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Johnny Marr recibe el premio a la trayectoria en Londres antes de tocar en el Corona Capital 2026

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El guitarrista y compositor británico Johnny Marr recibió el premio a la trayectoria artística durante la ceremonia de los Sky Arts Awards 2026, celebrada el martes 13 de octubre en el foro The Roundhouse de Londres. La gala, conducida por el artista Sir Grayson Perry y la cantante Self Esteem, reconoció la influencia continua del músico en el desarrollo de la composición contemporánea en el Reino Unido e Irlanda. 

Tras aceptar el galardón, el cofundador de The Smiths ofreció una presentación musical en directo ante los asistentes del recinto londinense. En la misma jornada, el cantautor escocés Jacob Alon obtuvo el premio en la categoría de música popular por su producción discográfica In Limerence, dentro de un programa que galardonó a creadores de teatro, literatura y artes visuales. 

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El legado con The Smiths y cuatro décadas de colaboraciones 

La distinción condecora una carrera que inició a comienzos de la década de 1980 junto a Morrissey, Andy Rourke y Mike Joyce en The Smiths. Su técnica en la guitarra con acordes entrelazados y capas rítmicas definió el sonido de cortes como “This Charming Man”, “How Soon Is Now?” y “Heaven Knows I’m Miserable Now”, convirtiéndose en un referente del rock independiente anglosajón. 

Tras la separación del cuarteto en 1987, el instrumentista integró alineaciones formales en proyectos como Electronic, The The, Modest Mouse y The Cribs. Asimismo, mantuvo grabaciones de estudio con artistas de distintas generaciones, sumando participaciones en obras de Gorillaz, Billie Eilish, Franz Ferdinand y Noel Gallagher’s High Flying Birds. 

Éxito en solitario y presentación en el Corona Capital 2026 

Su trayectoria solista comenzó formalmente en 2013 con el álbum The Messenger, acumulando desde entonces seis producciones en el Top 10 de ventas británico. Para acompañar este periodo de actividad, este mes llegará a las librerías una edición conmemorativa por el décimo aniversario de su autobiografía, titulada Set the Boy Free, con textos revisados por el propio autor. 

Como siguiente escala en su agenda de conciertos, Marr se presentará en la Ciudad de México el domingo 22 de noviembre dentro del festival Corona Capital 2026. En la jornada de cierre en el Autódromo Hermanos Rodríguez, el músico compartirá cartel con The Strokes, The xx, The Black Crowes y Manic Street Preachers, marcando su retorno a los foros masivos de América Latina. 

El enigma de Richey Edwards: la desaparición que marcó la historia de Manic Street Preachers

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Fundada en 1986 en Blackwood, Gales, Manic Street Preachers estructuró una propuesta de rock alternativo con contenido político encabezada por James Dean Bradfield, Nicky Wire y Sean Moore. La incorporación de Richey Edwards como letrista y guitarrista rítmico aportó una estética provocadora influenciada por la literatura y el punk, visible en sus primeros lanzamientos Generation Terrorists (1992) y Gold Against the Soul (1993). 

El punto definitorio de esta etapa inicial ocurrió en agosto de 1994 con la salida de The Holy Bible, tercer trabajo de estudio del cuarteto. Edwards escribió la mayor parte de las letras, abordando problemáticas como la alienación social, los trastornos psicológicos y el autoritarismo, lo que convirtió a la placa en una referencia del rock británico de los años noventa. 

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La desaparición en Londres y la reconstrucción en Everything Must Go 

El 1 de febrero de 1995, Edwards desapareció tras salir del hotel The Embassy en Londres, horas antes de abordar un vuelo hacia Estados Unidos para una gira de promoción. Su automóvil fue localizado dos semanas después cerca del puente Severn en Inglaterra sin rastros de su paradero; tras años de investigaciones policiales inconclusas, fue declarado legalmente muerto en noviembre de 2008. 

Ante la pérdida de su compañero, los tres integrantes restantes resolvieron continuar en formato de trío, editando en 1996 el álbum Everything Must Go con sencillos como “A Design for Life”. La respuesta comercial se consolidó en 1998 con This Is My Truth Tell Me Yours, trabajo que debutó en el primer lugar de ventas del Reino Unido gracias al éxito de “If You Tolerate This Your Children Will Be Next”. 

Las letras póstumas de Journal for Plague Lovers y el debut en México 

El legado letrístico de Edwards reapareció formalmente en 2009 con la publicación de Journal for Plague Lovers, un álbum concebido íntegramente a partir de textos y poemas inéditos que el músico dejó antes de su desaparición. La banda mantuvo la difusión de este archivo poético mientras expandió su catálogo discográfico con producciones recientes como The Ultra Vivid Lament (2021) y Critical Thinking (2025). 

Con más de tres décadas y media de trayectoria sobre los escenarios, la formación galesa confirmó su debut formal en territorio mexicano como parte del festival Corona Capital 2026. La presentación se llevará a cabo el domingo 22 de noviembre en el Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México, fecha en la que revisitarán su repertorio histórico frente a la audiencia latinoamericana. 

Keane estrena el libro Under The Iron Sea: Lyrics and History a 20 años de su disco

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La banda británica Keane publicó el libro conmemorativo Under The Iron Sea: Lyrics and History a nivel internacional este 24 de septiembre. La obra editorial recopila las letras completas de las canciones, reproducciones facsimilares de cuadernos de notas de estudio, material gráfico original y testimonios de sus integrantes: Tom Chaplin, Tim Rice-Oxley y Richard Hughes.

El lanzamiento celebra dos décadas de la salida al mercado de Under The Iron Sea, editado originalmente en 2006 como sucesor de su debut Hopes and Fears. Aquel segundo trabajo de estudio debutó en la primera posición de ventas del Reino Unido y alcanzó el cuarto casillero del listado Billboard 200 en Estados Unidos.

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Proceso de composición y el concepto del “mar de hierro”

El concepto sonoro y visual del proyecto fue catalogado por sus autores como un “cuento de hadas siniestro”, originado en un entorno de tensiones personales durante las giras previas. Dicho estado anímico quedó plasmado en la metáfora visual de un espacio oscuro situado bajo un mar de hierro impenetrable, temática que ahora desglosan a través de bocetos y anotaciones de grabación.

El volumen impreso detalla la evolución lírica de sencillos reconocidos como “Is It Any Wonder?”, “Crystal Ball” y “A Bad Dream”. La edición física incluye además reproducciones del trabajo artístico diseñado por la ilustradora finlandesa-británica Sanna Annukka, responsable de la imaginería visual en la portada original del disco.

Ediciones para coleccionistas y reediciones conmemorativas

La distribución del libro se suma a la campaña oficial por el vigésimo aniversario del material discográfico, la cual integró en julio pasado la publicación de una edición conmemorativa con maquetas y grabaciones descartadas en formato vinilo y disco compacto bajo el sello Island Records.

A través de su plataforma digital de venta directa, la formación puso a disposición del público un tiraje limitado de ejemplares autografiados por los músicos. Esta entrega impresa permite cotejar las primeras anotaciones líricas de los cuadernos de trabajo con las grabaciones que definieron la trayectoria de Keane a mediados de la década del 2000.

Liam Gallagher: la voz que convirtió a Oasis en uno de los grandes nombres del britpop

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Liam Gallagher estableció la identidad sonora de Oasis desde principios de los años noventa a través de una tesitura vocal caracterizada por la proyección nasal y la prolongación de vocales. Formada inicialmente en Manchester bajo el nombre de The Rain, la banda adoptó su denominación definitiva y sumó a su hermano Noel Gallagher como compositor principal, iniciando una etapa decisiva para el rock alternativo británico. 

El debut discográfico con Definitely Maybe en agosto de 1994 rompió marcas comerciales al convertirse en el álbum debut de venta más rápida en el Reino Unido hasta esa fecha. Cortes promocionales como Supersonic, Live Forever y Rock ‘n’ Roll Star definieron la presencia escénica del cantante, caracterizada por mantener las manos a la espalda e inclinarse hacia un micrófono colocado a gran altura.

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El apogeo de Morning Glory y los conciertos multitudinarios en Knebworth 

La consolidación internacional del cuarteto se consumó en 1995 con la publicación de (What’s the Story) Morning Glory?, placa que acumuló ventas superiores a los 22 millones de copias en el mundo. La voz de Gallagher encabezó temas de alta rotación radial como Wonderwall, Champagne Supernova y Morning Glory, situando al proyecto de Manchester en los primeros lugares de las listas de popularidad globales. 

En agosto de 1996, el intérprete encabezó dos recitales consecutivos en Knebworth Park ante una concurrencia conjunta de 250 mil asistentes, evento para el cual se registraron más de 2.5 millones de solicitudes de boletos. Dicha convocatoria representó la cumbre de difusión del movimiento britpop y cimentó el estatus del vocalista como referente estético y generacional de la música británica de esa década. 

Etapas posteriores, trayectoria solista y vigencia escénica 

Tras la disolución de Oasis en 2009 a raíz de disputas internas entre los hermanos Gallagher, el cantante fundó la banda Beady Eye y posteriormente emprendió una carrera en solitario a partir de 2017 con el disco As You Were. Sus trabajos individuales alcanzaron la primera posición en las listas oficiales británicas y le permitieron llenar foros de gran capacidad como el festival de Reading y Leeds. 

A lo largo de más de tres décadas de grabaciones de estudio y presentaciones en directo, el timbre vocal de Liam Gallagher permanece como el elemento definitorio del catálogo histórico de Oasis. Su técnica interpretativa y su dominio de los escenarios masivos influyeron en múltiples generaciones de compositores de rock contemporáneo en Europa y América. 

Lady Gaga y David Bowie: La influencia estética que definió el ascenso de una estrella

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Lady Gaga consolidó su identidad visual y sonora a finales de la década de los 2000 basándose en el legado de David Bowie. Desde el lanzamiento de su álbum debut, The Fame, la intérprete estadounidense citó al músico británico como su principal referente creativo y motor de su visión artística. Esta conexión se manifestó inicialmente a través de la adopción de elementos del glam rock y la integración de la moda de vanguardia en la música pop comercial. 

La artista utilizó el concepto del “pop como forma de arte” para distanciarse de las tendencias convencionales de la radio de 2008. Bowie proporcionó a Gaga el marco conceptual para entender que la imagen pública es una extensión de la obra discográfica. Esta filosofía permitió que la cantante desarrollara una trayectoria basada en la reinvención permanente, emulando la capacidad camaleónica que caracterizó al autor de Space Oddity durante cuatro décadas. 

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La estética del rayo y la herencia de Aladdin Sane en el pop 

El símbolo más evidente de esta influencia fue el rayo pintado en el rostro de la cantante durante la era de Just Dance. Este elemento gráfico funcionó como un tributo directo a la portada del álbum Aladdin Sane de 1973, uno de los trabajos más icónicos de Bowie. Gaga integró esta iconografía en sus primeros videos musicales y sesiones fotográficas, estableciendo un vínculo visual inmediato con la cultura del rock experimental de los años 70. 

Más allá del maquillaje, la intérprete exploró la androginia y la creación de alter egos para narrar diferentes etapas de su carrera. El surgimiento de personajes como Jo Calderone guardó paralelismos técnicos con la construcción de figuras como Ziggy Stardust. Ambas propuestas desafiaron las normas de género y los estándares de belleza de la industria, priorizando la teatralidad y el impacto performativo sobre la comodidad del espectador. 

El concepto del artista camaleónico: De Ziggy Stardust a Fame Monster 

La profundidad de esta obsesión creativa se formalizó en 2016, cuando la cantante se tatuó el rostro de Bowie en el costado izquierdo de su cuerpo. Pocos días después, Gaga encabezó un segmento especial en los Premios Grammy bajo la dirección musical de Nile Rodgers, colaborador histórico del músico británico. Durante la presentación, la artista recorrió los hitos visuales de la trayectoria de Bowie, reafirmando su estatus como la heredera de su metodología artística. 

La crítica especializada reconoce que, sin la influencia de la era de Berlín o el minimalismo de Bowie, la estética de álbumes como The Fame Monster habría carecido de su densidad conceptual. Gaga demostró que es posible alcanzar el éxito masivo mediante el uso de la abstracción y el simbolismo visual. Actualmente, su legado permanece como el ejemplo más exitoso de cómo la vanguardia de los años 70 continúa moldeando la estructura del pop contemporáneo. 

Peter Hook & The Light regresan a México para interpretar el legado íntegro de Joy Division 

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El músico británico Peter Hook confirmó su retorno a la Ciudad de México para el primer trimestre de 2027. Junto a su agrupación The Light, el bajista fundacional de la escena de Manchester ejecutará un espectáculo centrado exclusivamente en la discografía de su primera banda. El evento representa una oportunidad para presenciar la interpretación en vivo de las piezas fundamentales que definieron el sonido post-punk internacional. 

La cita se llevará a cabo el próximo 5 de marzo de 2027 en las instalaciones del Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes. Este recinto recibirá la propuesta sonora que busca recrear la atmósfera industrial de finales de los años 70. La logística del concierto corre a cargo de la promotora OCESA, la cual ratificó la fecha a través de sus canales oficiales de comunicación durante la presente semana. 

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Peter Hook interpretará Unknown Pleasures y Closer en su totalidad 

El programa musical contempla la ejecución íntegra de Unknown Pleasures y Closer, los dos únicos álbumes de estudio de Joy Division. Estas producciones, lanzadas originalmente entre 1979 y 1980, definieron el rumbo del rock alternativo y la estética visual de la era contemporánea. Canciones como Disorder, Isolation y Twenty Four Hours formarán parte del repertorio central de esta presentación especial. 

Los boletos para asistir a la presentación de Peter Hook & The Light estarán disponibles en preventa a partir del 3 de septiembre de 2026. Posteriormente, se habilitará la fase de venta general para el resto de la audiencia interesada en asegurar su lugar en el Pabellón Oeste. El sistema Ticketmaster gestionará la distribución de los accesos para este encuentro que promete un alto estándar de fidelidad técnica. 

La gira actual del músico y la celebración del álbum Get Ready 

Previo a su llegada a territorio mexicano, el instrumentista se encuentra promoviendo el material titulado Get Ready Live at O2 Victoria Warehouse Manchester. En este proyecto, Peter Hook rinde tributo al séptimo álbum de estudio de New Order, publicado originalmente en el año 2001. La gira actual destaca por rescatar la energía de temas como Crystal en un formato de directo que respeta la estructura rítmica original. 

La trayectoria de Hook destaca por su capacidad para mantener vigentes los cimientos sonoros de sus proyectos previos tras el fallecimiento de Ian Curtis. El bajista preserva la integridad de las líneas melódicas que otorgaron a la agrupación una identidad única en la industria discográfica global. Su regreso a México en 2027 asegura la continuidad de un vínculo estrecho con la audiencia que valora la historia del rock británico. 

Fallece Barry Mitchell, el segundo bajista en la historia de Queen

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Greg Brooks, archivista oficial de Queen, confirmó el fallecimiento de Barry Mitchell, quien fuera bajista de la agrupación entre agosto de 1970 y enero de 1971. El músico murió el pasado 17 de agosto, dejando un legado importante en la etapa formativa del cuarteto liderado por Freddie Mercury. Mitchell se integró al grupo tras la salida del bajista fundador Mike Grose y participó en presentaciones clave en Inglaterra. 

Durante su breve pero significativa estancia, el instrumentista interpretó las líneas de bajo originales de canciones como Liar y Son And Daughter. Estas piezas formarían parte fundamental del álbum debut homónimo de la banda lanzado años después, en 1973. Sus aportaciones rítmicas ayudaron a definir el sonido temprano de la banda antes de que esta alcanzara la fama mundial y el reconocimiento masivo. 

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Mitchell y su decisión de abandonar la agrupación antes del éxito 

El músico reveló en una entrevista para la revista Rolling Stone en 2018 que decidió dejar la formación por falta de entusiasmo hacia su propuesta sonora. Mitchell admitió que en aquel momento no vislumbraba el potencial comercial ni el estatus de culto que la banda adquiriría décadas más tarde. Tras su partida, el grupo probó brevemente con Doug Bogie antes de incorporar de forma definitiva a John Deacon. 

Posteriormente, Mitchell continuó su carrera musical integrándose a la banda de proto-punk Tiger, proyecto que anteriormente llevó el nombre de Crushed Butler. Durante la década de los 90, el bajista tuvo un regreso a la actividad escénica como integrante del ensamble Jayne Raydio. A pesar de su alejamiento de la alineación principal de los Fab Four del rock, siempre mantuvo una relación cercana con la comunidad de seguidores. 

El legado de Barry Mitchell entre los seguidores de Queen 

Mitchell se convirtió en una figura apreciada dentro de las convenciones internacionales de fanáticos de la banda británica gracias a su accesibilidad y carisma. Los asistentes a estos eventos destacan su capacidad para narrar anécdotas fascinantes sobre los ensayos y conciertos íntimos de la agrupación en Londres. Sus relatos ofrecieron una perspectiva única y poco documentada sobre los cimientos de la leyenda del rock. 

Nacido en Londres y educado en Harrow, el músico residía en Northampton al momento de su deceso, cuyas causas no han sido reveladas por su familia. Diversos colaboradores y amigos cercanos manifestaron su pesar en plataformas digitales, describiéndolo como un hombre generoso con su tiempo y conocimientos. Su nombre permanece grabado en la historia oficial de una de las instituciones musicales más influyentes de todos los tiempos. 

Keane: El trío que revolucionó el rock alternativo sin utilizar guitarras 

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Keane transformó el panorama del pop británico en 2004 con el lanzamiento de su álbum debut, Hopes and Fears. El grupo, integrado por Tom Chaplin, Tim Rice-Oxley y Richard Hughes, adoptó una configuración instrumental inusual para una banda de rock al prescindir totalmente de la guitarra eléctrica. Esta decisión surgió tras la salida de su guitarrista original, lo que obligó al trío a reinventar su estructura melódica. 

La banda originaria de Battle, East Sussex, centró su propuesta sonora en el uso del piano como instrumento líder de todas sus composiciones. Esta característica técnica les permitió diferenciarse de la ola de bandas de post-punk revival que dominaban las listas de popularidad a principios de la década de los años 2000. El enfoque minimalista pero emocional de sus canciones atrajo rápidamente la atención de la crítica especializada a nivel global. 

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El surgimiento del piano rock en la era del post-Britpop 

Tim Rice-Oxley asumió la responsabilidad de generar las texturas armónicas utilizando un piano eléctrico Yamaha CP70. Para emular la potencia de una guitarra, el compositor procesaba el sonido del piano a través de pedales de distorsión y diversos efectos de audio. Este método innovador otorgó a piezas como Somewhere Only We Know una profundidad sonora que llenaba el espacio auditivo de forma contundente. 

El éxito del sencillo principal impulsó al álbum a vender más de cinco millones de copias en todo el mundo durante su primer ciclo de promoción. La interpretación vocal de Tom Chaplin, caracterizada por su amplio registro y vulnerabilidad, complementó la instrumentación para crear himnos que resonaron en las estaciones de radio internacionales. La ausencia de guitarras dejó de ser una limitación para convertirse en su mayor ventaja competitiva. 

Hopes and Fears y el dominio en las listas de ventas 

Hopes and Fears alcanzó el primer puesto en las listas del Reino Unido y obtuvo nueve certificaciones de platino en dicho territorio. El disco superó en ventas a lanzamientos contemporáneos de agrupaciones con alineaciones tradicionales de rock, consolidando el término “piano-rock” en la prensa musical. La agrupación demostró que la fuerza de una composición reside en su estructura melódica y no exclusivamente en su instrumentación clásica. 

El legado de la formación británica permanece vigente como un ejemplo de resiliencia creativa ante los cambios internos de una agrupación. Tras más de dos décadas de trayectoria, el sonido de Keane continúa influyendo en nuevos artistas que buscan alternativas a la configuración estándar del rock. La banda probó que es posible conquistar la cima de la industria musical rompiendo las reglas establecidas del género. 

The Psychedelic Furs: El legado sonoro que trasciende a Pretty in Pink

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The Psychedelic Furs establecieron un estándar distintivo para el post-punk y el new wave desde su formación en Londres a finales de la década de los 70. Liderada por la voz barítona y rasposa de Richard Butler, la banda británica logró equilibrar la agresividad del punk con melodías pop sofisticadas. Aunque el éxito masivo llegó con el cine de los años 80, su catálogo ofrece una profundidad artística que va más allá de sus temas más comerciales. 

El sencillo Love My Way, incluido en el álbum Forever Now de 1982, representa un punto de inflexión en la trayectoria del ensamble. La incorporación de la marimba y una estructura rítmica hipnótica permitió que el quinteto explorara texturas sonoras inusuales para la época. Esta pieza no solo definió el sonido de una generación, sino que demostró la capacidad de Butler para escribir letras introspectivas que resonaban en las listas de popularidad globales. 

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El legado sonoro de Richard Butler y la sofisticación del New Wave 

La producción de 1984, Mirror Moves, entregó uno de los momentos más atmosféricos de la década con el lanzamiento de The Ghost in You. Esta canción destaca por el uso prominente de sintetizadores y una cadencia melancólica que se convirtió en un referente para la música alternativa posterior. La crítica especializada reconoce en este tema una madurez compositiva que alejó definitivamente a los músicos de sus raíces más caóticas y experimentales. 

En ese mismo periodo, el tema Heaven consolidó su presencia en la radio internacional con un estribillo potente y una instrumentación cargada de guitarras acústicas y eléctricas. La composición logró capturar la esencia del optimismo melancólico característico de la era, posicionándose como un himno fundamental del rock británico. Estas canciones permitieron que el grupo mantuviera una vigencia constante mientras otros exponentes del género desaparecían del radar comercial. 

La influencia de The Psychedelic Furs en la música alternativa moderna 

El éxito continuó en 1987 con Heartbreak Beat, pista que alcanzó el Top 40 en los Estados Unidos gracias a su energía bailable y el uso distintivo del saxofón. Este periodo marcó la etapa de mayor alcance mediático para los hermanos Butler, quienes supieron adaptar su estética visual y sonora a las exigencias de la cadena MTV. La capacidad de reinvención del grupo les permitió transitar entre el rock de vanguardia y el pop masivo sin perder su identidad. 

Tras una pausa prolongada, el lanzamiento del álbum Made of Rain en 2020 confirmó que su relevancia permanece intacta en el nuevo milenio. La crítica elogió la capacidad de la banda para mantener su oscuridad característica adaptada a estándares de producción contemporáneos. Actualmente, el catálogo de la formación británica es objeto de culto y estudio por parte de nuevas generaciones de músicos que buscan replicar su atmósfera única y envolvente. 

Pulp presenta el tráiler y la fecha de estreno de su nuevo documental What Do You Do For An Encore?

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Pulp reveló el tráiler oficial y el arte de su nuevo largometraje documental titulado What Do You Do For An Encore?. El filme, dirigido por Garth Jennings, captura las presentaciones de la banda en la arena The O2 de Londres durante el año pasado. La producción ofrece un recorrido visual por la trayectoria de la agrupación, desde sus inicios en Sheffield hasta su consolidación como referente cultural global. 

La película cuenta con la edición de Barney Pilling, reconocido por su trabajo en The Grand Budapest Hotel, y la producción de Octavia Peissel. El contenido incluye narraciones directas de los integrantes, imágenes inéditas detrás de cámaras y material de archivo recolectado durante cuatro décadas. Esta propuesta busca documentar la evolución de Jarvis Cocker y compañía tras el lanzamiento de su álbum More. 

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Fecha de estreno y distribución global en plataformas digitales 

La distribuidora global MUBI proyectará la cinta en cines seleccionados del Reino Unido e Irlanda el próximo 18 de septiembre. Posteriormente, el documental llegará a salas de Estados Unidos y Canadá los días 23 y 24 del mismo mes. Finalmente, el estreno exclusivo en la plataforma de streaming de MUBI está programado para el 25 de septiembre de 2026 a nivel internacional. 

Jarvis Cocker describió la interpretación de sus canciones antiguas como una forma de viaje en el tiempo que libera energía del pasado. El líder de la banda enfatizó que la historia real de la agrupación resultó mucho más interesante de lo que imaginó en sus inicios solitarios. El filme incluye interpretaciones en vivo de 20 temas que abarcan desde éxitos masivos hasta canciones menos conocidas de su catálogo. 

Lanzamiento del álbum en vivo y actividad reciente de la banda 

El lanzamiento del filme coincide con el estreno del álbum titulado Live! bajo el sello Rough Trade el 28 de agosto. Este disco complementa la experiencia cinematográfica al capturar la energía sonora de su gira de arenas más reciente. Además, la banda presentó recientemente temas inéditos como Begging For Change y el EP digital que incluye la pista Marrying For Love. 

Los músicos británicos tienen programado un concierto masivo en el Wythenshawe Park de Manchester para finales de este mes de agosto. Recientemente, el grupo cerró con éxito el festival Mad Cool 2026 y celebró los 50 años de la discográfica Rough Trade en Londres. Estas presentaciones confirman la vigencia escénica de la banda tras más de dos décadas de ausencia en los estudios de grabación.