Del punk a la poesía: el legado cultural de Patti Smith reconocido en España

La cantautora, poeta y artista visual Patti Smith fue galardonada con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026, un reconocimiento que destaca la dimensión artística de una creadora que ha convertido la libertad y la rebeldía en sus principales herramientas de expresión. Su trayectoria ha logrado fusionar la crudeza del rock con la literatura y la contracultura. 

Aunque su nombre figura en los cimientos del punk estadounidense, los orígenes artísticos de Smith se remontan a la poesía. Nacida en Chicago en 1946 y profundamente influenciada por autores como Arthur Rimbaud, William Blake y la generación beat, la artista se trasladó a Nueva York en 1967, donde entabló una relación fundamental con el fotógrafo Robert Mapplethorpe en medio de una intensa búsqueda creativa. 

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De la lectura de poemas al lanzamiento de Horses 

En sus primeros años en Manhattan, Smith comenzó a presentarse en recintos recitando sus textos acompañada de improvisaciones musicales y experimentación sonora. Esa evolución desembocó en el lanzamiento de Horses en 1975, su álbum debut considerado una obra fundacional del punk, donde demostró que las canciones podían funcionar como vehículos de exploración intelectual. 

Su legado incluye himnos generacionales como Because the Night, Dancing Barefoot y People Have the Power. Con este galardón, los Premios Princesa de Asturias consagran el impacto cultural de una creadora que jamás ha dejado de observar el mundo ni de cuestionar las convenciones sociales a través de la palabra. 

Adiós a un provocador de letras oscuras: muere a los 74 años el escritor japonés Ryu Murakami

El panorama literario internacional se encuentra de luto tras el fallecimiento del célebre escritor y cineasta japonés Ryu Murakami, quien murió a los 74 años de edad, según confirmó oficialmente su casa editorial Gentosha. Con una trayectoria marcada por la irreverencia y la disección sociológica, el autor consagró su vida a retratar los abismos más sórdidos y alienantes de la sociedad contemporánea nipona. 

A través de novelas viscerales que abordaron sin filtros temáticas como el consumo de sustancias, la violencia urbana, la hipersexualización y la deriva juvenil, Murakami construyó un cuerpo de trabajo transgresor que le granjeó el reconocimiento de la crítica global y la traducción a múltiples idiomas, consolidándose como una de las plumas más lúcidas e incómodas de su generación. 

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Del éxito temprano con “Azul casi transparente” al pulso de la marginalidad 

Nacido en la prefectura de Nagasaki, el autor saltó a la primera línea del panorama literario en 1976 con la publicación de su opera prima, Azul casi transparente (Kagirinaku tōmei ni chikai burū). La novela, inspirada en las vivencias de una juventud nihilista y desorientada en las inmediaciones de una base militar estadounidense, revolucionó las letras niponas de la época y le hizo merecedor del prestigioso premio Akutagawa, el galardón más codiciado para los nuevos talentos en el país asiático. 

Aquel éxito inicial se multiplicó con títulos emblemáticos como Los bebés de las taquillas automáticas (1980), una turbadora narración sobre la búsqueda de identidad de dos infantes abandonados en consignas públicas que terminan inmersos en los bajos fondos de Tokio. Con obras posteriores de la talla de Sopa de miso (1997) y Raffles Hotel (1989), el escritor consolidó un estilo hipnótico donde el turismo nocturno, la crisis emocional y la violencia psicológica se convertían en los espejos de una civilización atrapada entre la modernidad tecnológica y el vacío existencial. 

Un creador que se adelantó a su tiempo 

Lejos de buscar la complacencia del lector tradicional, Ryu Murakami exploró los rincones más oscuros de la condición humana con una velocidad narrativa y una honestidad brutal que desafiaron los convencionalismos sociales de Japón. Su obra también trascendió hacia el cine como director y guionista, expandiendo su universo estético a la gran pantalla. 

“Rezamos por el descanso del alma de Murakami, quien recorrió la vida a toda velocidad, adelantándose a su tiempo”, declaró la editorial Gentosha en un comunicado de despedida. Con su partida, las letras contemporáneas pierden a un provocador nato, cuyas novelas publicadas en castellano por sellos como Malas Tierras continuarán resonando como el testimonio ineludible de una época compleja y turbulenta. 

Los secretos y tragedias de Def Leppard contados por Phil Collen en Adrenalized

La trayectoria del conjunto británico Def Leppard excede el marco de los discos multiplatino y los estadios abarrotados, abarcando episodios de profunda transformación interna marcados por la superación y el dolor. En su libro biográfico Adrenalized: Life, Def Leppard, and Beyond, publicado originalmente en 2015, el guitarrista Phil Collen ofrece una perspectiva personal y directa sobre el camino que lo condujo a formar parte de una de las instituciones fundamentales del hard rock mundial. 

Escrito en colaboración con el periodista Chris Epting, el texto recorre la evolución del músico antes y después de su integración a la alineación en 1982. A través de sus vivencias, el instrumentista detalla sus primeros pasos en los circuitos independientes británicos y el rigor metodológico que transformó al grupo en un fenómeno comercial de alcance transatlántico. 

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El ascenso a la cima con Pyromania y la disciplina del estudio 

Uno de los ejes centrales del relato se concentra en la reconstrucción del éxito masivo alcanzado durante la etapa de producción del álbum Pyromania de 1983. Collen detalla los meses de exigente disciplina en el estudio junto al productor Mutt Lange, evidenciando que el sonido melódico característico de la banda requirió un esfuerzo colectivo implacable para sostenerse en la exigente escena internacional. 

Una perspectiva interna alejada de las biografías convencionales 

Sin embargo, las memorias también abordan sin filtros los momentos más oscuros que amenazaron con disolver el proyecto. El texto rememora el trágico accidente automovilístico de 1984 que le costó el brazo izquierdo al baterista Rick Allen, así como el fallecimiento del guitarrista Steve Clark en 1991, dos sucesos que redefinieron para siempre los lazos de hermandad al interior del grupo. 

Lejos de replicar la estructura externa de una biografía tradicional, Adrenalized aporta un valor documental íntimo respaldado por archivos fotográficos personales y anécdotas de gira que revelan el costo humano de la fama. La obra se mantiene como un testimonio indispensable para comprender la resiliencia de un conjunto que se negó a sucumbir ante la adversidad. 

De los clubes de Liverpool al libro definitivo: la historia de OMD en Pretending to See the Future

La editorial británica This Day In Music Books puso en circulación OMD: Pretending to See the Future, la biografía oficial de Orchestral Manoeuvres in the Dark escrita por el investigador musical Richard Houghton. El volumen documental de casi cuatrocientas páginas reconstruye la trayectoria de la banda inglesa desde sus primeros ensayos escolares en Wirral hasta su retorno a las giras masivas en el siglo XXI. 

La obra detalla cómo Andy McCluskey y Paul Humphreys introdujeron sintetizadores analógicos de bajo costo en los clubes independientes de Liverpool a finales de los años setenta. El texto arranca con el lanzamiento de “Electricity” en 1979 a través del sello Factory Records de Tony Wilson, exponiendo la concepción minimalista que definió el desarrollo temprano del pop electrónico en Gran Bretaña. 

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El éxito masivo de Architecture & Morality y la separación de 1989 

La narrativa biográfica examina la etapa de mayor impacto comercial del cuarteto durante la década de 1980, concentrándose en el proceso de grabación del álbum Architecture & Morality (1981). Dicho periodo consolidó temas representativos como “Enola Gay”, “Souvenir” y “Joan of Arc”, reuniendo relatos de los integrantes sobre el uso de teclados Mellotron para generar atmósferas corales que contrastaban con las secuencias rítmicas de la época. 

El libro aborda además los desacuerdos internos por la dirección comercial del catálogo que culminaron en la división de los fundadores en 1989. Mientras McCluskey conservó los derechos del nombre para editar producciones en solitario durante los noventa, Humphreys impulsó proyectos alternativos antes de acordar una reunión formal sobre los escenarios en 2006. 

Testimonios de archivo, memorabilia de seguidores y legado editorial 

La metodología de Houghton combinó entrevistas con los músicos fundadores, Malcolm Holmes y Martin Cooper, con anécdotas y material fotográfico facilitado directamente por seguidores de Europa y Norteamérica. Este enfoque testimonial documenta la recepción comunitaria de la tecnología musical en conciertos históricos celebrados en recintos del Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. 

La investigación concluye con un análisis sobre la vigencia del sonido sintético analógico tras cuatro décadas de grabaciones de estudio continuas. Con reediciones físicas y reimpresiones conmemorativas disponibles en librerías internacionales, OMD: Pretending to See the Future permanece como el compendio documental más completo publicado sobre la historia técnica y artística de la banda británica. 

Anne Carson: la poeta que convirtió el mundo clásico en literatura contemporánea

Anne Carson, una de las voces más originales e inclasificables de la literatura contemporánea, fue reconocida con el Premio Nobel de Literatura 2026. La Academia Sueca destacó su “obra audaz e inventiva” y, particularmente, su capacidad para establecer un diálogo lúdico con la tradición clásica y crear nuevas formas para la literatura de nuestro tiempo.

A sus 76 años, Carson recibe uno de los máximos reconocimientos de las letras después de construir durante décadas una obra que desafía las fronteras tradicionales entre poesía, ensayo, narrativa, traducción, teatro y artes visuales. Su escritura puede partir de un fragmento de la antigua Grecia y terminar hablando del deseo, el amor, la pérdida, la identidad o la soledad del mundo contemporáneo.

Nacida en Toronto, Canadá, en 1950, Carson se formó como especialista en literatura clásica. Estudió en la Universidad de Toronto y posteriormente obtuvo un doctorado en Estudios Clásicos. En 1981 presentó su tesis doctoral, titulada Odi et Amo Ergo Sum. Desde entonces, su trayectoria ha mantenido un vínculo permanente entre la investigación académica, la traducción y la creación literaria.

Esa combinación es fundamental para comprender su trabajo. Carson no estudia la Antigüedad únicamente como una especialista que observa el pasado: utiliza sus personajes, mitos, palabras y textos como materiales vivos que pueden ser transformados y reinterpretados.

La propia Academia Sueca ha señalado que prácticamente toda su producción se encuentra en la intersección entre la obsesión del filólogo por las palabras y el deseo del poeta por encontrar nuevos significados. La etimología, el origen y la transformación de las palabras se encuentran entre los puntos de partida de su escritura.

El deseo como punto de partida

Uno de sus primeros libros fundamentales fue Eros the Bittersweet, publicado en 1986. El ensayo parte de la literatura griega antigua para explorar el deseo amoroso y su naturaleza contradictoria: aquello que puede ser simultáneamente placentero y doloroso.

El libro ya anticipaba una de las características esenciales de Carson: su capacidad para utilizar el conocimiento académico sin convertir la literatura en un ejercicio puramente intelectual. En sus manos, la mitología y la

filología se convierten en herramientas para hablar de emociones profundamente humanas.

Su interés por la literatura clásica también la llevó a traducir a autores como Safo, Sófocles y Eurípides. Sus traducciones de los clásicos griegos han sido reconocidas no sólo por su valor académico, sino también como obras literarias con una voz propia.

Autobiografía de Rojo: el mito convertido en una historia contemporánea

En 1998 publicó Autobiography of Red, uno de sus libros más celebrados y probablemente una de las mejores puertas de entrada a su universo literario.

La obra parte de un personaje de la mitología griega: Gerión, un monstruo alado de color rojo relacionado con uno de los trabajos de Heracles. Carson toma ese personaje secundario y lo transforma en un adolescente sensible que descubre el amor, el deseo y el dolor.

El resultado es una novela escrita en verso que combina mito, narrativa, poesía y elementos de la novela de formación. El mundo antiguo y el contemporáneo conviven sin necesidad de que uno sustituya al otro.

En Carson, los mitos no son piezas de museo. Son historias que pueden volver a contarse porque las emociones que contienen —el deseo, el rechazo, la pérdida, la búsqueda de identidad— siguen siendo actuales.

Una literatura sin fronteras

A lo largo de su carrera, Carson ha cuestionado constantemente la separación entre géneros literarios.

En sus libros pueden convivir poemas, ensayos, fotografías, traducciones, fragmentos narrativos, diálogos y referencias académicas. La forma de sus obras no es un simple vehículo para sus ideas: forma y contenido están estrechamente relacionados.

The Beauty of the Husband, publicado en 2001, explora la ruptura de un matrimonio a través de 29 episodios o “tangos” literarios, acompañados por referencias a la poesía de John Keats. El libro recibió el T. S. Eliot Prize y confirmó la capacidad de Carson para convertir experiencias íntimas en estructuras literarias poco convencionales.

También ha recurrido a figuras de la cultura moderna para establecer conexiones inesperadas con la Antigüedad. En Norma Jeane Baker of Troy,

de 2019, Marilyn Monroe y Helena de Troya aparecen vinculadas a través de temas como la belleza, el deseo, la fama y la representación femenina. La obra combina teatro, poesía y tradición clásica.

Nox: escribir sobre la ausencia

Uno de sus trabajos más personales es Nox, publicado en 2010.

El libro nació a partir de la muerte de su hermano Michael, ocurrida en Dinamarca en el año 2000. Carson construyó una obra que funciona simultáneamente como libro, objeto artístico, archivo familiar y elegía.

Presentado dentro de una caja, Nox contiene un largo desplegable en forma de acordeón con fotografías, cartas, textos y fragmentos. En el centro se encuentra una traducción realizada por Carson de una elegía del poeta romano Catulo dedicada a su propio hermano.

El pasado y el presente vuelven a encontrarse. La experiencia personal de Carson se conecta con un poema escrito hace más de dos mil años, demostrando uno de los principios fundamentales de su obra: el tiempo no necesariamente separa las experiencias humanas.

El libro muestra además otra dimensión de su trabajo: para Carson, la literatura puede ocupar un espacio que se encuentra entre la palabra escrita, el objeto artístico y la memoria.

De la poesía al arte

Su experimentación continuó con obras como Float, publicada en 2016. El libro está compuesto por 22 pequeños textos o cuadernillos que pueden leerse en diferentes órdenes. Nuevamente, Carson cuestiona la idea tradicional de que un libro debe tener necesariamente un principio y un final determinados.

Su obra se ha extendido también hacia la ópera, el teatro, la música, la danza y las artes visuales. Esa libertad creativa ha convertido su producción en un territorio difícil de clasificar dentro de una sola categoría.

Quizá por eso definir a Carson simplemente como “poeta” resulta insuficiente. Es poeta, pero también ensayista, traductora, dramaturga, investigadora y creadora de objetos literarios.

Una trayectoria reconocida mucho antes del Nobel

El Nobel no llega a una autora desconocida para el mundo literario. A lo largo de su trayectoria, Carson recibió algunos de los principales reconocimientos internacionales.

Entre ellos se encuentran el T. S. Eliot Prize, el Griffin Poetry Prize, el PEN/Nabokov Award y el Premio Princesa de Asturias de las Letras, que recibió en 2020. También fue distinguida con becas Guggenheim y MacArthur y fue nombrada miembro de la Orden de Canadá.

Su carrera académica también ha sido importante. Enseñó literatura clásica en la Universidad McGill y posteriormente en la Universidad de Michigan, entre otras instituciones.

La Academia Sueca ha destacado precisamente esa combinación de conocimiento y creatividad como uno de los rasgos centrales de su obra.

Una escritora entre dos mundos

La literatura de Anne Carson parece vivir permanentemente entre dos mundos: el antiguo y el contemporáneo.

En sus páginas pueden encontrarse Safo y Virginia Woolf, Simónides de Ceos y Paul Celan, Eurípides y Marilyn Monroe. La historia de la literatura aparece como un territorio abierto en el que los autores pueden conversar aunque estén separados por siglos.

Pero el objetivo no es simplemente actualizar los clásicos.

Carson utiliza el pasado para formular nuevas preguntas sobre el presente. ¿Qué significa amar? ¿Por qué deseamos aquello que puede hacernos sufrir? ¿Cómo recordamos a alguien que hemos perdido? ¿Qué ocurre con nuestra identidad cuando una relación termina? ¿Qué permanece de nosotros cuando desaparece otra persona?

Son preguntas antiguas, pero Carson encuentra formas nuevas para plantearlas.

Una elección que reconoce la experimentación

Con el Nobel de Literatura 2026, la Academia Sueca reconoce una trayectoria que ha hecho de la experimentación una de sus principales características.

El premio también coloca nuevamente en el centro de la conversación internacional a una escritora que durante décadas ha ocupado un lugar singular dentro de la literatura en lengua inglesa.

Carson sucede en el palmarés a László Krasznahorkai, ganador del Nobel de Literatura 2025, y se incorpora a una lista que incluye nombres fundamentales de la literatura universal.

El premio está dotado actualmente con 12 millones de coronas suecas y será entregado oficialmente el 10 de diciembre en Estocolmo.

Pero más allá del reconocimiento económico y de la ceremonia, el Nobel puede tener otro efecto: acercar a nuevos lectores a una obra que, por su complejidad y su carácter experimental, quizá no siempre resulte sencilla de abordar.

Y quizá ahí se encuentre una de las mejores maneras de entender a Anne Carson.

No se trata de una escritora que pretenda facilitar la literatura, sino de una autora que constantemente intenta descubrir qué otras formas puede adoptar.

Su obra demuestra que un mito griego puede hablar del presente, que una traducción puede convertirse en creación, que un poema puede convertirse en objeto y que una historia escrita hace miles de años todavía puede encontrar nuevas palabras para hablar del ser humano.

Anne Carson ha hecho de esa búsqueda una forma de vida literaria.

Y el Nobel de Literatura 2026 reconoce precisamente esa capacidad: mirar hacia el pasado para inventar nuevas maneras de escribir el presente.

REDACCION

La trayectoria de Marc Bolan y el legado de T. Rex

Nacido como Mark Feld en Londres en 1947, Marc Bolan inició su trayectoria musical en la década de 1960 pasando por el proyecto proto-punk John’s Children antes de fundar el dúo acústico Tyrannosaurus Rex junto al percusionista Steve Peregrin Took. Aquella formación inicial estructuró cuatro álbumes basados en poesía mitológica, instrumentación folk y percusiones orientales alejadas del sonido electrificado. 

En 1970, el compositor abrevió el nombre del proyecto a T. Rex y sustituyó a Took por Mickey Finn, incorporando guitarras eléctricas Les Paul y baterías convencionales bajo la producción de Tony Visconti. La transición alcanzó su primer impacto en listas comerciales a inicios de 1971 con “Hot Love”, corte que permaneció seis semanas consecutivas en el número uno del UK Singles Chart británico. 

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El auge del glam rock y la racha de sencillos en el Reino Unido 

La consolidación del estilo glam rock llegó con los lanzamientos discográficos Electric Warrior (1971) y The Slider (1972), producciones que encabezaron las listas de ventas europeas con temas como “Get It On”, “Telegram Sam” y “Metal Guru”. Bolan introdujo el uso de purpurina facial, sombreros de copa y prendas de satén en presentaciones televisivas de la BBC, sentando precedentes estéticos para contemporáneos como David Bowie y Roxy Music. 

Hacia la segunda mitad de la década, el músico integró arreglos de soul y funk en álbumes como Tanx (1973), antes de respaldar a la primera ola del punk británico al invitar a The Damned como teloneros de su gira en 1977. La actividad del intérprete concluyó abruptamente el 16 de septiembre de 1977 tras fallecer a los 29 años en un accidente automovilístico en Barnes, Londres. 

Obras biográficas y análisis discográfico de su legado 

La bibliografía sobre el artista incluye obras documentales como Marc Bolan: El guerrero eléctrico de los 70, volumen de 224 páginas escrito en español por Juan Manuel Escrihuela para Quarentena Ediciones. De manera paralela, la biografía Bolan: The Rise and Fall of a 20th Century Superstar, del periodista Mark Paytress, recopila 410 páginas con testimonios directos del locutor John Peel y familiares del cantante. 

El catálogo musical del guitarrista también fue examinado de forma pormenorizada por Peter Gallagher en el libro Marc Bolan: Tyrannosaurus Rex and T. Rex: Every Album, Every Song, publicado en 2021. La obra analiza cronológicamente cada composición de estudio, documentando la evolución estilística de un creador que transitó del underground acústico a liderar las listas de popularidad del Reino Unido. 

Keane estrena el libro Under The Iron Sea: Lyrics and History a 20 años de su disco

La banda británica Keane publicó el libro conmemorativo Under The Iron Sea: Lyrics and History a nivel internacional este 24 de septiembre. La obra editorial recopila las letras completas de las canciones, reproducciones facsimilares de cuadernos de notas de estudio, material gráfico original y testimonios de sus integrantes: Tom Chaplin, Tim Rice-Oxley y Richard Hughes.

El lanzamiento celebra dos décadas de la salida al mercado de Under The Iron Sea, editado originalmente en 2006 como sucesor de su debut Hopes and Fears. Aquel segundo trabajo de estudio debutó en la primera posición de ventas del Reino Unido y alcanzó el cuarto casillero del listado Billboard 200 en Estados Unidos.

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Proceso de composición y el concepto del “mar de hierro”

El concepto sonoro y visual del proyecto fue catalogado por sus autores como un “cuento de hadas siniestro”, originado en un entorno de tensiones personales durante las giras previas. Dicho estado anímico quedó plasmado en la metáfora visual de un espacio oscuro situado bajo un mar de hierro impenetrable, temática que ahora desglosan a través de bocetos y anotaciones de grabación.

El volumen impreso detalla la evolución lírica de sencillos reconocidos como “Is It Any Wonder?”, “Crystal Ball” y “A Bad Dream”. La edición física incluye además reproducciones del trabajo artístico diseñado por la ilustradora finlandesa-británica Sanna Annukka, responsable de la imaginería visual en la portada original del disco.

Ediciones para coleccionistas y reediciones conmemorativas

La distribución del libro se suma a la campaña oficial por el vigésimo aniversario del material discográfico, la cual integró en julio pasado la publicación de una edición conmemorativa con maquetas y grabaciones descartadas en formato vinilo y disco compacto bajo el sello Island Records.

A través de su plataforma digital de venta directa, la formación puso a disposición del público un tiraje limitado de ejemplares autografiados por los músicos. Esta entrega impresa permite cotejar las primeras anotaciones líricas de los cuadernos de trabajo con las grabaciones que definieron la trayectoria de Keane a mediados de la década del 2000.

YO, ELTON JOHN

Hay artistas cuya vida parece escrita para convertirse en una película. Elton John es uno de ellos. Pero antes de Rocketman estuvo Me, su primera y única autobiografía oficial, publicada en 2019 y editada en español como Yo, Elton John por Reservoir Books.

El libro comienza mucho antes de los extravagantes trajes, los enormes escenarios y los anteojos que se convirtieron en parte de su identidad. Comienza con Reginald Kenneth Dwight, un niño tímido de Pinner, Inglaterra, que encontró en el piano una forma de expresión extraordinaria. Desde muy pequeño mostró una capacidad musical excepcional y terminó estudiando en la Royal Academy of Music de Londres.

Uno de los grandes atractivos de Yo es precisamente acompañar la transformación de Reginald Dwight en Elton John. El encuentro con Bernie Taupin fue decisivo: juntos construyeron una de las sociedades creativas más importantes de la música popular. El libro recorre aquellos primeros años de incertidumbre, los trabajos que no funcionaban, los primeros discos y el momento en que Elton comenzó a conquistar al público estadounidense.

Y después llegó la explosión.

Elton recuerda el vertiginoso ascenso de los años 70, cuando canciones como “Your Song”, “Rocket Man”, “Crocodile Rock”, “Bennie and the Jets” y “Goodbye Yellow Brick Road” lo convirtieron en una superestrella internacional. Pero el relato no se limita a enumerar éxitos: Elton intenta explicar qué significaba vivir dentro de aquella maquinaria de fama, dinero, excesos y expectativas.

Ahí es donde la autobiografía adquiere mayor fuerza.

Elton habla con una franqueza poco habitual sobre sus adicciones, su sexualidad, sus relaciones personales, sus inseguridades y los momentos en que su vida estuvo a punto de descontrolarse. También aparecen algunos de los personajes más importantes de su historia: John Lennon, Freddie Mercury, George Michael, David Bowie, Rod Stewart, Bob Dylan, Michael Jackson y otras figuras con las que compartió escenarios, amistad o momentos de su vida.

Pero quizá uno de los aspectos más interesantes es que Elton no intenta presentarse como un héroe. Hay humor, ironía y autocrítica. El hombre que durante décadas apareció ante el público rodeado de lentejuelas y

extravagancia también reconoce sus errores, sus excesos y sus momentos de vulnerabilidad.

El libro también cuenta su recuperación de las adicciones y el proceso que le permitió reconstruir su vida. Habla de su relación con David Furnish, de la familia que formaron y de la transformación de sus prioridades. En ese sentido, Yo no es únicamente la historia de una estrella de rock: también es la historia de un hombre que consiguió sobrevivir a su propia fama.

Otro aspecto fundamental es la música. Elton habla de sus canciones, de su relación creativa con Bernie Taupin y de la enorme cantidad de artistas y compositores que influyeron en su formación. También recuerda su incursión en Broadway y el teatro musical con proyectos como The Lion King, Aida y Billy Elliot.

La edición en español, Yo, Elton John, tiene 448 páginas y fue publicada por Reservoir Books. Es la primera y única autobiografía oficial de Elton John.

Lo más valioso del libro es que permite entender que detrás del personaje extravagante siempre existió un músico profundamente apasionado por las canciones. Antes de los millones de discos vendidos, los premios, los estadios y los grandes espectáculos estuvo aquel niño que podía sentarse frente a un piano y reproducir de oído lo que escuchaba.

Y precisamente por eso esta autobiografía es una excelente compañera para volver a escuchar su música: después de conocer la historia de Reginald Dwight, muchas de las canciones de Elton John adquieren una dimensión diferente.

ELTON JOHN EN MÉXICO

La historia del libro tendrá una continuación muy especial este otoño. Elton John regresará a México para ofrecer dos conciertos, el viernes 2 y sábado 3 de octubre de 2026, en el Estadio Banorte. Serán sus primeros conciertos en la Ciudad de México en 14 años y no forman parte de la gira Farewell Yellow Brick Road: se trata de dos presentaciones especiales, con un repertorio preparado especialmente para el público mexicano y construido alrededor de sus grandes éxitos y canciones favoritas de sus seguidores.

El regreso tiene además un componente histórico: Elton se presentó por primera vez en el entonces Estadio Azteca hace 34 años, durante la gira The One, y sus últimas actuaciones en la capital mexicana fueron los conciertos especiales Elton & Ray Cooper en el Auditorio Nacional, en

2012. Ahora, los días 2 y 3 de octubre, volverá a encontrarse con el público mexicano para una celebración que el propio Elton ha definido como un momento muy especial.

REDACCION

AMY WINEHOUSE: IN HER WORDS

¿Quién era Amy Winehouse antes de convertirse en una de las voces más importantes de su generación? Esa es la pregunta que intenta responder Amy Winehouse: In Her Words, un libro que ofrece una mirada íntima a la artista a través de sus propias palabras.

Publicado en 2023 por HarperCollins, el libro reúne diarios personales, letras manuscritas, fotografías familiares, dibujos, poemas, listas y otros documentos provenientes del archivo de Amy Winehouse. El resultado es un retrato que va mucho más allá de la imagen pública que se construyó alrededor de su fama y de su trágica muerte.

Aquí encontramos a Amy desde sus primeros años: una joven ingeniosa, irreverente, apasionada por la música y con una extraordinaria sensibilidad para las palabras. Sus escritos permiten seguir el desarrollo de una personalidad artística que poco a poco encontraría en la composición una de sus principales formas de expresión.

Uno de los grandes atractivos del libro es precisamente descubrir a la compositora detrás de las canciones. Los manuscritos y apuntes muestran cómo observaba el mundo, sus relaciones y sus propias emociones, elementos que posteriormente transformarían su experiencia personal en canciones como las que formarían parte de Frank y Back to Black.

También aparecen detalles mucho más cotidianos: fotografías de su infancia y adolescencia, trabajos escolares, dibujos y listas personales que revelan su sentido del humor y la personalidad que existía antes de los reflectores.

Amy Winehouse: In Her Words evita, en buena medida, convertir la historia en otra narración sobre la tragedia. Su verdadero valor está en permitirnos conocer a la joven que estaba construyendo su identidad antes de que la fama terminara definiendo la manera en que el mundo la veía.

Es, en esencia, un encuentro con Amy a través de Amy.

Para quienes conocen su música, el libro ofrece una nueva forma de escucharla. Y para quienes quieran descubrirla más allá del mito, es una puerta de entrada a la escritora, compositora y mujer que existía detrás de aquella voz inconfundible.

REDACCION

Librerías mexicanas enfrentan un momento crítico, pero el mercado del libro busca reinventarse

El cierre de Ediciones Era, una de las editoriales independientes más importantes de México, volvió a poner bajo los reflectores la situación de la industria del libro. Sin embargo, los datos disponibles muestran una realidad más compleja: mientras las librerías enfrentan presiones económicas y cambios en los hábitos de consumo, el mercado editorial mexicano también está encontrando nuevas vías de crecimiento.

Actualmente existen 2 mil 427 librerías registradas en México, de acuerdo con el Directorio Estadístico Nacional de Unidades Económicas (DENUE) de INEGI. La Ciudad de México concentra 544 establecimientos, mientras que Campeche registra apenas 14.

Pero contar librerías no necesariamente significa que el negocio esté creciendo. Las cifras de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana (CANIEM) muestran que durante 2024 se produjeron 20 mil 54 títulos, una disminución de 15% respecto al año anterior. También se fabricaron 76.5 millones de ejemplares impresos, 4.1% menos que en 2023.

Las ventas tampoco escaparon a la contracción: en 2024 se comercializaron 79.3 millones de ejemplares, 2.6% menos que un año antes.

Menos libros vendidos, pero más dinero

Hay, sin embargo, un dato que cambia la perspectiva. A pesar de vender menos ejemplares, la industria editorial privada facturó 11 mil 25 millones de pesos en 2024, un incremento de 4.8% frente a 2023. En otras palabras, el mercado generó más ingresos aun con un menor número de libros vendidos.

Una de las razones está en el incremento de los precios. El precio promedio de los libros nacionales pasó de alrededor de 113 pesos en 2023 a 125 pesos en 2024.

Las librerías continúan siendo un canal fundamental: representaron 28% de la facturación de la industria editorial privada en 2024, sólo detrás del canal de escuelas, que aportó 38%.

Internet gana terreno

El cambio en los hábitos de compra también es evidente. La venta de libros impresos a través de internet pasó de representar 3.1% del mercado en 2022 a 6.8% en 2024, según datos presentados por CANIEM.

NielsenIQ BookData, por su parte, opera en México desde 2018 y actualmente mide semanalmente las ventas de más de 2 mil librerías físicas y en línea, lo que permite conocer el comportamiento del mercado por título, autor, editorial y género.

El crecimiento de los canales digitales no necesariamente significa la desaparición de las librerías físicas, pero sí está modificando la manera en que los lectores descubren, comparan y compran libros.

¿Los mexicanos están leyendo menos?

Aquí también hay matices.

El Módulo sobre Lectura (MOLEC) 2025 de INEGI señala que 79.1% de las personas alfabetas de 12 años y más declaró haber leído al menos un material —libro, revista, periódico, historieta o contenido digital— durante el último año.

Y entre quienes leyeron algún material, 79% reportó haber leído libros. Los jóvenes de 12 a 24 años y los adultos de 25 a 39 registraron porcentajes superiores a 80% en lectura de libros.

Esto revela algo importante: el reto de las librerías no puede explicarse simplemente diciendo que los mexicanos dejaron de leer. El público lector existe, pero consume contenidos y compra libros en un ecosistema mucho más diversificado.

Una industria en transformación

La industria también ha tenido que enfrentar la reducción de las compras gubernamentales. CANIEM señala que la cancelación de determinados programas de adquisición de libros por parte del gobierno provocó una importante reducción en el volumen de ejemplares vendidos. Entre 2023 y 2024, el sector dejó de facturar alrededor de mil 700 millones de pesos por este cambio.

Al mismo tiempo, el llamado mercado abierto —las ventas que no dependen de programas gubernamentales— creció 19% durante 2024, de acuerdo con CANIEM.

El resultado es un sector que no está desapareciendo, pero que sí está experimentando una profunda transformación.

Las librerías tienen que competir no sólo entre ellas, sino con grandes plataformas de comercio electrónico, nuevos hábitos de consumo y un lector que tiene cada vez más alternativas para acceder a contenidos.

El cierre de Ediciones Era, por ello, puede entenderse como una señal de alerta, pero también como parte de una discusión mucho mayor: cómo garantizar que las librerías físicas sigan siendo espacios culturales fundamentales en un mercado donde leer y comprar libros ya no significa necesariamente acudir a una librería.

El desafío para México será encontrar el equilibrio entre preservar la librería como espacio cultural, fortalecer a los pequeños y medianos negocios y aprovechar las nuevas formas digitales de comercialización del libro. Los números muestran que lectores todavía existen; ahora la pregunta es cómo lograr que ese público pueda sostener también a quienes hacen posible que los libros lleguen hasta ellos.

REDACCION