Noel Gallagher y Gibson lanzan la guitarra Les Paul Standard Signature

Noel Gallagher, el cerebro creativo de Oasis, y la legendaria marca de guitarras Gibson, han unido fuerzas para lanzar uno de los instrumentos más esperados por los fanáticos del rock británico: el nuevo modelo Noel Gallagher Les Paul Standard. Esta guitarra es una réplica del instrumento que el músico ha estado utilizando en la masiva y exitosa gira de reunión de Oasis.

Diseñada por el propio Gallagher y construida por Gibson USA, la guitarra signature tiene un precio de 2,999 dólares (aproximadamente 52,500 pesos) y está disponible por tiempo limitado a través de distribuidores autorizados y en las tiendas Gibson Garage de Londres y Nashville.

La Guitarra de la Reunión Más Grande del Siglo XXI

Este nuevo modelo es una versión más accesible de la guitarra original de la Gibson Custom Shop de Noel, una edición súper exclusiva de solo 25 unidades que se convirtió en su arma principal para “la reunión de rock ‘n’ roll más grande del siglo XXI”.

“Esta guitarra es simplemente demasiado icónica y genial para no ser lanzada de forma más amplia y ponerla en las manos de más fans,” dijo Lee Bartram de Gibson en un comunicado. “Esta versión de Gibson USA abraza ese legado, capturando un momento histórico en la música en vivo británica y global.”

Especificaciones de un Sonido Legendario

El instrumento ha sido diseñado para replicar el sonido y la sensación preferida de Gallagher. Cuenta con un cuerpo de caoba sólido y un mástil con el perfil SlimTaper, conocido por su comodidad. La firma del artista adorna la parte posterior del clavijero.

Una de las características más distintivas es su elección de pastillas: un par de Gibson P-90 “Soapbar” cubiertas de cromo, que le dan a la guitarra un sonido más crudo y con más mordida que las Les Paul tradicionales, un elemento clave del tono de Noel. El look se completa con un golpeador negro de cinco capas, similar al de los modelos Les Paul Custom.

El paquete se complementa con un estuche rígido de Gibson, consolidando este lanzamiento como una pieza de colección para cualquier devoto del Britpop y del sonido que definió a los años 90.

La noticia llega mientras Oasis se encuentra en medio de su aclamada gira de reunión, con próximas fechas en Australia y Sudamérica. La posibilidad de más conciertos sigue en el aire, gracias a las constantes insinuaciones del propio hermano de Noel, Liam Gallagher.

La lucha de Jon Bon Jovi con el envejecimiento

Jon Bon Jovi, el icónico líder de la banda Bon Jovi y uno de los grandes sex symbols de los años 80 y 90, ha admitido que ha tenido que “aceptar” el proceso de envejecimiento, revelando que extraña su apariencia de décadas pasadas pero que se niega a recurrir a mejoras cosméticas.

En una sincera entrevista en el podcast “How to Fail”, el cantante de 63 años habló con una franqueza poco común sobre la lucha interna que ha enfrentado con su imagen a lo largo de los años, especialmente con la llegada de las canas.

“Tuve que llegar a un acuerdo con tener el pelo canoso,” explicó. “Cuando los estilistas me ponían tinte, lo odiaba. Así que, hace unos 12 o 13 años, simplemente dije: ‘Al diablo con eso’. No lo haría más, y así tuve que aceptar el envejecimiento.”

Un Ícono que Extraña su Pasado, pero se Niega a las Cirugías

El legendario rockero, cuya imagen adornó las paredes de millones de adolescentes, confesó que ver fotos suyas de ahora no siempre es fácil. “Miro fotos mías ahora y no estoy feliz con ellas. Miro las de cuando tenía 30, 40, 50, y pienso: ‘Sí, preferiría verme así’, pero no es el caso,”* admitió.

A pesar de esta nostalgia, Bon Jovi fue categórico en su rechazo a la cirugía plástica y otros procedimientos para alterar su apariencia, una postura firme en una industria obsesionada con la juventud.

“Nunca me haré una cirugía, mi pelo es canoso y al menos todavía tengo todo mi pelo. No he tenido ninguna cirugía, operación, inyecciones de Botox, retoques en los ojos o en los labios, o lo que sea que se haga en estos días. No me interesa nada de eso, ni lo haría,” sentenció.

“Salud” y “Familia”: La Nueva Medida del Éxito

Al reflexionar sobre las lecciones que ha aprendido con la edad, la estrella de rock señaló a la “salud” como la “clave del universo”, insistiendo en que puede esperar muchos más años de felicidad si cuida su cuerpo.Cuando se le preguntó cómo mide el éxito en la vida a estas alturas, su respuesta se alejó de los discos de platino y los estadios llenos. “No se mide en términos de números. Los números no significan nada, no son relevantes,” afirmó. “Las relaciones, la familia, el legado. No necesariamente en ese orden. La familia obviamente sería lo primero. Mantener a mi familia cuerda y unida sería el número uno.”

Mariah Carey y la Navidad: Su reacción a la anticipación de los fans

Cuando Mariah Carey habla, el mundo escucha, especialmente cuando se trata de la temporada navideña. La indiscutible “Reina de la Navidad” ha respondido de manera humorística a la creciente anticipación de sus fanáticos, publicando un divertido video en sus redes sociales para recordarles a todos una cosa muy importante: todavía no es tiempo de Navidad.

Durante años, se ha convertido en una tradición no oficial que Carey inaugure la temporada festiva el 1 de noviembre. Sin embargo, en un nuevo video, la leyenda de la música juega con esta expectativa. En el clip, se le ve en varios momentos de su día mientras la cámara la acecha, esperando escuchar su icónico grito agudo de “¡Ya es hora!”.

En lugar de eso, una Mariah visiblemente “harta” pero juguetona, responde con frases como “¡Dije que todavía no!” y “¡Aún no es tiempo!”, culminando con un melódico “todavía no” mientras su equipo de glamour la prepara. Con este gesto, la cantante le pide al mundo que le permita a Halloween tener su momento antes de que su himno “All I Want for Christmas Is You” se apodere de las ondas de radio.

Un Ícono que Abraza su Propio Meme

El video es una muestra del gran sentido del humor de Carey y de cómo ha sabido abrazar el fenómeno cultural que ella misma inspira cada año. La idea de que Mariah “descongela” o “despierta” el 1 de noviembre se ha convertido en un meme global, y la artista participa activamente en él, marcando el inicio de la Navidad para millones de personas.

Este divertido recordatorio llega en un momento de renovado reconocimiento para la carrera de la cantante. El mes pasado, durante los MTV Video Music Awards 2025, Carey recibió el prestigioso Michael Jackson Video Vanguard Award, el máximo honor de la ceremonia. Durante la gala, ofreció una espectacular actuación que abarcó toda su discografía, desde clásicos como “We Belong Together” hasta material de su más reciente álbum.

Su decimosexto álbum de estudio, “Here for It All”, lanzado hace unas semanas, también ha sido un éxito, debutando en el Top 10 de la lista Billboard 200 y demostrando que su poder como artista sigue intacto.

Por ahora, la Reina de la Navidad ha hablado: las calabazas y los fantasmas tienen unos días más de protagonismo. Pero todos sabemos que, en cuanto el reloj marque la medianoche del 31 de octubre, el mundo estará listo para escucharla cantar.

Super Bowl 2026: Sting Encabezará un Concierto Especial

La NFL está añadiendo una dosis de rock clásico a la alineación musical del Super Bowl LX. La leyenda británica Sting encabezará un concierto especial y exclusivo en San Francisco, dos días antes de que se celebre el gran partido y el esperado espectáculo de medio tiempo.

El ex-líder de The Police y superestrella en solitario se presentará en un evento íntimo denominado “Super Bowl LX Studio 60”. El concierto se llevará a cabo en el icónico Palace of Fine Arts de San Francisco, un escenario que promete ofrecer a los fanáticos la oportunidad de ver al artista “de cerca y en persona”.

Este anuncio, realizado por On Location, el proveedor oficial de hospitalidad de la NFL, complementa el show de medio tiempo, que este año estará a cargo del artista puertorriqueño Bad Bunny.

Una Alternativa de Rock Clásico para el Fin de Semana Más Grande del Deporte

La inclusión de Sting en los eventos oficiales del Super Bowl ofrece una atractiva alternativa para los amantes del rock. Mientras que el espectáculo de medio tiempo se ha inclinado hacia el pop y los sonidos urbanos en los últimos años, la presencia de una figura de la talla de Sting asegura que la tradición del rock clásico siga siendo una parte fundamental del fin de semana más importante del deporte estadounidense.

El concierto “Studio 60” está diseñado como una experiencia de lujo que combina entretenimiento musical de primer nivel en uno de los lugares más emblemáticos de San Francisco.

Una Carrera Llena de Éxitos

Con una carrera que abarca casi cinco décadas, Sting es uno de los músicos más respetados y exitosos del mundo. Desde sus días como el cerebro creativo de The Police, con himnos como “Every Breath You Take” y “Roxanne”, hasta su aclamada carrera en solitario con éxitos como “Fields of Gold” y “Englishman in New York”, su catálogo es una garantía de calidad y nostalgia.El Super Bowl LX se celebrará el 8 de febrero de 2026 en el Levi’s Stadium en Santa Clara, California, y será transmitido en vivo por NBC. La adición de Sting a la celebración consolida el evento como una verdadera fiesta musical que busca atraer a audiencias de todos los gustos y generaciones.

Stewart Copeland de The Police rinde tributo a Jimi Hendrix

Stewart Copeland, el legendario baterista de The Police, ha revelado cómo un álbum de Jimi Hendrix alteró por completo su trayectoria musical, desviándolo del jazz y llevándolo hacia el rock. En una nueva serie de videos de Ultimate Classic Rock que celebra el legado de “Axis: Bold as Love”, Copeland y otras leyendas de la música han compartido el profundo impacto que tuvo en ellos el segundo disco de The Jimi Hendrix Experience.

Lanzado apenas seis meses después de su debut, “Axis: Bold as Love” (1967) mostró una sofisticación y una madurez compositiva que consolidaron a Hendrix no solo como un guitarrista virtuoso, sino como un artista visionario.

“No Sabía si Quería ser Jimi o Mitch Mitchell”

En su testimonio, Copeland confiesa que el álbum cambió su vida. “Axis: Bold as Love cambió mi destino como músico. Fui criado para ser un músico de jazz, y todo iba genial,” reveló. *”Y entonces aparecen Jimi Hendrix y [el baterista] Mitch Mitchell. Esa lucha de poder, esa batalla campal, esa pelea a puñetazos… no podía decidir si quería ser Jimi o ser Mitch Mitchell.”

El baterista de The Police describe la fascinación que sintió por esa dinámica explosiva. “De alguna manera, tenía que haber una forma de ser ambos. Y en este álbum, al menos podía escucharlos a los dos,” concluyó.

Un Salto Hacia la Composición y el Alma

Otros músicos icónicos se hicieron eco de la admiración de Copeland. Paul Rodgers, vocalista de Bad Company, elogió la belleza de “Little Wing”, describiendo sus letras como “muy al estilo de Dylan” y la interpretación como “poderosa y sensible”. Rodgers también destacó el rol del bajista Noel Redding como el ancla que “mantenía todo sólido mientras los otros dos genios se iban volando al éter con su creatividad”.

Por su parte, el guitarrista Eric Johnson subrayó el increíble crecimiento de Hendrix como compositor en este segundo disco. “Are You Experienced fue una contribución descomunal a la guitarra extravagante,” detalló. “Pero Axis llegó muy rápido después y de inmediato se sintió como una desviación; se trataba más de canciones, letras y melodías.”

Billy F. Gibbons, de ZZ Top, resumió la hazaña de Hendrix: “Como todos sospechan, es difícil hacer un segundo álbum después de un gran debut. Y sin embargo, ‘Axis: Bold as Love’ regaló a los fans algunas de las mejores cosas que Jimi hizo en toda su carrera.”Para celebrar este legado, el próximo 7 de noviembre se lanzará una caja de lujo de “Axis: Bold as Love” que incluirá 40 versiones alternativas, tomas de estudio inéditas, demos y actuaciones en vivo, 28 de las cuales nunca antes habían sido publicadas.

De “Enola Gay” a “If You Leave”: La influencia de OMD en los 80

A finales de los años 70, en un panorama musical británico post-punk, dos jóvenes de Liverpool decidieron que el futuro de la música no estaba en las guitarras, sino en los sintetizadores. Andy McCluskey y Paul Humphreys, bajo el nombre de Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD), se convirtieron en los arquitectos de un sonido que definiría los 80: el synth-pop. Su genialidad residió en ponerle un corazón melancólico a la frialdad de las máquinas.

Más que una simple banda de éxitos, OMD fue un laboratorio de experimentación pop. A continuación, un recorrido por las canciones que cimentaron su legado y demostraron que la música electrónica podía ser inteligente, emotiva y masivamente popular.

“Electricity” (1979)


La chispa que lo inició todo. Producida por Martin Hannett (el genio detrás de Joy Division), esta canción es OMD en su estado más puro y crudo. Con una melodía de sintetizador simple pero insistente y un ritmo de caja de ritmos casi robótico, “Electricity” es un homenaje directo a sus héroes, Kraftwerk. Es la energía del post-punk canalizada a través de la electrónica, un manifiesto de su sonido temprano.

“Enola Gay” (1980)


La canción que los catapultó al estrellato mundial es una obra maestra de la contradicción: una de las melodías de sintetizador más alegres y bailables de la historia acompaña una letra sobre el bombardero que lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima. Esta yuxtaposición entre un tema oscuro y un pop infeccioso se convirtió en una de las firmas de la banda, demostrando que la música de baile también podía hacer pensar.

“Souvenir” (1981)


Con la voz principal de Paul Humphreys, “Souvenir” es la encarnación de la belleza melancólica de OMD. La canción destaca por su innovador uso de loops vocales procesados, que crean una atmósfera etérea y fantasmal. Fue una de las primeras canciones pop en utilizar esta técnica de manera tan prominente, abriendo el camino para el dream pop y el chillwave de décadas futuras.

“Joan of Arc / Maid of Orleans” (1981/1982)


OMD demostró su ambición con este díptico de canciones dedicadas a la heroína francesa. Especialmente “Maid of Orleans”, con su ritmo marcial de caja de ritmos y su épica melodía de sintetizador, es una pieza de pop cinemático. Es una prueba de que podían crear paisajes sonoros grandiosos, casi como una banda sonora para una película que solo existía en su imaginación.

“If You Leave” (1986)


La canción que los hizo inmortales en Estados Unidos. Escrita en menos de 24 horas para la escena final de la película de John Hughes, “La Chica de Rosa” (Pretty in Pink), “If You Leave” es la balada de synth-pop por excelencia. Su atmósfera agridulce, su saxofón melancólico y su inolvidable clímax emocional la convirtieron en el himno de los amores adolescentes de toda una generación y en su éxito más grande en el mercado estadounidense.

El legado de OMD es inmenso. Bandas como The Killers, LCD Soundsystem y The xx han citado su influencia. Fueron la prueba de que se podía ser experimental y comercial, cerebral y emocional, todo al mismo tiempo.

Duran Duran lanza nueva versión de “Shadows on Your Side” por Halloween

Duran Duran se ha sumergido por completo en el espíritu de la temporada, lanzando una nueva y espeluznante re-grabación de “Shadows on Your Side”, un clásico de su aclamado álbum de 1983, Seven and the Ragged Tiger. La nueva versión, inspirada en “la locura y la alegría de Halloween”, ya está disponible en todas las plataformas digitales.

El tecladista Nick Rhodes explicó la motivación detrás de este lanzamiento sorpresa, que reimagina la canción con un sonido moderno y una atmósfera oscura. La nueva versión cuenta con un groove bailable de estilo house, ritmos contundentes y voces procesadas con auto-tune, pero se desvía a mitad de camino hacia un paisaje sonoro ambiental y siniestro antes de regresar a la pista de baile.

El Regreso de un Miembro Original

Una de las sorpresas más gratas para los seguidores de la banda es la inclusión de nuevas partes de guitarra grabadas por el guitarrista original, Andy Taylor. La participación de Taylor, una pieza clave del sonido que catapultó a Duran Duran al estrellato mundial en los 80, añade una capa de autenticidad y nostalgia a esta moderna reinterpretación.

Un Concierto Secreto para Halloween

Además de la nueva canción, la banda ha presentado una película de concierto temática titulada “Secret Oktober”. El filme captura el show especial de Halloween que la banda ofreció en el Encore Theatre de Las Vegas en 2022. El título es un guiño a una de sus caras B más queridas de los años 80. La película estará disponible para su transmisión bajo demanda hasta el 3 de noviembre.

Este lanzamiento temático no es una sorpresa para quienes han seguido a la banda recientemente. Su último álbum de estudio, “Danse Macabre” de 2023, también fue un proyecto conceptual inspirado en Halloween, que incluía una mezcla de canciones nuevas, covers y reversiones de su propio catálogo.

Con una nueva versión de un clásico, un concierto especial y una serie de fechas de gira programadas, Duran Duran demuestra que, a más de cuatro décadas de su formación, su creatividad sigue tan vibrante y festiva como siempre.

La historia detrás del video “Zombie” de The Cranberries

“Zombie”, el himno inmortal de The Cranberries, es una de las canciones de protesta más poderosas de los años 90. Ahora, un nuevo featurette de Vevo Footnotes desvela los secretos detrás de su icónico y desgarrador video musical, revelando la inspiración, los riesgos de su filmación y el legado de un grito que sigue resonando.

El tema, lanzado como el primer sencillo de su segundo álbum de 1994, “No Need to Argue”, marcó un giro abrupto en el sonido de la banda. Dejando atrás el pop de guitarras melódicas de su debut, The Cranberries adoptó un sonido más pesado y distorsionado, canalizando la furia del grunge para abordar el conflicto de Irlanda del Norte, conocido como “The Troubles”.

Un Grito Contra la Violencia: El Origen de la Canción

La fallecida vocalista Dolores O’Riordan explicó en su momento que la canción fue una reacción directa a la violencia. “Me sentí provocada a escribir la canción porque no estaba contenta con el hecho de que personas inocentes estuvieran siendo asesinadas,” declaró, una cita que recupera el nuevo documental. La letra fue específicamente inspirada por el atentado del IRA en Warrington en 1993, donde dos niños perdieron la vida.

El guitarrista Noel Hogan añade en el featurette que el cambio de sonido fue una progresión natural. “Nos volvimos mucho más pesados en vivo,” explica, justificando la intensidad sónica de la canción.

Filmando en el Corazón del Conflicto: La Visión de Samuel Bayer

Para un tema tan potente, necesitaban un video a la altura. La banda reclutó a Samuel Bayer, el director que acababa de definir la estética de una generación con el video de “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana. Bayer decidió filmar en las calles de Belfast, en el corazón del conflicto, para capturar la tensión real de la ocupación militar británica.

El featurette revela una anécdota escalofriante del rodaje: en una memorable escena, un soldado británico apuntó su arma directamente a la cámara. Bayer cuenta que el soldado se relajó al saber que estaban filmando un video para The Cranberries, pero aun así, les ordenó que se fueran.

El video intercala estas imágenes documentales con las ahora icónicas tomas de una Dolores O’Riordan pintada de oro, rodeada de querubines, una poderosa metáfora visual de las víctimas inocentes.

El Legado de un Clásico Atemporal

El video fue un éxito masivo en MTV, pero la canción también dominó la radio. “Nos dijeron que es la canción más reproducida en la radio alternativa en la historia de Estados Unidos,” comentó O’Riordan en 1994.

El bajista Mike Hogan resume el impacto duradero del proyecto: “Todavía puedo recordar haber hecho un video tan genial y ver el impacto que tuvo, y todavía tiene, en la gente.” “Zombie” no es solo una canción; es un documento histórico y el testamento inmortal de la voz y la conciencia de Dolores O’Riordan.

El líder de Smashing Pumpkins habla del pasado

En un sorpresivo giro, el líder de The Smashing Pumpkins, Billy Corgan, ha elogiado públicamente a la ex-bajista de la banda, D’arcy Wretzky, afirmando que ella “tuvo mucho que ver” con el éxito del grupo. Estas declaraciones marcan una aparente tregua en la amarga guerra de palabras que la pareja ha mantenido en los últimos años.

Wretzky, quien dejó la banda en 1999, ha tenido una relación notoriamente tensa con Corgan, especialmente desde que fue excluida de la gira de reunión de la banda en 2018. Sin embargo, en un reciente video en su Substack, Corgan ofreció una reflexión madura sobre la importancia de su ex-compañera en los años formativos de la banda.

“No hablo a menudo de la contribución de D’arcy, porque obviamente lo que pasó hace unos años no nos dejó a ninguno de los dos en la mejor posición,” comenzó Corgan. *”Pero, lo he dicho antes y no tengo problema en decirlo de nuevo. D’arcy tenía una forma de hacer saber qué cosas pensaba que movían a la banda hacia adelante… Y probablemente, de los cuatro, su opinión sobre ese tipo de cosas llevaba más peso.” *

Corgan fue más allá, reconociendo su impacto más allá de lo musical. “Su contribución, en un sentido espiritual y emocional, creo que tuvo mucho que ver con el éxito de la banda. Nunca le quitaría eso, porque realmente respetaba su opinión musical.”

Un Drástico Contraste con el Pasado Reciente

Las amables palabras de Corgan contrastan drásticamente con la hostilidad de los últimos años. En 2018, Wretzky arremetió contra Corgan, llegando a decir que “no sabe cantar una mierda” y lo acusó de tener un temperamento tiránico con sus compañeros. “No importa si su canto es terrible, pero si tocas una maldita nota equivocada, se desata el infierno. Eso es inseguridad de alto nivel,” declaró en ese momento.

En su video, Corgan parece querer dejar atrás esa acritud para centrarse en la magia que crearon juntos. “Logramos estar en desacuerdo en todo lo demás, pero en la música, cuando nos alineábamos, era poderoso. Y creo que eso es lo que hace a una gran banda,” reflexionó.El líder de los Pumpkins reconoció el legado de la formación original que completaban el guitarrista James Iha y el baterista Jimmy Chamberlin, con la que grabaron clásicos como “Siamese Dream” y “Mellon Collie and the Infinite Sadness“. “Es una pena que no hubiera más de eso,” concluyó.

Jon Bon Jovi planea película biográfica con su hijo Jake Bongiovi

Jon Bon Jovi ha revelado que planea seguir los pasos de su amigo y colega de Nueva Jersey, Bruce Springsteen, y realizar una película biográfica sobre su vida “en algún momento”. Y para el papel protagónico, ya tiene al candidato perfecto: su propio hijo, el actor en ascenso Jake Bongiovi.

La inspiración llega tras el reciente estreno de “Deliver Me From Nowhere”, la película sobre la creación del álbum Nebraska de Springsteen. Sin embargo, el legendario rockero de 63 años dejó claro que no hay prisa. En una entrevista con la columna Bizarre del periódico The Sun, Jovi afirmó: “Todavía no estoy en mi capítulo final. Estoy viviendo mi próximo capítulo.”

Estas declaraciones llegan en un momento de gran actividad para el artista y su banda. Acaban de lanzar una colaboración con el propio Springsteen en una nueva versión de “Hollow Man”, incluida en el álbum “Forever (Legendary Edition)”. Además, han anunciado su esperado regreso a los escenarios.

El Triunfal Regreso a los Escenarios en 2026

Bon Jovi ha confirmado las fechas de su “Forever Tour” para el verano de 2026, marcando su primera gira desde 2022 y el gran regreso del cantante tras su cirugía de cuerdas vocales. La gira arrancará en Nueva York el 7 de julio en el Madison Square Garden, y luego cruzará el Atlántico para presentarse en Edimburgo, Dublín y Londres.

“Hay mucha alegría en este anuncio,” declaró Jovi. “Estoy profundamente agradecido de que los fans y la hermandad de esta banda hayan sido pacientes y me hayan permitido el tiempo necesario para sanar y prepararme para la gira. ¡Estoy listo y emocionado!”

La lucha de Jon con sus problemas vocales fue un tema central en la aclamada docuserie “Thank You, Goodnight: The Bon Jovi Story”. Él mismo explicó la dificultad del proceso: “Estaba cantando lo suficientemente bien en el estudio para la grabación [del álbum Forever], pero las exigencias vocales y los rigores de una gira todavía estaban fuera de mi alcance.”

El anuncio de la gira es la culminación de un largo proceso de rehabilitación y la prueba de que uno de los frontmen más icónicos del rock está listo para reclamar su lugar en el escenario. Si bien la película sobre su vida es un proyecto a futuro, el presente de Jon Bon Jovi está enfocado en celebrar su legado y su recuperación junto a sus fanáticos.