Nuevo documental ‘Mr. Scorsese’ revela la juventud religiosa del director

Martin Scorsese, el maestro del cine de gánsteres y la violencia urbana, casi toma un camino radicalmente diferente en su juventud: el sacerdocio. En un nuevo documental sobre su vida, titulado ‘Mr. Scorsese’, el legendario director revela que estudió en un seminario preparatorio, pero fue expulsado por “mal comportamiento”.

Criado en una familia católica en Nueva York, la fe tuvo una profunda influencia en el joven Scorsese, hasta el punto de que consideró dedicar su vida a la Iglesia. “Hice un seminario preparatorio. Me fue bien los primeros meses, pero algo pasó”, relata el director de 82 años en la serie.

Aunque no especifica el incidente, Scorsese explica que fue una combinación del despertar del rock and roll y sus propios sentimientos adolescentes lo que lo desvió del camino religioso. “Comencé a darme cuenta de que el mundo estaba cambiando. Era el rock and roll temprano y el viejo mundo se estaba extinguiendo”, explica.

“Enamorarse o Sentirse Atraído por las Chicas”

El director de Taxi Driver y Goodfellas recuerda cómo las emociones de la adolescencia chocaron con la vida del seminario. “Tomé conciencia de la vida a mi alrededor. Enamorarse o sentirse atraído por las chicas… de repente me di cuenta de que era mucho más complicado que esto. No puedes aislarte”, confiesa.

“La idea del sacerdocio, de dedicarte a los demás, de eso se trata realmente. Me di cuenta de que no pertenecía allí”, concluye. “Intenté quedarme, pero llamaron a mi padre y le dijeron: ‘Sáquelo de aquí’. Porque me porté mal”.

La Fe en su Filmografía

Aunque abandonó el camino del sacerdocio, la fe, la culpa y la redención se han convertido en temas recurrentes y obsesivos a lo largo de toda su filmografía, no solo en sus películas de gánsteres, sino también en obras explícitamente religiosas.

En 1988, dirigió la controvertida ‘The Last Temptation of Christ’ (La Última Tentación de Cristo). Más tarde, exploraría la vida del Dalai Lama en ‘Kundun’ (1997) y la persecución de los jesuitas en Japón en ‘Silence’ (Silencio, 2016).El nuevo documental, Mr. Scorsese, que se estrena en Apple TV+ el 17 de octubre, promete ofrecer una mirada íntima a la mente de un artista cuya obra está profundamente marcada por la batalla entre lo sagrado y lo profano.

La película dirigida por Johnny Depp, ‘Modi’, llega a cines en noviembre

El más reciente proyecto de Johnny Depp detrás de las cámaras, ‘Modi: Three Days on the Wings of Madness’, ya tiene fecha para llegar a los cines de Norteamérica. La productora del actor, In.2 Film, ha anunciado que la película se estrenará en salas selectas el 7 de noviembre.

Este es el primer largometraje que Depp dirige desde su debut en 1997 con The Brave, marcando su regreso a la silla del director después de 28 años. La película es una biopic sobre el pintor italiano Amedeo Modigliani y está protagonizada por el actor italiano Riccardo Scamarcio en el papel principal y la leyenda del cine Al Pacino como el coleccionista de arte Maurice Gangnat.

La película, basada en una obra de teatro de Dennis McIntyre, narra un caótico período de 72 horas en la vida del artista en el París de 1916, mientras huye de la policía y contempla abandonar su carrera.

“Una Experiencia Increíblemente Gratificante”

Depp ha descrito la realización de la película como una “experiencia increíblemente gratificante y transformadora”. En declaraciones anteriores, agradeció profundamente al elenco y al equipo por su compromiso y, en particular, a Al Pacino, revelando que fue el propio Pacino quien le pidió que dirigiera el proyecto.

“¿Cómo podría negarme a Pacino?”, declaró Depp. “Un sincero agradecimiento por contribuir generosamente con su talento y dedicación a este proyecto. Modi es un testimonio del espíritu colaborativo del cine independiente, y estoy emocionado de presentar esta historia única y convincente al mundo”.

Un Estreno que Viene de Festivales

Modi ya ha tenido un recorrido por el circuito de festivales, con estrenos en los prestigiosos festivales de San Sebastián y Roma en 2024, donde comenzó a generar las primeras impresiones de la crítica.

Para Depp, de 62 años, este proyecto representa un regreso a sus pasiones más artísticas y personales, alejándose de los grandes blockbusters para centrarse en una historia que claramente le apasiona. Su regreso como director es uno de los eventos más curiosos y esperados del cine independiente de este otoño.

‘Marty Supreme’: Primeras críticas elogian la actuación de Timothée Chalamet

Las primeras reacciones a ‘Marty Supreme’, el nuevo drama deportivo dirigido por Josh Safdie y protagonizado por Timothée Chalamet, han sido abrumadoramente positivas, con muchos críticos calificándola como “la mejor película del año” y elogiando la actuación de Chalamet como “la de toda una vida”. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Nueva York este lunes.

La cinta, que se estrenará en cines el 26 de diciembre, es el primer trabajo de Josh Safdie en solitario, sin su hermano Benny. En ella, Chalamet interpreta a Marty Mauser, un joven con el sueño de conquistar el mundo del tenis de mesa, una ambición que nadie a su alrededor parece tomar en serio. La historia está inspirada en la vida del legendario jugador Marty Reisman, conocido como el “mago del tenis de mesa”.

¿La Mejor Actuación de Chalamet?

La interpretación de Timothée Chalamet, quien reveló haber pasado meses entrenando tenis de mesa para el papel, es el punto más destacado de las primeras reacciones. El escritor Diego Andaluz la calificó como “la actuación de toda una vida” en una película que es “una fuerza cinematográfica inolvidable e impresionante que funciona en todos los cilindros”.

Otro crítico afirmó: “Marty Supreme es otra obra maestra de los Safdie y de alguna manera aún más inductora de ansiedad que . Esta película es la prueba de que Timothée Chalamet es un actor increíble cuando se le da el material adecuado”.Con un director en estado de gracia y una de las estrellas más grandes del planeta entregando lo que muchos ya llaman la mejor actuación de su carrera, Marty Supreme se ha posicionado instantáneamente como una de las principales contendientes para la próxima temporada de premios.

Reencuentro de Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga en Bellas Artes

El Palacio de Bellas Artes fue testigo de un momento que ya es historia del cine mexicano. En la celebración por el 25º aniversario de Amores Perros, su director, Alejandro González Iñárritu, y su guionista, Guillermo Arriaga, se reencontraron públicamente en el escenario, poniendo fin a una de las disputas más conocidas y dolorosas del cine nacional.

En un gesto cargado de simbolismo, ambos compartieron un comunicado conjunto anunciando su reconciliación. “Luego de años enemistados, hemos resuelto dejar atrás nuestras desavenencias y retornar a la amistad que nos unió”, leyeron ante una audiencia que los recibió con una ovación de pie.

La función conmemorativa, organizada por la Secretaría de Cultura, IMCINE y el INBAL, no solo celebró una película, sino el resurgimiento de una de las duplas creativas más importantes que ha dado México.

“Una Invitación a Sentir lo que Nunca Fue”

“En un mundo cada vez más polarizado… creemos que dar este paso puede brindar un ejemplo de concordia y de voluntad”, continuó el comunicado. “Hoy pesan más las voces de nuestras familias y de la gente que nos quiere… que hemos decidido recuperar”.

Este reencuentro se produce en un momento en que Iñárritu también celebra el aniversario de la película con la instalación artística ‘SUEÑO PERRO’, que presenta material inédito del filme. La reconciliación añade una nueva y poderosa capa de significado a estas celebraciones.

Una Noche de Cine y Música

Tras el emotivo reencuentro, se proyectó la versión restaurada en 4K de , supervisada por el propio Iñárritu y el director de fotografía Rodrigo Prieto.

La noche culminó con un concierto especial del legendario Gustavo Santaolalla, compositor de la icónica banda sonora, quien interpretó en vivo las piezas que definieron la atmósfera de la película.A 25 años de su estreno, Amores Perros sigue siendo una obra fundamental, la película que transformó el cine mexicano y lanzó a una generación de cineastas al escenario mundial. El reencuentro de sus creadores no es solo el cierre de un círculo, sino un recordatorio del poder del arte para unir, sanar y, finalmente, trascender.

Fans critican a Amazon por alterar los pósters de James Bond

Amazon, el nuevo propietario de la icónica franquicia de James Bond, ha provocado la ira de los seguidores del agente 007 tras realizar una serie de extraños y controvertidos cambios en los pósters clásicos de las películas: eliminaron digitalmente todas las pistolas de las manos del espía.

Fans con vista de águila notaron recientemente que las imágenes en miniatura de las películas en la plataforma de streaming Prime Video habían sido alteradas. En algunos casos, se utilizó un Photoshop de dudosa calidad para borrar el arma; en otros, simplemente se recortó la imagen para dejar la pistola fuera de cuadro.

La reacción en línea fue tan inmediata y negativa que, según Variety, Prime Video en el Reino Unido ha vuelto a cambiar las imágenes. Sin embargo, en un movimiento que muchos consideran igualmente deliberado, los pósters alterados han sido reemplazados por fotogramas de las películas en los que Bond no lleva su pistola.

¿Una Nueva Visión “Políticamente Correcta”?

Aunque Amazon se ha negado a comentar sobre el asunto, la decisión es vista por muchos como un intento de “sanitizar” la imagen de un personaje cuya pistola Walther PPK es tan icónica como su Martini. El cambio ha reavivado el debate sobre la corrección política en el arte y si las obras del pasado deben ser alteradas para ajustarse a las sensibilidades modernas.

La controversia es particularmente notable dado el contexto de la adquisición de la franquicia. Amazon compró los derechos del personaje al adquirir MGM y, según reportes, pagó una suma adicional a los productores de toda la vida, Eon Productions, para obtener el control creativo total, después de repetidos enfrentamientos sobre la visión del futuro de Bond.

El Futuro de 007 en Manos de Amazon

Mientras esta polémica visual se desarrolla, el futuro cinematográfico de Bond bajo el mando de Amazon ya está en marcha. Se ha confirmado que el director Denis Villeneuve (Dune) y el guionista Steven Knight (Peaky Blinders) estarán a cargo de la próxima película.

Sin embargo, la búsqueda del actor que reemplazará a Daniel Craig continúa, con informes que sugieren que buscan un “rostro nuevo”. Esta primera y controvertida decisión de marketing de Amazon ha dejado a muchos fans preocupados sobre la dirección que tomará la franquicia bajo su nueva administración. 

Jane Fonda y 550 celebridades se unen para defender la libertad de expresión

Inspirada por el tenso clima político actual, la legendaria actriz y activista Jane Fonda ha anunciado la reactivación del Comité por la Primera Enmienda, un grupo de defensa de la libertad de expresión fundado originalmente después de la Segunda Guerra Mundial y que contó con su padre, el actor Henry Fonda, entre sus miembros.

El renovado comité ya cuenta con el apoyo de más de 550 figuras de primer nivel de Hollywood, incluyendo a Spike Lee, Aaron Sorkin, Ben Stiller, Pedro Pascal, Viola Davis, Billie Eilish, Barbra Streisand y Ethan Hawke, entre muchos otros.

En un contundente comunicado, Fonda trazó un paralelismo entre el macartismo de los años 50 —una campaña de persecución contra supuestos comunistas en Hollywood— y el “agudo ascenso de la política autoritaria” actual.

“Es Nuestro Turno de Defender Nuestros Derechos”

“La Era McCarthy terminó cuando los estadounidenses de todo el espectro político finalmente se unieron y defendieron los principios de la Constitución contra las fuerzas de la represión”, declaró Fonda. “Esas fuerzas han regresado. Y es nuestro turno de unirnos en defensa de nuestros derechos constitucionales”.

La actriz de 87 años afirmó que la libertad de expresión es fundamental tanto para el trabajo de Hollywood como para la supervivencia de las naciones libres y democráticas. “La capacidad de criticar, cuestionar, protestar e incluso burlarse de quienes están en el poder es fundamental para lo que Estados Unidos siempre ha aspirado a ser”.

Una Respuesta a la Controversia de Jimmy Kimmel

El resurgimiento de este comité histórico se produce, sin duda, como una respuesta directa a la reciente y controvertida suspensión del programa de Jimmy Kimmel. La decisión de ABC de sacar del aire al presentador, tras las presiones de la FCC por sus comentarios políticos, fue vista por muchos en la industria como un peligroso acto de censura.

El comité original se formó en 1947 para apoyar a los “Diez de Hollywood”, un grupo de creativos que fueron incluidos en una lista negra por sus supuestas afiliaciones comunistas. Aunque en su momento su impacto fue limitado, la esperanza es que esta nueva encarnación, con un apoyo masivo y en un contexto diferente, pueda marcar una diferencia.

El regreso de Kimmel al aire, impulsado en parte por la protesta pública, parece ser la primera victoria en una batalla que, según estas 550 estrellas, apenas comienza. 

Michelle Pfeiffer revela cómo consiguió el papel de Elvira en ‘Scarface’

Michelle Pfeiffer ha revelado la increíble y sangrienta historia de cómo consiguió el icónico papel de Elvira Hancock en el clásico de 1983, Scarface. Según la actriz, fue un accidente con platos rotos, que terminó con Al Pacino herido, lo que finalmente convenció al legendario actor de que ella era la indicada.

En una reciente aparición en el podcast SmartLess, Pfeiffer recordó el largo y arduo proceso de audición. Aunque el director, Brian De Palma, la quería para el papel, Al Pacino no estaba convencido. “Al lo admitirá, pero él realmente no me quería para el papel”, confesó.

La actriz explicó que, tras una primera audición brillante, sus nervios la traicionaron en las siguientes pruebas. “En el transcurso de dos meses, me puse cada vez peor y peor, porque simplemente tenía miedo. Y al final, era mala”, relató. “No lo culpo [a Pacino]. Él simplemente pensaba: ‘[Ella] es mala'”.

“No me Importaba, Sabía que no Iba a Conseguir el Papel”

Después de que De Palma le dijera que no iba a funcionar, Pfeiffer se sintió aliviada de que el proceso hubiera terminado. Sin embargo, un mes después, la llamaron para una última prueba de cámara. “Me presenté y ya no me importaba nada, porque sabía que no iba a conseguir el papel”, recordó.

Irónicamente, esa actitud de despreocupación fue la clave. La escena a interpretar era la famosa explosión de Elvira en el restaurante. Liberada de la presión, Pfeiffer dio lo que considera “mi mejor trabajo de la película”.

El Accidente que lo Cambió Todo

Fue un accidente lo que selló el trato. “Barrí la mesa con los platos, los vasos se rompieron, los platos se rompieron, ¡corten!”, contó. “Hay sangre por todas partes. Todos corren hacia mí para ver dónde me había cortado. Bueno, no me corté yo. Corté a Al. Lo corté en el dedo o algo así“.

“Pensé: ‘Bueno, ahí se fue el papel'”, continuó. “Pero, en realidad, creo que ese fue el día en que [Pacino] dijo: ‘Sí, sí. Creo que, sí, no es mala'”.

La anécdota no solo revela la intensidad detrás de la creación de un clásico, sino que también demuestra cómo un momento de caos y sangre reales pudo convencer a una leyenda de que había encontrado a su pareja perfecta en la pantalla.

Las escenas perdidas de ‘Amores Perros’ que Iñárritu guardó por 25 años

Para celebrar el 25º aniversario de su ópera prima, la icónica ‘Amores Perros’, el cineasta ganador del Oscar, Alejandro González Iñárritu, ha creado una nueva y ambiciosa instalación artística titulada ‘SUEÑO PERRO’. Esta experiencia sensorial, que se presentará en la Ciudad de México, Milán y Los Ángeles, desenterrará imágenes nunca antes vistas de la película, ofreciendo una nueva mirada a la obra que lo catapultó a la fama mundial.

La instalación llegará a LagoAlgo, en la Ciudad de México, del 5 de octubre de 2025 al 4 de enero de 2026. Se trata de un laberinto con poca luz, donde proyectores analógicos de 35 mm mostrarán un flujo continuo de estos fragmentos olvidados, acompañados por un paisaje sonoro creado especialmente para la ocasión.

Estas viñetas, descartadas en la sala de montaje y enterradas durante un cuarto de siglo en los archivos de la UNAM, capturan la cruda realidad sociopolítica de la Ciudad de México de principios de milenio, temas que, según el director, siguen siendo relevantes décadas después.

Un Homenaje al Celuloide en la Era Digital

En el corazón de ‘SUEÑO PERRO’ hay una profunda reverencia por la materialidad del cine analógico. En una era dominada por la inteligencia artificial y la sobresaturación digital, Iñárritu invita a los espectadores a un paisaje de memoria táctil y humano. El grano físico, los destellos y la calidez del celuloide de 35 mm son elementos centrales de la experiencia.

“En una era de inteligencia artificial y sobresaturación digital, Iñárritu invita a los espectadores a adentrarse en un paisaje de memoria analógico, táctil y creado por el hombre, en el que el pasado parpadea de forma inalcanzable”, se lee en la descripción oficial.

“Una Resurrección, no un Homenaje”

El propio Iñárritu ha explicado que esta instalación no es un simple ejercicio de nostalgia. “Quedaron más de un millón de pies de película en la sala de montaje”, recordó. “Con motivo del aniversario de la película, me sentí obligado a volver a visitar y explorar estos fragmentos abandonados”.

“Desprovista de toda narrativa, esta instalación no es un homenaje sino una resurrección, una invitación a sentir lo que nunca fue”, afirmó el director. “Es como conocer a un viejo amigo que nunca hemos visto antes”.

‘SUEÑO PERRO’ se perfila como uno de los eventos culturales más importantes del año, una oportunidad única para sumergirse en la mente de uno de los cineastas más importantes de nuestro tiempo y redescubrir una obra maestra desde una perspectiva completamente nueva.

Ridley Scott dice que prefiere ver sus propias películas que las actuales

El legendario director Ridley Scott, conocido por ser tan brillante como franco, ha lanzado una dura crítica contra el estado actual del cine, afirmando que la mayoría de las películas modernas son “mierda” y que, en su lugar, ha comenzado a volver a ver sus propias obras.

En una reciente charla en el BFI Southbank, el director de clásicos como Blade Runner, Alien y Gladiator no se guardó nada. “La cantidad de películas que se hacen hoy en día, literalmente a nivel global, son millones. No miles, millones… y la mayor parte es mierda”, sentenció.

Scott, de 87 años, sugirió que los efectos digitales se utilizan para “salvar y encarecer” películas que no tienen “una gran idea sobre el papel primero”. Su diagnóstico fue contundente: “Ahora mismo, estoy encontrando mediocridad, nos estamos ahogando en la mediocridad”.

“Son Bastante Buenas y no Envejecen”

La solución del director a este panorama desolador ha sido recurrir a su propio y aclamado catálogo. “Así que lo que hago —es algo horrible— es que he empezado a ver mis propias películas, ¡y en realidad son bastante buenas! Y además, no envejecen”, afirmó.

“Vi Black Hawk Down la otra noche y pensé: ‘¿Cómo demonios me las arreglé para hacer eso?'”, continuó. A pesar de su pesimismo, Scott admitió que “ocasionalmente, sale una buena [película], y es un alivio que haya alguien ahí fuera haciendo un buen cine”.

Su Visión sobre ‘Alien’ y el Fin de una Era

Scott también aprovechó para hablar de Alien, la franquicia de ciencia ficción que él mismo inició. A principios de este año, descartó volver a dirigir una película de la saga, argumentando que ya ha “hecho suficiente”.

Su opinión sobre el rumbo que tomó la franquicia también es dura. “Creo que la mía fue bastante buena, y creo que la de [James] Cameron fue buena, y tengo que decir que el resto no fueron muy buenas”, declaró. “Y pensé: ‘Joder, ese es el final de una franquicia que debería ser tan importante como Star Trek o Star Wars'”.

Las declaraciones de Ridley Scott, un maestro que ha definido géneros enteros, son un llamado de atención a una industria que, según él, ha priorizado la cantidad sobre la calidad.

Vin Diesel habla sobre el final de la saga ‘Fast & Furious’

Vin Diesel ha roto su silencio, aunque de manera críptica, ante los crecientes rumores de que la película final de la saga Fast & Furious enfrenta una posible cancelación. A través de una serie de publicaciones en Instagram, la estrella y productor de la franquicia ha reafirmado su compromiso con la “familia” y la “creatividad”.

Los rumores surgieron a raíz de un reciente informe de The Wall Street Journal, que sugería que el destino de la película está en el aire. Según el reporte, Universal no tiene un guion completo y quiere que el presupuesto se mantenga por debajo de los 200 millones de dólares (3,700 millones de pesos), mientras que el borrador actual ronda los 250 millones.

En respuesta, Diesel ha publicado mensajes que parecen abordar indirectamente la situación. “A menudo he dicho… La creatividad es la clave de todo. Cuando mantienes la integridad, el resto sigue”, compartió este fin de semana.

“Esta Familia te Responde a Ti”

En una publicación anterior junto a su coprotagonista Michelle Rodriguez (Letty), Diesel fue más directo al hablar del futuro de la franquicia y su conexión con los fans, por encima de las decisiones corporativas.

“A través de cada cambio corporativo, cada reorganización de la junta directiva, cada nuevo régimen, una cosa nunca ha flaqueado… ¡la conexión entre la familia Fast y los fans de todo el mundo!”, escribió. “Ese vínculo es inquebrantable. Eso es lo que trasciende las decisiones de negocios y los resultados finales“.

Dirigiéndose a los fans, Diesel prometió: “Lo que estamos construyendo a continuación honrará todo lo que aman de Fast… Porque no importa quién escriba los cheques, esta familia te responde a ti“.

¿Regresará Brian O’Conner?

A pesar de los problemas reportados, Vin Diesel sigue adelante con su visión para el gran final. En junio, reveló las “tres condiciones” que le puso al estudio, que incluyen regresar la saga a sus raíces en Los Ángeles, volver a la cultura de las carreras callejeras y, la más controvertida, reunir a Dom y al personaje del fallecido Paul Walker, Brian O’Conner, presumiblemente a través de tecnología digital.

Mientras el estudio y su estrella parecen estar en una encrucijada entre la visión creativa y las limitaciones económicas, los fans de la saga, una de las más taquilleras de la historia, esperan ansiosos una resolución.