de Bangerz y la exploración de géneros 

En 2013, la artista concretó un cambio radical de imagen y sonido con el álbum Bangerz, producido bajo la dirección musical de Mike Will Made-It. De dicha placa se desprendieron éxitos de alta rotación como We Can’t Stop y Wrecking Ball, corte que otorgó a la intérprete su primer número uno en el Billboard Hot 100 y consolidó su presencia en los certámenes de música contemporánea. 

Posteriormente, la compositora diversificó su repertorio a través de proyectos experimentales como la psicodelia de Miley Cyrus & Her Dead Petz en 2015 y las raíces de música country en Younger Now en 2017. Esta etapa culminó en 2020 con la publicación de Plastic Hearts, un trabajo orientado al rock clásico y al synth-pop que incluyó colaboraciones de estudio con figuras como Stevie Nicks, Billy Idol y Joan Jett. 

El récord histórico de Flowers y la consagración en los premios Grammy 

La consolidación definitiva de su trayectoria ocurrió en 2023 con el lanzamiento de su octavo álbum de estudio, Endless Summer Vacation, encabezado por el sencillo Flowers. La canción estableció marcas históricas de velocidad de reproducción en plataformas digitales al superar los mil millones de transmisiones, permaneciendo durante ocho semanas en la cima del listado de sencillos en Estados Unidos. 

En la 66ª edición de los premios Grammy en 2024, Cyrus obtuvo sus dos primeros galardones de la Recording Academy en las categorías de Grabación del Año y Mejor Interpretación Pop Solista. Dos décadas después de su debut frente a las cámaras, la cantautora ratificó su posición en la música pop global como una de las artistas con mayor capacidad de transformación estilística. 

Madonna abrirá los MTV VMAs 2026 tras 23 años de ausencia en el escenario

Madonna encabezará el acto de apertura de los MTV Video Music Awards 2026, ceremonia que se transmitirá en directo el próximo 27 de septiembre desde Los Ángeles. La participación marcará el regreso de la cantante estadounidense al escenario de dicha entrega de premios tras un periodo de 23 años sin actuaciones musicales en el evento. 

La presentación servirá de marco promocional para su nueva producción discográfica titulada Confessions II. En esta edición, la intérprete registró un récord personal al acumular 11 nominaciones, compitiendo en categorías principales como Video of the Year, Artist of the Year y Song of the Year. 

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Historial en los premios y récords de premiación 

La intervención más reciente de la vocalista en la gala ocurrió en 2003, cuando compartió escenario junto a Britney Spears y Christina Aguilera. A lo largo de cuatro décadas, la cantautora sumó nominaciones en cada periodo decenal de su trayectoria y acumuló 19 galardones en la historia del certamen televisivo. 

En 1986, la intérprete se convirtió en la primera mujer solista en obtener el premio honorífico Video Vanguard Award por sus aportes a la narrativa visual en los videoclips. Dicha presea será otorgada en esta edición a Nirvana, aunque los organizadores no han ratificado la asistencia de Dave Grohl y Krist Novoselic para recibir la distinción. 

Detalles de la transmisión televisiva y conducción de la gala 

La ceremonia contará con la conducción principal del rapero Snoop Dogg y se emitirá de manera simultánea en Estados Unidos mediante las señales de CBS, MTV y la plataforma Paramount+. La distribución internacional del espectáculo estará disponible al día siguiente en los servicios de transmisión digital de la cadena. 

La producción del evento confirmará durante los próximos días el listado complementario de artistas invitados, presentadores de categorías y actuaciones en vivo. El regreso de la cantante coincide con la etapa preparatoria de su siguiente gira internacional vinculada a su nueva etapa discográfica. 

Cher: las 10 canciones que resumen siete décadas de éxitos 

Cher ha construido una carrera que atraviesa el folk-pop, el rock, la música disco y el electropop. Esta selección considera el impacto cultural, la permanencia de cada canción, su importancia dentro de distintas etapas de su trayectoria y su desempeño en las listas. 

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1. “Believe” 

“Believe” ocupa el primer lugar por convertir la reinvención de Cher en un fenómeno internacional. Publicada en 1998, la canción llevó el Auto-Tune al centro del pop, alcanzó el número uno en 21 países y ganó el Grammy a Mejor Grabación Dance en 2000. 

2. “Bang Bang (My Baby Shot Me Down)” 

Cher grabó “Bang Bang” en 1966, durante su primera etapa como solista. La canción, escrita por Sonny Bono, alcanzó el número dos en Estados Unidos y estableció una de las interpretaciones más reconocibles de su carrera, gracias a su tono dramático y a una melodía que otros artistas retomaron después. 

3. “Gypsys, Tramps & Thieves” 

“Gypsys, Tramps & Thieves” marcó el regreso de Cher al primer lugar del Billboard Hot 100 en 1971. La canción cuenta una historia desde la perspectiva de una mujer nacida en una familia itinerante y mostró la capacidad de Cher para interpretar personajes dentro de canciones con estructura narrativa. 

Las canciones que definieron sus distintas etapas 

4. “If I Could Turn Back Time” 

Lanzada en 1989, “If I Could Turn Back Time” presentó a Cher en una etapa de rock pop y reforzó su presencia visual en MTV. La canción llegó al número tres del Billboard Hot 100 y se convirtió en una de las piezas centrales de su repertorio durante la transición entre los años 80 y 90. 

5. “Strong Enough” 

“Strong Enough” confirmó el alcance de la era Believe y llevó la voz de Cher a una producción de música dance. La canción se convirtió en un éxito internacional y acompañó el regreso de la cantante a las listas después de una trayectoria que ya había pasado por varias transformaciones. 

6. “I Got You Babe” 

“I Got You Babe” pertenece a Sonny & Cher, pero forma parte indispensable de la historia musical de Cher. Publicada en 1965, la canción llegó al número uno del Billboard Hot 100 y definió la imagen inicial del dúo antes de que Cher consolidara su carrera como solista. 

El repertorio que convirtió a Cher en una figura única 

7. “Dark Lady” 

“Dark Lady” fue el cuarto número uno de Cher como solista en el Billboard Hot 100. Publicada en 1974, la canción presenta una historia de engaño y venganza con elementos de misterio, una fórmula que Cher interpretó con una voz firme y un enfoque teatral. 

8. “The Shoop Shoop Song (It’s in His Kiss)” 

Cher grabó “The Shoop Shoop Song (It’s in His Kiss)” para la película Mermaids de 1990. La canción llegó al número uno en Reino Unido y conectó el repertorio de Cher con el sonido de los grupos vocales femeninos de los años 60. 

9. “Half-Breed” 

“Half-Breed” alcanzó el número uno del Billboard Hot 100 en 1973. La canción aborda la identidad de una mujer de ascendencia mixta y forma parte de la etapa en la que Cher interpretó historias sobre origen, discriminación y pertenencia. 

10. “You Haven’t Seen the Last of Me” 

“You Haven’t Seen the Last of Me” pertenece a la banda sonora de Burlesque, película de 2010 protagonizada por Cher y Christina Aguilera. La canción le dio el Globo de Oro a Cher por Mejor Canción Original y funciona como una declaración de permanencia dentro de una carrera marcada por los regresos. 

La lista no pretende establecer una clasificación definitiva, pero sí resume las etapas que explican la vigencia de Cher: el dúo con Sonny Bono, las canciones narrativas de los años 70, el rock pop de los 80, las bandas sonoras y el electropop de “Believe”. Pocas carreras han conseguido colocar canciones en las listas durante tantas décadas y con cambios de sonido tan marcados. 

Adele atribuye a Céline Dion su amor por las baladas y las interpretaciones dramáticas

Adele reconoció la influencia de Céline Dion en su forma de interpretar canciones y construir momentos emocionales. En una entrevista con Harper’s Bazaar, la cantante británica afirmó que su amor por las baladas viene directamente de Dion y añadió: “Es dramática, y me encanta ser una reina del drama”. 

La declaración aparece en la edición global de íconos de Harper’s Bazaar, cuya portada protagoniza Dion. Adele también recordó el impacto que tuvo la cantante canadiense en su propia carrera y en la manera en que aborda canciones como Someone Like You, Hello y Easy on Me. 

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Adele y Céline Dion protagonizaron un encuentro en Las Vegas 

Las dos artistas compartieron un momento emocional en octubre de 2024, cuando Dion asistió por sorpresa a una presentación de Adele en el Colosseum at Caesars Palace. Adele interpretaba When We Were Young cuando identificó a Dion entre el público y se acercó para abrazarla. 

Después del encuentro, Adele publicó un mensaje en Instagram en el que explicó que había elegido ese recinto porque fue construido para las residencias de Dion. La cantante también escribió que tocaba una fotografía de Dion junto al escenario antes de cada presentación. 

Una influencia que también llegó a los Grammy 

Dion presentó a Adele el premio a Canción del Año en la 59.ª edición de los Grammy, celebrada en febrero de 2017. Adele recibió el reconocimiento por Hello, canción que también le dio los premios a Grabación del Año, Mejor Interpretación Vocal Pop Solista y otras categorías principales. 

La relación entre ambas también incluye una admiración mutua. En 2012, Dion interpretó Rolling in the Deep durante una de sus presentaciones en Las Vegas y expresó públicamente su aprecio por la música de Adele. 

Céline Dion prepara su regreso a los escenarios 

Dion se prepara para regresar a los escenarios con una residencia de cinco semanas en París. Las presentaciones comenzarán el 12 de septiembre de 2026 en Paris La Défense Arena, y la cantante añadió 10 fechas para mayo de 2027 debido a la demanda de las primeras funciones. 

La artista reveló en 2022 que recibió un diagnóstico de síndrome de la persona rígida, un trastorno neurológico poco frecuente que puede provocar rigidez muscular y espasmos. Para preparar su regreso, Dion combina fisioterapia, terapia vocal, inmunoterapia, nuevos medicamentos, sesiones de Pilates y clases de ballet. 

En la entrevista con Harper’s Bazaar, Dion explicó que quiere volver a presentarse para mostrarle a sus seguidores cuánto los ha extrañado. Su regreso ocurre después de varios años de pausa y de la cancelación de su gira Courage World Tour. 

Del éxito de Torn a la agorafobia: Natalie Imbruglia rompe el silencio sobre su salud mental

La cantante y actriz australiana Natalie Imbruglia compartió detalles íntimos sobre los altibajos de su carrera durante el podcast Begin Again. Tras su salida de la serie Neighbours, la intérprete enfrentó una crisis económica severa al mudarse a Inglaterra. Imbruglia recordó que pasó de recibir dinero en efectivo a vivir en un sótano en Chelsea sin una fuente de ingresos estable. 

El éxito mundial de su sencillo Torn en 1997 cambió su situación financiera, pero detonó graves problemas de salud mental. La presión mediática y el reconocimiento internacional provocaron que la artista desarrollara agorafobia, un trastorno que le impedía salir de su hogar por miedo. Esta ansiedad se convirtió en su realidad cotidiana mientras el mundo celebraba su ascenso a la cima de las listas de popularidad.

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El camino hacia la maternidad en solitario y los retos personales 

Durante la entrevista, la intérprete de 51 años aclaró que su soltería durante la década de los treinta no fue una elección ideológica. Imbruglia explicó que simplemente no lograba encontrar una pareja sentimental a pesar de sus intentos constantes por establecer una relación. Ante la presión del reloj biológico, la cantante decidió tomar el control de su futuro familiar de manera independiente. 

La artista se sometió a un proceso de fertilización in vitro (FIV) que se extendió durante cinco años de intentos fallidos. Finalmente, la determinación de Imbruglia permitió el nacimiento de su hijo, evento que calificó como su mayor fuente de alegría. A pesar del estrés adicional de la crianza en solitario, la cantante asegura que la experiencia ha superado todas sus expectativas iniciales. 

Salud mental y el nuevo proyecto musical “Algorithm” 

Natalie Imbruglia también discutió el concepto detrás de su nuevo material discográfico titulado Algorithm. El álbum aborda su adicción al uso del teléfono móvil durante las madrugadas y el impacto negativo en su bienestar emocional. La cantante utiliza metáforas de atracción para describir el vínculo tóxico que los seres humanos desarrollan actualmente con las herramientas digitales. 

La intérprete busca utilizar su plataforma para fomentar conversaciones honestas sobre la salud mental y la vulnerabilidad en la era digital. Imbruglia sostiene que compartir sus debilidades es fundamental para conectar con una audiencia que enfrenta retos similares. Su trayectoria permanece como un testimonio de resiliencia frente a la volatilidad de la fama y las crisis personales en la industria del entretenimiento. 

Nicole Kidman protagoniza el videoclip de “She’s the Best” junto a Troye Sivan

Nicole Kidman protagoniza el nuevo video musical de Troye Sivan titulado She’s the Best, estrenado este viernes a nivel mundial. La actriz de Babygirl se reencuentra con el cantante australiano tras compartir créditos en la película Boy Erased de 2018. El clip presenta una estética glamorosa y cinemática que destaca la química artística entre ambos intérpretes de origen australiano. 

La producción visual sitúa a Kidman en un club de drag como la musa principal de Sivan mientras él interpreta el tema en un escenario. El video rinde tributo a la comunidad drag e incluye la participación especial de la leyenda Sasha Colby. Esta canción funciona como el sencillo homónimo del próximo álbum de estudio de Sivan, programado para el 9 de octubre. 

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Nicole Kidman y Troye Sivan se reúnen en el videoclip de “She’s the Best” 

Troye Sivan describió la obra como un cuadro que captura los diversos matices y colores de su vida personal reciente. La lírica explora los momentos de alta energía de los últimos años frente a la soledad y el anhelo que los acompañaron. El artista enfatizó que la figura femenina ha sido la única constante que mantiene su estabilidad emocional en medio del éxito. 

Ambos artistas colaboraron previamente en el drama biográfico Boy Erased, donde Sivan también contribuyó con el tema The Good Side. La película contó con las actuaciones de Lucas Hedges y Russell Crowe bajo la dirección del cineasta Joel Edgerton. Este nuevo proyecto musical refuerza el vínculo creativo que los intérpretes han mantenido fuera de los sets de grabación. 

El legado de Nicole Kidman en la cultura pop y la música 

Esta participación marca el regreso de la ganadora del Oscar a los videos musicales tras su colaboración con Robbie Williams en 2001. En aquella ocasión, Kidman interpretó a dúo el clásico Somethin’ Stupid, alcanzando los primeros puestos de las listas internacionales. Su debut en el género ocurrió en 1983 para el tema Bop Girl de Pat Wilson cuando tenía 15 años. 

La actriz mantiene una agenda activa con el próximo estreno de la serie Scarpetta y la promoción de la cinta Babygirl. El video de She’s the Best utiliza una cinematografía sofisticada con Kidman vestida de negro y recorriendo la pista de baile. La industria del entretenimiento destaca esta alianza como uno de los lanzamientos visuales más relevantes del segundo semestre de 2026. 

El regreso de la Reina: La historia real del álbum más importante de Tina Turner

Tina Turner lanzó el álbum Private Dancer en mayo de 1984 bajo el sello Capitol Records. Esta producción discográfica marcó el regreso de la intérprete a las listas de popularidad tras casi una década de ausencia comercial y dificultades personales. Turner enfrentaba deudas acumuladas de su etapa anterior por un valor de 400,000 dólares, lo que equivale actualmente a 7,440,000 pesos mexicanos. El éxito de este material transformó su trayectoria y la posicionó como una figura central del rock y el pop internacional. 

La estrategia de relanzamiento incluyó grabaciones en diversos estudios del Reino Unido con productores como Martyn Ware y Terry Britten. El equipo técnico buscó modernizar el sonido de la artista mediante la integración de sintetizadores y arreglos de rock contemporáneo. Turner grabó la mayoría de las pistas en sesiones rápidas que demostraron su maestría vocal y disciplina profesional. La crítica especializada reconoció de inmediato la capacidad de la cantante para adaptarse a las nuevas tendencias de la radio de los años 80.

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El impacto de “What’s Love Got to Do with It” en las listas mundiales 

El sencillo What’s Love Got to Do with It alcanzó la primera posición del Billboard Hot 100 en septiembre de 1984. Turner estableció un récord al convertirse en la solista de mayor edad, con 44 años, en lograr un número uno en los Estados Unidos en aquel periodo. La canción recibió una rotación masiva en la cadena MTV, consolidando su imagen visual ante una nueva generación de espectadores. Este éxito comercial permitió que el álbum recibiera certificaciones multiplatino en menos de un año de distribución masiva. 

La producción discográfica también incluyó temas destacados como Better Be Good to Me y la pieza homónima Private Dancer, escrita por Mark Knopfler de Dire Straits. El disco vendió más de 20 millones de copias a nivel mundial, generando ingresos estimados para la industria de aproximadamente 3,720,000,000 de pesos mexicanos. Esta rentabilidad aseguró la independencia financiera de Turner y le permitió negociar contratos de gira de gran escala. La infraestructura de sus presentaciones en vivo se volvió una de las más lucrativas del entretenimiento global. 

Ventas millonarias y el legado de la Reina del Rock en los años 80 

En la ceremonia de los Premios Grammy de 1985, Tina Turner obtuvo cuatro galardones, incluyendo Grabación del Año y Canción del Año. Estos reconocimientos validaron su calidad interpretativa y técnica frente a la industria musical que la consideraba una artista de nostalgia. La victoria en la categoría de Mejor Interpretación Vocal Rock Femenina reafirmó su estatus como la Reina del Rock. Este periodo de éxito se extendió con su participación en la banda sonora de la película Mad Max Beyond Thunderdome. 

Actualmente, Private Dancer permanece como uno de los álbumes debut como solista más exitosos de la historia. El catálogo de la artista continúa generando millones de reproducciones anuales en plataformas digitales de streaming. La vigencia de estas grabaciones demuestra la solidez de una producción que rescató una carrera profesional de la obsolescencia. Turner mantuvo su dominio en los escenarios mundiales hasta su retiro oficial, dejando un legado inamovible en la cultura popular contemporánea. 

Let’s Dance: el disco que transformó a David Bowie en un fenómeno global

David Bowie lanzó Let’s Dance en abril de 1983, marcando su transición definitiva hacia el pop comercial masivo. El músico británico contrató a Nile Rodgers, cofundador de la banda Chic, para lograr un sonido bailable y accesible para la radio. Esta colaboración alejó a Bowie de la experimentación vanguardista que caracterizó su etapa previa en Berlín. El resultado fue una producción que redefinió la estética sonora de la década de los 80 a nivel internacional. 

El material discográfico se convirtió en un éxito rotundo inmediatamente después de su estreno oficial. La placa alcanzó la primera posición en las listas de popularidad de diversos países, incluyendo el Reino Unido y los Estados Unidos. El sencillo homónimo, Let’s Dance, dominó el Billboard Hot 100 y consolidó la presencia de Bowie en el mercado estadounidense. La crítica especializada reconoció la capacidad del artista para asimilar ritmos de funk y post-disco sin perder su identidad vocal. 

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Nile Rodgers y la transformación hacia el funk-rock 

Nile Rodgers implementó una técnica de producción que resaltó la claridad melódica y la potencia rítmica en cada pista. El equipo técnico incluyó al guitarrista de blues Stevie Ray Vaughan, cuya ejecución aportó texturas crudas a composiciones pop. Esta combinación de elementos atrajo tanto a los seguidores del rock tradicional como a los asistentes regulares de los clubes de baile. La ingeniería de sonido del disco estableció un estándar de alta fidelidad para las grabaciones de la época. 

El sello EMI firmó a Bowie mediante un contrato multimillonario de 17.5 millones de dólares previo al lanzamiento del material. Esta cifra equivale a aproximadamente 328,125,000 pesos mexicanos según la valoración proyectada para este tipo de activos en la industria. Dicha inversión reflejó la confianza corporativa en la nueva dirección comercial que el músico decidió emprender en solitario. La rentabilidad del álbum aseguró la estabilidad financiera de la carrera del intérprete durante los años siguientes. 

El impacto visual de MTV y la herencia de los 80 

Los videos musicales de Modern Love y China Girl recibieron una rotación constante en la cadena de televisión MTV. Bowie utilizó estas herramientas visuales para proyectar una imagen sofisticada y moderna que conectó con una audiencia joven y global. La gira promocional Serious Moonlight Tour recorrió tres continentes, registrando cifras de asistencia que rompieron récords previos en estadios masivos. La iconografía de este periodo permanece como la más reconocida dentro de su vasta trayectoria profesional. 

Let’s Dance vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo durante su primer ciclo de comercialización masiva. Actualmente, el disco se mantiene como la obra más exitosa de Bowie en términos de recaudación y reproducciones en plataformas digitales. La producción estableció un modelo de hibridación sonora entre el rock y el pop que muchas agrupaciones imitaron posteriormente. El legado de estas grabaciones asegura un lugar permanente para Bowie en la estructura fundamental de la cultura popular contemporánea. 

Demanda contra el patrimonio de Michael Jackson será resuelta mediante arbitraje confidencial

Un juez federal determinó que las reclamaciones presentadas contra el patrimonio de Michael Jackson por cuatro integrantes de la familia Cascio deben resolverse mediante arbitraje y no en un juicio público. La decisión se tomó el miércoles 12 de agosto y se relaciona con un acuerdo firmado entre la familia y el patrimonio del cantante en 2019.  

Los demandantes, Edward, Dominic, Marie-Nicole y Aldo Cascio, presentaron la demanda en febrero de 2026. En ella acusaron a Jackson de abuso sexual durante su infancia y plantearon reclamaciones relacionadas con tráfico sexual infantil. El patrimonio del cantante ha negado las acusaciones.  

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El acuerdo de 2019 llevó el caso a un proceso privado 

El juez federal Hernán D. Vera determinó que el acuerdo celebrado en 2019 incluye una cláusula de arbitraje que obliga a resolver las disputas relacionadas con ese contrato fuera de los tribunales. La resolución no determina si las acusaciones contra Jackson son verdaderas o falsas; establece que un árbitro deberá decidir las controversias relacionadas con el acuerdo.  

Los hermanos Cascio sostienen que fueron presionados para firmar el acuerdo y que este debería considerarse inválido. El patrimonio, por su parte, ha defendido la validez del documento y anteriormente calificó las acusaciones como un intento de obtener una compensación económica considerable.  

La demanda contra el patrimonio de Michael Jackson no terminó con una resolución sobre las acusaciones 

El acuerdo contempló pagos por millones de dólares a integrantes de la familia Cascio a cambio de determinadas obligaciones contractuales. Distintas fuentes han señalado que el convenio incluía disposiciones de confidencialidad y arbitraje, elementos que ahora determinaron el curso del proceso federal. 

El abogado de los Cascio, Howard King, cuestionó que las reclamaciones no fueran examinadas públicamente y señaló que la familia llevará sus argumentos ante un árbitro. El patrimonio de Jackson ha mantenido su rechazo a las acusaciones; la nueva resolución tampoco constituye un fallo sobre los hechos denunciados.  

La decisión se suma a otros procesos relacionados con las acusaciones contra Michael Jackson. El cantante nunca fue condenado por abuso sexual infantil durante su vida: en 1994 llegó a un acuerdo civil relacionado con una acusación presentada por Jordan Chandler sin admitir responsabilidad, mientras que en 2005 fue declarado no culpable de los cargos en el juicio penal por el caso de Gavin Arvizo.