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David Byrne estrena sencillo “What Is The Reason For It?” con Hayley Williams

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El legendario David Byrne ha regresado con su esperado nuevo álbum, ‘Who Is The Sky?’, su primer trabajo de estudio desde el aclamado American Utopia de 2018. El disco, lanzado a través de Matador Records, llega acompañado del estreno de un nuevo sencillo, “What Is The Reason For It?”, en colaboración con Hayley Williams, la poderosa vocalista de Paramore.

La canción destaca por la fascinante interacción vocal entre Byrne y Williams, mientras exploran la naturaleza del amor de una manera que desafía la lógica. El tema se ha estrenado con un innovador video musical que utiliza inteligencia artificial de vanguardia para animar más de 20 dibujos originales del propio Byrne, un proyecto visualmente impactante dirigido por Shira Indbar.

Un Sonido Ambicioso y un Equipo de Lujo

Who Is The Sky? es un proyecto ambicioso que reúne a un equipo de talentos de primer nivel. El álbum fue producido por Kid Harpoon, el productor ganador del Grammy detrás de éxitos de Harry Styles y Miley Cyrus. Además, las 12 canciones del disco cuentan con arreglos del aclamado conjunto de cámara neoyorquino Ghost Train Orchestra.

La lista de invitados es igualmente impresionante. Además de Hayley Williams, el álbum incluye colaboraciones con la multifacética artista St. Vincent y con Tom Skinner, el baterista de la aclamada banda The Smile (proyecto de los miembros de Radiohead).

Gira Mundial y Temas de Conexión Humana

Para acompañar el lanzamiento, David Byrne se embarcará en una gran gira mundial a finales de este mes. El tour, producido por Live Nation, comenzará el 14 de septiembre en Rhode Island y lo llevará a recintos icónicos como el Radio City Music Hall de Nueva York y el Dolby Theatre de Los Ángeles.

El nuevo álbum fue presentado previamente con el contagioso primer sencillo, “Everybody Laughs”, una canción que establece el tono temático del disco, centrado en la conexión humana y el potencial de unidad social en un mundo caótico. Who Is The Sky? promete ser otra obra maestra en la carrera de uno de los artistas más innovadores e influyentes de las últimas cinco décadas. 

Las bandas sonoras que definieron el cine de los 80

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En los años 80, algo cambió para siempre en la relación entre el cine y la música. Las bandas sonoras dejaron de ser un simple acompañamiento de fondo para convertirse en protagonistas, en personajes con voz propia que podían ser tan o más grandes que las propias películas. Impulsados por el poder de MTV, los soundtracks de los 80 no solo vendían boletos de cine, sino que se convirtieron en álbumes conceptuales que definieron el sonido, el estilo y las aspiraciones de toda una generación.

Estas no eran colecciones aleatorias de canciones; eran cápsulas del tiempo perfectamente curadas, llenas de himnos originales que dominaron las listas de éxitos y se grabaron a fuego en la memoria colectiva. Desde el rock de alto octanaje hasta el pop adolescente y las partituras épicas, estos soundtracks fueron la verdadera banda sonora de la década.

La Explosión del Pop y el “Himno de Película”

Los 80 perfeccionaron la fórmula del “movie anthem”: una canción pop de alto impacto que encapsulaba el espíritu de la película. El ejemplo supremo es ‘Top Gun’ (1986). Su banda sonora es un artefacto cultural, un monumento al rock de estadio con canciones como “Danger Zone” de Kenny Loggins y la balada ganadora del Oscar, “Take My Breath Away” de Berlin. El álbum fue un fenómeno de ventas que definió el sonido del verano de 1986.

En la misma línea, películas como ‘Flashdance’ (1983) y ‘Footloose’ (1984) no serían lo mismo sin su música. “Flashdance… What a Feeling” de Irene Cara y la canción titular de Kenny Loggins se convirtieron en éxitos masivos que impulsaron a sus películas a la estratosfera, demostrando que un buen soundtrack era el mejor marketing posible.

El Sonido de la Juventud: La Era de John Hughes

Nadie entendió mejor la angustia y el anhelo adolescente de los 80 que el director John Hughes, y sus bandas sonoras fueron la voz de esa generación. ‘The Breakfast Club’ (El Club de los Cinco, 1985) es inseparable de “Don’t You (Forget About Me)” de Simple Minds, una canción que ni siquiera era de la banda originalmente, pero que se convirtió en su himno definitorio y en el cierre perfecto para una película icónica.

Del mismo modo, ‘Pretty in Pink’ (La Chica de Rosa, 1986) capturó el espíritu del rock alternativo y el new wave británico con una banda sonora que incluía a The Smiths, New Order y, por supuesto, la canción titular de The Psychedelic Furs. Estos soundtracks no solo acompañaban las historias; eran la historia.

El Artista como Soundtrack: El Caso de ‘Purple Rain’

En 1984, Prince llevó el concepto de banda sonora a otro nivel. ‘Purple Rain’ no es simplemente el soundtrack de la película; es una obra maestra, uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Prince no solo compuso las canciones, sino que las integró en la narrativa de una forma tan profunda que el álbum y la película son inseparables. Desde la épica “Let’s Go Crazy” hasta la balada inmortal que le da título, Purple Rain es el ejemplo definitivo de un artista utilizando el cine como un vehículo para su visión musical total.

Michael Jackson, Madonna y los himnos que definieron los 80

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La década de los 80 fue una explosión de color, sonido y estilo. Fue la era en que la música pop no solo dominó las listas de éxitos, sino que se apoderó de la cultura global gracias a un nuevo y poderoso aliado: MTV. Los sintetizadores se convirtieron en los reyes, las cajas de ritmos marcaron el pulso de una generación y los artistas se transformaron en íconos visuales. Más que simples canciones, los 80 nos dejaron himnos generacionales, piezas inmortales que, décadas después, siguen siendo la banda sonora de cualquier fiesta.

Estos no eran solo éxitos; eran eventos. Canciones con estribillos tan masivos que podían ser coreados en estadios, pero con una producción tan innovadora que definieron el futuro de la música.

El Reinado de Michael Jackson y Madonna: El Pop como Espectáculo

Si los 80 tuvieran realeza, sus tronos pertenecerían a Michael Jackson y Madonna. Michael Jackson redefinió los límites de un artista con el álbum Thriller. Su sencillo “Billie Jean” no era solo una canción; era un cortometraje, un paso de baile icónico (el Moonwalk) y una línea de bajo que es reconocible al instante. Jackson demostró que un éxito pop podía ser, al mismo tiempo, oscuro, paranoico y absolutamente irresistible.

Por su parte, Madonna utilizó el pop como una herramienta de provocación y empoderamiento. Con “Like a Virgin”, no solo creó un himno bailable, sino que desató un debate cultural. Su actuación en los primeros MTV VMAs, con un vestido de novia y movimientos sugerentes, es uno de los momentos más icónicos de la historia de la televisión y cimentó su estatus como la “Reina del Pop”.

La Revolución del Sintetizador: Melodías para una Nueva Era

El sonido de los 80 es el sonido del sintetizador. Bandas de todo el mundo adoptaron la nueva tecnología para crear melodías pegajosas y atmósferas futuristas. El trío noruego a-ha conquistó el mundo con “Take On Me”, una canción con un riff de teclado tan alegre como adictivo, inmortalizada por un video musical revolucionario que mezclaba animación y acción real.

En el lado más oscuro y elegante, el dúo británico Eurythmics creó una obra maestra con “Sweet Dreams (Are Made of This)”. Con su ritmo hipnótico y la poderosa y andrógina presencia de Annie Lennox, la canción se convirtió en un himno de synth-pop melancólico y sofisticado que demostró que la música electrónica podía ser fría y, a la vez, profundamente conmovedora.

Pat Benatar y Neil Giraldo lanzan libro infantil

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Pat Benatar y Neil Giraldo, el dúo dinámico que sacudió el rock de los 80 con himnos como “Hit Me with Your Best Shot”, han cambiado temporalmente las guitarras eléctricas por los cuentos para dormir. La legendaria pareja ha lanzado su primer libro infantil, ‘My Grandma and Grandpa Rock!’, inspirado directamente por sus tres nietos.

La idea del libro, que se publica hoy 9 de septiembre, nació de una conversación con su nieta mayor, Stevie, de 7 años. 

“Lo Leímos con Ellos en Cada Paso del Camino”

El libro, ilustrado por Tiffany Everett, celebra la diversidad de los abuelos en el mundo, mostrando diferentes apariencias, trabajos y nombres. El proceso de escritura fue muy similar a cómo han compuesto sus éxitos durante 46 años: cada uno trabaja en sus ideas por separado y luego las unen. Y en esta ocasión, contaron con los críticos más honestos: sus propios nietos.

¿Nueva Música en el Horizonte?

Aunque han pasado 22 años desde su último álbum de estudio, la pareja no descarta volver a grabar. “Tenemos unas 135 canciones escritas”, reveló Benatar, aunque expresó dudas sobre el esfuerzo que requiere un álbum completo. Sin embargo, Giraldo adelantó que tiene una “idea loca” para un nuevo disco y espera convencerla. “A esta edad de nuestras vidas, no buscamos hacer éxitos. Solo queremos hacer música. Si a 10 personas les gusta, genial”, sentenció.

Mientras tanto, la pareja se prepara para salir de gira como teloneros de Bryan Adams, una serie de conciertos que los traerá de vuelta a los escenarios.

Revelan el proyecto final secreto de David Bowie: Un musical

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Nueve años después de su muerte, el genio creativo de David Bowie sigue revelando sorpresas. Se ha descubierto que, durante sus últimos meses de vida, mientras el mundo esperaba el lanzamiento de su aclamado álbum final Blackstar, el artista trabajaba en secreto en otro ambicioso proyecto: un “musical del siglo XVIII” titulado .

Los detalles de esta obra póstuma permanecieron ocultos, incluso para sus colaboradores más cercanos, hasta que sus notas manuscritas fueron descubiertas en su estudio privado en 2016. El hallazgo se produjo cuando los archivistas comenzaron a catalogar sus pertenencias para el archivo oficial.

El estudio era un santuario al que solo Bowie y su asistente personal tenían acceso, por lo que todo su contenido se mantuvo intacto. Ahora, estas notas han sido donadas al V&A Museum de Londres, junto con el resto del masivo archivo de Bowie.

Un Vistazo a la Mente del Artista en el V&A Museum

Los fans tendrán la oportunidad de ver estas notas y otros 90,000 objetos del archivo personal de Bowie cuando el David Bowie Centre abra sus puertas en el V&A East Storehouse el próximo 13 de septiembre.

Las notas revelan que Bowie estaba profundamente interesado en el desarrollo del arte y la cultura del Londres del siglo XVIII. Estaba particularmente fascinado por las historias de bandas criminales y del notorio ladrón Jack Sheppard. Este proyecto habría cumplido una de sus ambiciones de toda la vida: escribir para el teatro.

‘Lazarus’ y el Sueño del Teatro

Aunque The Spectator nunca se completó, Bowie sí logró cumplir su sueño teatral poco antes de morir con el musical ‘Lazarus’, coescrito con Enda Walsh. Inspirado en la novela El Hombre que Cayó a la Tierra, la misma que Bowie protagonizó en el cine en 1976, el musical se estrenó en Nueva York a finales de 2015.

Este proyecto final secreto añade una nueva y fascinante capa al legado de un artista que nunca dejó de crear, incluso mientras se enfrentaba a su propia mortalidad. La revelación demuestra que, hasta el final, David Bowie fue un torbellino de ideas, siempre mirando hacia su próximo acto.

U2, The Cure, Depeche Mode y más: bandas de los 80 que siguen de gira

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La década de los 80 parece lejana en el calendario, una era de sintetizadores, new wave y rock de estadio que definió a una generación. Sin embargo, para un selecto grupo de bandas legendarias, el tiempo parece ser solo un número. Lejos de ser meros actos de nostalgia, estos íconos no solo siguen activos, sino que continúan realizando giras masivas, lanzando música aclamada y demostrando que su relevancia es atemporal.

Mientras muchas bandas de su era se han disuelto o se limitan a apariciones esporádicas, estas potencias musicales siguen siendo una fuerza imparable en la industria de la música en vivo, convocando a legiones de fans, tanto veteranos como nuevos, que llenan estadios en todo el mundo para ser testigos de su energía incombustible.

U2: La Ambición de la Banda Más Grande del Mundo

Desde que se proclamaron como la banda más grande del planeta, U2 nunca ha dejado de estar a la altura de esa afirmación. Su capacidad para reinventarse y para crear espectáculos en vivo que son tanto conciertos como eventos tecnológicos es legendaria. Su reciente residencia en la Esfera de Las Vegas con el show U2:UV Achtung Baby Live at Sphere es el ejemplo perfecto: un espectáculo audiovisual sin precedentes que ha redefinido los límites de un concierto. Con más de 40 años de carrera, Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. siguen siendo el estándar de oro del rock de estadio.

The Cure: El Eterno Culto a la Melancolía Feliz

Con Robert Smith como su eterno y carismático líder, The Cure ha mantenido una conexión casi espiritual con su base de fans. Sus conciertos son eventos maratónicos, a menudo superando las tres horas, donde la banda se sumerge en un repertorio que abarca desde sus éxitos más radiantes hasta sus joyas más oscuras. Lejos de ser un ejercicio de nostalgia, cada gira de The Cure es una reafirmación de su sonido único y de su capacidad para evocar una gama de emociones que sigue resonando con una fuerza increíble.

Depeche Mode: Los Titanes del Synth-Pop Oscuro

Depeche Mode ha completado una de las transformaciones más exitosas de la historia del pop. Lo que comenzó como un grupo de synth-pop juvenil en los 80, evolucionó hasta convertirse en una potencia de rock electrónico oscuro y masivo. Su más reciente gira mundial, Memento Mori Tour, ha sido un éxito rotundo, llenando estadios en todo el globo y demostrando la increíble vigencia de su música. La energía de Dave Gahan en el escenario y las complejas atmósferas de Martin Gore siguen siendo una combinación imbatible.

Duran Duran: El Glamour que Nunca Pasa de Moda

Los “chicos guapos de Birmingham” nunca han perdido su estilo. Duran Duran, sinónimo del glamour y la sofisticación del New Romantic, sigue ofreciendo espectáculos en vivo que son una celebración de la elegancia y el pop de alta calidad. Con álbumes recientes aclamados por la crítica, como Future Past, la banda ha demostrado que no vive del pasado. Sus conciertos son una mezcla perfecta de sus himnos inmortales de los 80 con nuevo material que demuestra que su creatividad sigue intacta.

Iron Maiden: La Bestia del Heavy Metal no Descansa

En el lado más pesado del espectro de los 80, Iron Maiden sigue siendo una fuerza de la naturaleza. Sus giras mundiales son producciones teatrales a gran escala, con su icónica mascota Eddie siempre presente. A diferencia de muchas bandas de su generación, Maiden nunca ha comprometido su sonido y sigue ofreciendo conciertos con una energía y una precisión que avergonzarían a bandas con la mitad de su edad. Son la prueba viviente de que el heavy metal clásico es eterno.

Abogado de Sting responde a demanda de The Police por regalías

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La batalla legal dentro de The Police ha escalado. Los abogados de Sting han respondido a la reciente demanda presentada por sus excompañeros, el baterista Stewart Copeland y el guitarrista Andy Summers, con una afirmación explosiva: en lugar de deberles dinero, es posible que les hayan “pagado sustancialmente de más”.

Según un reporte de The New York Times, la defensa de Sting argumenta que la demanda es un “intento ilegítimo” de reinterpretar un acuerdo que los tres músicos firmaron en 2016. La semana pasada, Copeland y Summers demandaron al vocalista por más de 2 millones de dólares (aproximadamente 37 millones de pesos), alegando que se les deben “tarifas de arreglistas” por la “explotación digital” del catálogo de la banda.

Sin embargo, el equipo legal de Sting sostiene que el acuerdo de 2016, que se firmó para resolver una disputa anterior sobre los ingresos de las canciones en cine y televisión, ya cubre este tipo de regalías y que, bajo una interpretación de esos términos, sus compañeros ya han sido sobrepagados.

Una Disputa que se Remonta a los Años 70

Este conflicto no es nuevo; es la culminación de casi 50 años de tensiones financieras. La disputa se origina en la formación de la banda en 1977, cuando Sting, como compositor principal, acordó pagar a Copeland y Summers el “15 por ciento de algunas regalías” de las canciones que escribiera para el grupo.

Este acuerdo informal fue formalizado en 1981 y revisado nuevamente en 1997, después de que Copeland y Summers alegaran que se les había pagado de menos “durante un período considerable”. El acuerdo de 2016, que ahora está en el centro de la nueva disputa, fue el último intento de resolver estas tensiones.

Las Cifras Detrás de los Éxitos

Para entender la magnitud de lo que está en juego, basta con mirar las cifras de uno de sus mayores éxitos. Como único compositor acreditado de “Every Breath You Take”, se estima que Sting gana anualmente alrededor de 740,000 dólares solo por esa canción.

La nueva demanda se centra en cómo se reparten las ganancias en la era del streaming y la explotación digital, un terreno que no estaba claramente definido en los acuerdos originales. Esta batalla legal amenaza con añadir un capítulo final y amargo a la historia de una de las bandas más exitosas y conflictivas de los años 80.

Bryan Adams anuncia nuevas fechas de su gira por Reino Unido

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Debido al éxito de su gira por el Reino Unido, la leyenda del rock canadiense, Bryan Adams, ha anunciado tres nuevas fechas a su gira para el próximo mes de diciembre. Estos conciertos forman parte de su exitosa gira mundial “Roll With The Punches”.

El músico de 65 años ya ha tenido una fuerte presencia en Gran Bretaña este año, con una primera etapa de nueve conciertos en mayo, además de actuaciones en importantes festivales como el Rock N Roll Circus de Sheffield, donde compartió escenario con su colaboradora de “When You’re Gone”, Mel C.

Ahora, el intérprete de himnos como “Run To You” y “Summer of ’69” regresará a finales de año para tres presentaciones más en Hull, Cardiff y Brighton.

Celebrando el Éxito de ‘Roll With The Punches’

La gira celebra el lanzamiento del 16º álbum de estudio del artista, ‘Roll With The Punches’, que ha tenido una excelente recepción, debutando en el número tres de las listas de álbumes del Reino Unido. Este disco es particularmente significativo, ya que es el primero lanzado bajo su propio sello discográfico independiente, Bad Records, fundado el año pasado.

Las nuevas fechas confirman la fuerte y duradera conexión de Adams con el público británico, que ha respondido con entusiasmo a su nueva música y a su inagotable energía en el escenario.

Nuevas fechas de la gira ‘Roll With The Punches’ en el Reino Unido:

  • 8 de diciembre: Connexin Live, Hull
  • 9 de diciembre: Utilita Arena, Cardiff
  • 10 de diciembre: Brighton Centre, Brighton

La Verdadera Historia de su “Primera Guitarra de Seis Cuerdas”

Recientemente, Adams compartió la verdadera historia detrás de la famosa línea de su clásico “Summer of ’69”. Contrario a lo que dice la canción, su “primera guitarra de seis cuerdas real” no fue comprada en una tienda de “todo a cinco y diez centavos”, sino en una tienda de música en Reading, Inglaterra, en 1970, cuando tenía 12 años.

Curiosamente, después de vivir un año en Israel, el joven Adams dejó la guitarra en ese país cuando regresó a Canadá, un pequeño detalle que añade una nueva capa a la mitología de una de sus canciones más queridas.

Soft Cell y la historia de su éxito ‘Tainted Love’

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En septiembre de 1981, una canción de soul de los años 60, venerada en los clubes clandestinos del norte de Inglaterra, fue reinventada para una nueva era. Ese año, el dúo de synth-pop Soft Cell llegó al número 1 en el Reino Unido con “Tainted Love”, un himno minimalista y frío que no solo definió su carrera, sino que se convirtió en un pilar del sonido electrónico que dominaría la década de los 80.

La canción, escrita por Ed Cobb, había sido grabada originalmente en 1964 por la cantante estadounidense Gloria Jones (futura pareja de Marc Bolan de T. Rex). Aunque su versión nunca fue un éxito comercial, se convirtió en un tesoro de culto en la escena Northern Soul de Inglaterra, un movimiento de jóvenes que bailaban toda la noche al ritmo de oscuros discos de soul americano. Fue allí donde la canción esperó, en silencio, a ser redescubierta.

El Origen Secreto: Un Tesoro del Northern Soul

A principios de los 80, Marc Almond y Dave Ball, dos estudiantes de arte de Leeds, buscaban una canción interesante para tocar como encore en sus shows. Fue Ball, un aficionado al Northern Soul, quien le presentó la grabación original de “Tainted Love” a Almond.

“Dave me enseñó el disco”, recordaría Almond más tarde. “Me encantó, y queríamos una canción interesante para el bis. A Dave le encantaba el Northern Soul y era una novedad que una banda de sintetizadores hiciera una canción de soul“. La idea de despojar a un clásico del soul de sus instrumentos orgánicos y reconstruirlo con una paleta electrónica y sin guitarras era radical y definitoria.

El Sonido de una Nueva Década

La versión de Soft Cell, lanzada en julio de 1981, era la antítesis del original. Era lenta, siniestra y estaba impulsada por un ritmo electrónico hipnótico y una melodía de sintetizador inolvidable. La apasionada voz de Marc Almond le dio a la letra una nueva capa de angustia y drama.

El éxito en el Reino Unido fue meteórico. En pocas semanas, la canción escaló las listas y el 5 de septiembre desbancó a “Japanese Boy” de Aneka del número 1, donde permaneció dos semanas. Con una increíble permanencia de 30 semanas en las listas, se convirtió en la canción insignia de la banda y catapultó las ventas de su álbum debut, Non-Stop Erotic Cabaret.

La Conquista de América: Un Récord Inesperado

Si su éxito en el Reino Unido fue grande, lo que sucedió en Estados Unidos fue sensacional. Aunque solo alcanzó el número 8 en el Billboard Hot 100, “Tainted Love” estableció un récord de longevidad en ese momento, permaneciendo en la lista durante unas asombrosas 43 semanas.

La canción se convirtió en un himno de la new wave y en una de las exportaciones británicas más exitosas de la época. Hoy, con más de 1.3 millones de copias vendidas solo en el Reino Unido, “Tainted Love” es el ejemplo perfecto de cómo una gran canción puede cruzar géneros y décadas para encontrar una nueva vida, llevando el alma del pasado al futuro sintético.

El legado de Freddie Mercury a través de sus frases más icónicas

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Freddie Mercury, universalmente reconocido como uno de los mejores intérpretes en la historia del rock, vivió una vida tan grandiosa como su música. Nació como Farrokh Bulsara el 5 de septiembre de 1946 y cumplió su promesa de convertirse en “una leyenda”. A través de sus propias palabras, extraídas de una nueva edición del libro Freddie Mercury: A Life, In His Own Words, exploramos al hombre honesto y complejo detrás de la estrella.

Sobre el Origen del Nombre ‘Queen’

En 1970, Mercury se unió a Brian May y Roger Taylor. Un año después, con John Deacon, nacería Queen. La elección del nombre fue una declaración de intenciones.

“Se me ocurrió el nombre Queen desde el principio. No podría haber sido King; no tiene el mismo sonido o aura que Queen. Era un nombre muy regio y sonaba espléndido. Es fuerte, muy universal e inmediato. Tenía mucho potencial visual y estaba abierto a todo tipo de interpretaciones. Yo era consciente de las connotaciones gay, pero eso era solo una faceta”.

Sobre el Momento en que “Explotó el Volcán Queen”

Tras tres álbumes aclamados, la banda se convirtió en un fenómeno internacional con A Night At The Opera (1975) y su obra maestra de seis minutos, “Bohemian Rhapsody”.

“Ese fue realmente el momento en que el volcán Queen hizo erupción, cuando de repente hizo ¡bang! Ese sencillo vendió más de un millón y cuarto de copias solo en Gran Bretaña, lo cual es indignante. ¡Imaginen a todas esas abuelas bailando al ritmo!”.

Sobre la Actuación que Sacudió al Mundo en Live Aid

La actuación de Queen en el Live Aid de 1985 ha pasado a la historia como uno de los mejores conciertos de todos los tiempos. Para Mercury, fue un momento de inmenso orgullo.

“En lo que a mí respecta, lo hago por orgullo. Es algo de lo que estar orgulloso: que de hecho estoy entre los ‘Grandes’, todas las estrellas más grandes, y que puedo hacer algo que vale la pena. Sí, estoy orgulloso más que nada”.

Sobre su Himno “Egotista y Arrogante”

“We Are The Champions” se convirtió en el himno de victoria por excelencia. Mercury fue brutalmente honesto sobre su intención al escribirla.

“‘We Are The Champions’ es la canción más egotista y arrogante que he escrito. Estaba pensando en el fútbol cuando la escribí. Quería una canción de participación, algo a lo que los fans pudieran aferrarse. Estaba dirigida a las masas. Funcionó de maravilla”.

Sobre el Hombre Detrás del “Gran Simulador”

Mercury era un “extrovertido” en el escenario, pero admitió ser “un hombre completamente diferente por dentro”. Se describía como “El Gran Simulador”, una persona “muy nerviosa” con inseguridades.

“Abro mi corazón a [Mary Austin] más que a nadie. Hemos pasado por muchos altibajos en nuestro tiempo juntos, pero eso ha fortalecido nuestra relación”.

Sobre la Muerte y Vivir al Máximo

Diagnosticado con SIDA en 1987, Mercury trabajó con una pasión frenética hasta su muerte en 1991, a los 45 años. Su filosofía sobre la vida y la muerte fue tan audaz como su música.

“No espero llegar a viejo, y además no me importa. Ciertamente no aspiro a vivir hasta los 70. Sería muy aburrido. Estaré muerto y enterrado mucho antes de eso. En lo que a mí respecta, he vivido una vida plena y si mañana estoy muerto, me da igual. He vivido. Realmente lo he hecho todo”.