‘Do They Know It’s Christmas?’: la historia del himno que unió al pop para salvar vidas

En noviembre de 1984, ocurrió un milagro en el mundo de la música. En un solo domingo, en un estudio de Londres, se reunió la realeza del pop británico para grabar una canción que no solo definiría la Navidad para una generación, sino que cambiaría para siempre la relación entre la música y la filantropía. Ese día nació Band Aid y su inmortal himno, “Do They Know It’s Christmas?”.

El proyecto fue la creación del músico irlandés Bob Geldof (líder de The Boomtown Rats) y Midge Ure (de Ultravox). Impulsado por la rabia y la impotencia tras ver un devastador reportaje de la BBC sobre la hambruna en Etiopía, Geldof se propuso hacer algo. Su idea inicial era modesta: grabar un sencillo para recaudar quizás unas £70,000 libras. El resultado final superó todos los sueños imaginables.

Una Reunión de Estrellas sin Precedentes

En una hazaña logística impensable hoy en día, Geldof y Ure lograron convocar en los estudios Sarm West a una constelación de estrellas que incluía a miembros de U2, Duran Duran, Spandau Ballet, Culture Club, Wham! y muchos más. Rivales en las listas de éxitos trabajaron codo a codo por una causa común.

La grabación es legendaria por sus solos, que se convirtieron en momentos icónicos de la canción: la apertura de Paul Young, la inconfundible voz de Boy George, la poderosa intervención de George Michael y el apasionado clímax vocal de Bono.

El tema también contó con contribuciones notables, como la batería de Phil Collins, el bajo de John Taylor de Duran Duran e incluso miembros de la banda estadounidense Kool & The Gang.

Un Fenómeno Cultural que Rompió Récords

“Do They Know It’s Christmas?” se convirtió en un fenómeno instantáneo. Entró directamente al número uno en las listas del Reino Unido, donde permaneció durante cinco semanas. Se convirtió en el sencillo más vendido de la historia británica hasta ese momento, vendiendo casi 4 millones de copias solo en el Reino Unido y cerca de 12 millones en todo el mundo para el final de la década.

En solo un año, la canción recaudó un estimado de £8 millones de libras, una cifra monumental comparada con la modesta meta original de Geldof.

El Regalo que Sigue Dando

El éxito de Band Aid fue la chispa que encendió un movimiento global. Inspiró directamente la creación de USA for Africa y su himno “We Are The World” en Estados Unidos, y culminó en el evento de transmisión global más grande de la historia hasta ese momento: el concierto Live Aid en 1985.

La canción ha sido regrabada en varias ocasiones para conmemorar sus aniversarios (Band Aid II en 1989, Band Aid 20 en 2004, Band Aid 30 en 2014), con las estrellas de cada nueva era prestando sus voces. Incluso en 2024, se lanzó una “Mezcla Definitiva” producida por Trevor Horn, que incorpora voces de casi todas las versiones anteriores.

Más de 40 años después, “Do They Know It’s Christmas?” sigue siendo un pilar de la temporada navideña y, más importante aún, uno de los más poderosos recordatorios del impacto que puede tener la música cuando se une por una causa justa.

The Beach Boys celebrarán 60 años de Pet Sounds

The Beach Boys han anunciado un concierto monumental en Londres para celebrar el 60º aniversario de su obra maestra, el álbum . El evento tendrá lugar el 14 de junio de 2026 en el Royal Hospital Chelsea, como parte del regreso de la serie de conciertos Live At Chelsea.

La celebración, sin embargo, estará marcada por una ausencia agridulce. Este será uno de los primeros grandes espectáculos de la banda desde el fallecimiento de su genio creativo, Brian Wilson, a principios de este verano. La noticia de su muerte a los 82 años conmocionó al mundo de la música, dejando un vacío irremplazable.

La banda que saldrá al escenario estará liderada por el cofundador y letrista Mike Love, junto al miembro de toda la vida Bruce Johnston y una banda de músicos de apoyo.

‘Pet Sounds’: La Obra Maestra que Cambió el Pop

Lanzado en 1966, Pet Sounds es universalmente aclamado como uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia de la música. La compleja producción de Brian Wilson, sus armonías celestiales y sus letras melancólicas revolucionaron el sonido del pop.

El álbum, que incluye clásicos como “Wouldn’t It Be Nice”, “God Only Knows” y “Sloop John B”, fue una gran inspiración para The Beatles durante la creación de su propio hito, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Celebrar su 60º aniversario sin su principal arquitecto será, sin duda, un momento profundamente emotivo.

Un Legado Complejo y Emotivo

Tras la muerte de Wilson, Mike Love emitió un emotivo comunicado: “Nuestro viaje juntos estuvo lleno de momentos de brillantez, desamor, risas, complejidad y, sobre todo, AMOR”. Sin embargo, la compleja relación entre los miembros de la banda sigue siendo evidente.

Recientemente, el también miembro fundador, Al Jardine, criticó duramente a Love por su discurso en el funeral de Wilson, acusándolo de tener “serios problemas de megalomanía” y de centrarse más en sí mismo que en honrar a Brian.

A pesar de las tensiones, el legado musical de The Beach Boys sigue siendo una fuerza unificadora. Una parte de las ganancias de este concierto se destinará al cuidado de los “Chelsea Pensioners”, los veteranos de guerra residentes en el hospital.

Soundgarden confirma que su álbum póstumo con Chris Cornell está casi terminado

Los miembros sobrevivientes de Soundgarden han confirmado que están poniendo los toques finales a su muy esperado álbum final, el cual contará con las últimas grabaciones vocales del legendario Chris Cornell. En una reciente entrevista, la banda describió el proceso como “agridulce” y “abrumador”, pero aseguró que el resultado es inconfundiblemente Soundgarden.

Las declaraciones se produjeron durante una conversación con la periodista Allison Hagendorf antes de la ceremonia de inducción del Salón de la Fama del Rock & Roll el pasado 8 de noviembre. El guitarrista Kim Thayil, el baterista Matt Cameron y el bajista Ben Shepherd compartieron detalles sobre el proyecto que han estado desarrollando a partir de los demos que Cornell grabó antes de su fallecimiento en 2017.

El Regreso del Productor Legendario

Para este último y significativo capítulo, la banda ha vuelto a unir fuerzas con el productor Terry Date, el hombre detrás de dos de sus álbumes más icónicos, Louder Than Love y el seminal Badmotorfinger.

Kim Thayil elogió el enfoque colaborativo de Date: “Una de las cosas geniales de Terry es que nunca impuso su estilo de producción o sonido a ninguna banda. Él aprende de las bandas”, explicó. Thayil destacó que el productor no tiene un “sonido insignia”, sino que “ayuda a la banda a ser la banda”.

Un Proceso “Agridulce” y “Abrumador”

Matt Cameron, quien previamente había insinuado que algunas canciones marcaban una nueva dirección sónica, profundizó en la carga emocional de trabajar con la voz de su difunto amigo.

“Es agridulce, por supuesto”, admitió Cameron. “Pero estoy muy emocionado de que la gente lo escuche, que nuestros fans lo escuchen. Es divertido para nosotros estar trabajando en ello. Y a veces, escucharlo es abrumador. Pero sí, estoy súper orgulloso de la música que compusimos. Y estamos muy cerca [de terminarlo]“.

El bajista Ben Shepherd compartió una anécdota que captura la potencia del material: “Iba a por un café por el pasillo de la sala de control, y lo estaban reproduciendo. Y fue como, ‘¡Santo cielo, eso es Soundgarden!’. Es genial escucharlo de nuevo“. Thayil concluyó: “Es como, ‘Ahora es Soundgarden'”.

El Fin de una Larga Batalla

El trabajo en este álbum póstumo fue posible después de que, en la primavera de 2023, los miembros de la banda y la viuda de Chris, Vicky Cornell, llegaran a un acuerdo tras una larga batalla legal por la posesión de las grabaciones de voz. Esta reconciliación finalmente permitió que la banda accediera a los demos para completar las canciones como un último tributo a su legado.

Este álbum no solo marcará el fin de la discografía de una de las bandas más importantes de la historia del rock, sino que también servirá como el testamento final de uno de sus vocalistas más grandes.

Billie Eilish anuncia película de concierto en 3D codirigida por James Cameron

Billie Eilish ha anunciado una colaboración de proporciones cinematográficas. La superestrella del pop ha confirmado que lanzará una nueva película de concierto en 3D, titulada HIT ME HARD AND SOFT: THE TOUR (LIVE IN 3D), y que ha sido codirigida nada menos que por el legendario cineasta James Cameron.

La película, que captura la aclamada gira mundial de Eilish, llegará a los cines el 20 de marzo de 2026. Eilish dio la noticia a sus fans durante el último concierto de su gira en San Francisco y lo confirmó en sus redes sociales, calificando la experiencia como un “sueño hecho realidad”.

“Este ha sido uno de mis tours favoritos y poder capturarlo y codirigir esta película con @jamescameronofficial ha sido un verdadero sueño hecho realidad. No puedo esperar a que todos la vean”, escribió la artista en su cuenta de Instagram.

Una Dupla de Ensueño: La Visión de Cameron y la Música de Eilish

La participación de James Cameron, el visionario director detrás de colosos del cine como Titanic, Terminator 2 y Avatar, no es un detalle menor. Cameron es un pionero en la tecnología cinematográfica y el principal impulsor del formato 3D en la era moderna. Su implicación sugiere que la película no será un simple registro del concierto, sino una experiencia visual inmersiva de vanguardia, diseñada para transportar al público al corazón del espectáculo.

La propia Eilish ya había dado pistas sobre el proyecto durante sus conciertos en Manchester, Reino Unido, cuando se dirigió al público y dijo: “Puede que hayan notado más cámaras de lo habitual… No puedo decir mucho, pero puedo decir que estamos trabajando en algo muy especial con alguien llamado James Cameron que será en 3D”.

Un Cierre de Gira Monumental

La gira “HIT ME HARD AND SOFT” ha sido un éxito rotundo, aclamada tanto por la crítica como por los fans por su espectacularidad visual y la potente interpretación de Eilish. La película capturará la energía de este tour en su máximo esplendor, ofreciendo a quienes no pudieron asistir la oportunidad de vivir la experiencia, y a quienes sí lo hicieron, la posibilidad de revivirla de una manera completamente nueva.Mientras tanto, James Cameron se prepara para el lanzamiento de su próxima película, Avatar: Fire and Ash, que llegará a los cines el 19 de diciembre de este año. La colaboración con Eilish marca una fascinante incursión del director en el mundo de los documentales musicales.

Guns N’ Roses anuncia gira mundial 2026 y dos nuevas canciones

La legendaria banda de rock, Guns N’ Roses, ha desatado la euforia de sus fans en todo el mundo con un doble anuncio masivo: una extensa gira mundial para 2026 y el lanzamiento de dos canciones completamente nuevas el próximo 2 de diciembre.

La gira, que llevará a la banda por Latinoamérica, Europa y Norteamérica, ya tiene su primera fecha confirmada en México. Axl Rose, Slash y Duff McKagan se presentarán en el festival Tecate Pa’l Norte en Monterrey el 28 de marzo.

El tour arrancará formalmente en Latinoamérica en abril, seguido de una etapa europea en junio y una extensa gira por estadios y arenas de Norteamérica durante el verano, que culminará el 19 de septiembre en Atlanta.

Nueva Música en el Horizonte

Después de años de espera y especulaciones, la banda finalmente lanzará material nuevo. Los dos sencillos, titulados “Nothin” y “Atlas”, estarán disponibles en plataformas de streaming a partir del 2 de diciembre.

Este anuncio confirma los rumores que el guitarrista Slash había insinuado en una entrevista el mes pasado, y representa el primer material verdaderamente nuevo de la banda en años, alimentando la esperanza de un posible nuevo álbum de estudio con la alineación clásica reunida.

Un Regreso a Escenarios Históricos

La gira norteamericana de 2026 incluirá paradas en recintos icónicos. Uno de los momentos más esperados será su regreso al Rose Bowl de Pasadena, California, un lugar donde la banda no ha tocado en 30 años, marcando un hito histórico para sus seguidores.

Desde su monumental gira de reunión “Not in This Lifetime”, que comenzó en 2016, Guns N’ Roses ha demostrado ser una de las fuerzas en vivo más potentes del planeta, rompiendo récords de taquilla y demostrando que su química en el escenario sigue intacta.

La historia de How to Dismantle an Atomic Bomb de U2 y su regreso al rock

En noviembre de 2004, U2 lanzó su undécimo álbum de estudio, How to Dismantle an Atomic Bomb. Desde el inconfundible conteo inicial de Bono en su primer sencillo, “Vertigo”, quedó claro que la banda irlandesa estaba en una misión: reconectar con la energía cruda y sin concesiones de sus inicios.

El álbum no solo fue un éxito comercial masivo, sino que también les valió tres premios Grammy y marcó su ingreso triunfal al Salón de la Fama del Rock and Roll. Representó el cierre de un círculo, un regreso al sonido de una banda de guitarras después de años de experimentación.

El proyecto nació con el impulso de la exitosa gira “Elevation Tour” y la aclamada recepción de su álbum anterior, All That You Can’t Leave Behind. La banda estaba decidida a crear un disco de rock ‘n’ roll definitivo, y para ello, volvieron a llamar a Steve Lillywhite, el productor que había sido fundamental en la forja de su sonido en sus primeros tres álbumes.

“Punk Rock que Quiere Tocar Bach”

El proceso de creación no fue fácil. El lanzamiento se retrasó, y la banda incluso sufrió el robo de las grabaciones en progreso. Sin embargo, el resultado fue un conjunto de canciones vigorosas y memorables.

“Comenzó como un álbum de rock ‘n’ roll, puro y simple”, explicó Bono en su momento. “Estábamos muy emocionados de que The Edge no estuviera sentado al piano o jugueteando con tecnología, porque es uno de los grandes guitarristas”.

Sin embargo, la banda pronto se aburrió de la simpleza del “rifferama”. “Queríamos más dimensión”, añadió Bono. “Ahora tienes puntos de partida de punk rock que atraviesan la tierra de Phil Spector, giran a la derecha en Tim Buckley y terminan en callejones que se abren a otras vistas. Es composición por accidente, por una banda de punk que quiere tocar Bach“.

Un Arsenal de Nuevos Himnos

El primer sencillo, “Vertigo”, fue un éxito instantáneo. Con un riff que sonaba a rock clásico pero con una vitalidad del siglo XXI, la canción se convirtió en un fenómeno global, en parte gracias a su uso en un icónico comercial del iPod de Apple. El tema se disparó al número 1 en el Reino Unido y gran parte de Europa.

Pero el álbum era mucho más que su primer sencillo. Contenía una amplia gama de himnos que rápidamente se convirtieron en clásicos del repertorio de la banda:

  • “Sometimes You Can’t Make It On Your Own”: Una emotiva y personal balada que Bono dedicó a su padre.
  • “City of Blinding Lights”: Una canción épica y expansiva que se convirtió en un favorito en vivo.
  • “All Because of You”: Un tema de rock directo y enérgico que reafirmaba la misión del álbum.

El Dominio Mundial del “Vertigo Tour”

El éxito del álbum fue seguido por la monumental gira “Vertigo Tour”, que llevó a U2 a 26 países con un total de 129 conciertos. La gira fue un éxito masivo, reafirmando el estatus de U2 como la banda de rock en vivo más grande del planeta.How to Dismantle an Atomic Bomb no fue solo un álbum, fue una declaración de principios: la prueba de que, incluso después de décadas, U2 seguía siendo, en su corazón, una banda de rock ‘n’ roll.

Empire of the Sun anuncia ‘Chrysalis’, su Festival inmersivo en México

El icónico dúo australiano de música electrónica, Empire of the Sun, ha anunciado su primer festival de destino: una experiencia de tres días llamada Chrysalis, que tendrá lugar del 14 al 16 de mayo de 2026 en la paradisíaca locación de San José del Cabo, México.

El evento, curado completamente por la banda, promete ser una experiencia musical inmersiva que va más allá de un simple concierto. La producción, en asociación con 100x Hospitality, incluirá instalaciones de arte, escenarios al aire libre, actividades ocultas y una narrativa temática que busca transformar a los asistentes.

Como pieza central del festival, Empire of the Sun encabezará cada una de las tres noches, ofreciendo un total de tres presentaciones únicas. El resto del cartel, que contará con artistas internacionales, será anunciado en una fecha posterior.

Un Viaje Espiritual de “Imaginación y Renacimiento”

El líder de la banda, Luke Steele, explicó el profundo concepto detrás del festival, describiéndolo como un viaje espiritual. “Chrysalis trata sobre la imaginación y el renacimiento. Este festival está diseñado para ser espiritualmente inmersivo, donde la gente se vaya transformada”, declaró en un comunicado.

La narrativa del festival se centrará en un “círculo de símbolos” que se comunican como un lenguaje secreto: la Puerta (el umbral), el Huevo (los comienzos), la Llave (la revelación), las Alas (el yo futuro) y la Campana (el despertar).

“Se trata de crear un viaje a través de la música, el arte y el espíritu. En un mundo que rebosa de distorsión, es hora de dejarse llevar”, concluyó Steele.

Paquetes y Boletos ya Disponibles

Los boletos para Chrysalis ya están a la venta a través del sitio web oficial del evento. Los organizadores han diseñado una variedad de paquetes que se adaptan a diferentes experiencias, desde pases de fin de semana hasta estancias todo incluido en resorts y opciones de “glamping” en el lugar, reforzando su estatus como un verdadero festival de destino.El anuncio de Chrysalis llega después de la reciente gira de la banda, “Ask That God Tour”, en apoyo de su álbum homónimo de 2024, y marca un nuevo y ambicioso capítulo para el dúo conocido por éxitos como “Walking On a Dream” y “Alive”.

Dave Grohl y Gibson lanzan guitarra de Edición Limitada

Dave Grohl, el icónico líder de Foo Fighters, y la legendaria marca de guitarras Gibson han anunciado el lanzamiento de un nuevo modelo de autor que se convertirá instantáneamente en un objeto de deseo para coleccionistas: la DG-335 Limited Edition en color Alpine White. Solo se fabricarán 50 de estas guitarras para todo el mundo.

El modelo es una réplica casi idéntica de la llamativa guitarra blanca que Grohl ha estado utilizando en los conciertos de Foo Fighters desde 2021, lo que la convierte en una pieza reconocible y probada en los escenarios más grandes del planeta.

Una Fusión de Clásicos para un Sonido Moderno

La guitarra no es un diseño cualquiera. A petición del propio Grohl, el instrumento es una fusión de dos modelos clásicos de Gibson: la elegancia de la ES-335 y el estilo distintivo del modelo Trini Lopez. Entre sus características de alta gama, destacan:

  • Cuerpo semi-hueco de arce y álamo, que le da un sonido resonante y reduce el feedback.
  • Agujeros de sonido en forma de diamante, un rasgo característico del modelo Trini Lopez.
  • Mástil de caoba con el perfil exacto del modelo Trini Lopez estándar.
  • Clavijero estilo Firebird, otro guiño al diseño de Trini Lopez.
  • Pastillas Custombucker sin encapsular con imanes de Alnico 3 envejecidos, para un tono vintage y potente.

[SUGERENCIA DE VIDEO: Incluir aquí una presentación en vivo reciente de Foo Fighters donde se vea a Dave Grohl tocando la guitarra DG-335 blanca]

Exclusividad a un Precio de Lujo

La extrema exclusividad de esta guitarra se refleja en su precio. El modelo se vende por la asombrosa cifra de $11,999 dólares estadounidenses, lo que equivale a más de 220,000 pesos mexicanos al tipo de cambio actual.

A pesar del alto costo, se espera que las 50 unidades se agoten casi instantáneamente, tal como ha sucedido con lanzamientos anteriores de Grohl. Cada guitarra viene con un estuche rígido y, como toque final para los coleccionistas, una etiqueta en el agujero de sonido firmada a mano por el propio Dave Grohl.

Este lanzamiento de lujo contrasta con la versión más accesible que Grohl lanzó previamente con Epiphone en color Pelham Blue.Los fans podrán ver a Grohl tocando la DG-335 Alpine White original el próximo verano, cuando Foo Fighters se embarque en una gira de estadios por Norteamérica junto a Queens of the Stone Age.

Aerosmith y Yungblud lanzan EP colaborativo ‘One More Time’

Las leyendas del rock, Aerosmith, y la joven estrella británica, Yungblud, han sorprendido al mundo de la música con el lanzamiento de un EP colaborativo titulado One More Time. El proyecto, ya disponible en plataformas de streaming, incluye cuatro canciones originales inéditas y una versión actualizada del clásico de Aerosmith, “Back in the Saddle”.

Esta colaboración marca el primer lanzamiento de música nueva de Aerosmith en 12 años, un evento de enorme importancia para los seguidores de la banda. El primer adelanto del EP, el sencillo “My Only Angel”, fue lanzado en septiembre y demostró ser un éxito inmediato, debutando en el número 1 de la lista Hot Hard Rock Songs de Billboard.

El Futuro de Aerosmith: ¿Un Nuevo Comienzo?

La colaboración parece haber inyectado una nueva dosis de energía creativa en Aerosmith. En una entrevista con Billboard, el guitarrista Joe Perry no solo elogió a Yungblud, sino que también dejó la puerta abierta a la posibilidad de que Aerosmith grabe más música nueva en el futuro.

“Lo obvio es que tal vez podamos entrar y escribir más música”, reflexionó Perry. “No he hablado realmente con Steven [Tyler] sobre ello, pero sé que en nuestras conversaciones de los últimos meses, las palabras ‘nunca volveremos a hacer esto’ no surgieron, así que es una buena señal. Sé que él tiene más dentro de sí. Ya veremos“.

Sobre Yungblud, Perry se mostró impresionado desde el primer momento: “Tuve la sensación de que ‘este chico tiene talento’. Definitivamente tiene una energía, y ama el rock ‘n’ roll. Ama esa esencia clásica, y le encanta estar en el escenario y dejarse llevar“.

Un Clásico Renovado y el Estado de las Giras

Además de los temas originales, el EP presenta una nueva versión del clásico de 1976, “Back in the Saddle”, que fusiona la energía cruda de Yungblud con el poderío icónico de Aerosmith.

Mientras que Aerosmith anunció su retiro de las giras el año pasado, Yungblud se encuentra en la cima de su popularidad. El artista británico anunció recientemente una gira por Norteamérica para 2026 que, de manera sorprendente, agotó todas sus entradas en menos de un minuto. Los fans que se quedaron fuera aún pueden encontrar boletos en plataformas de reventa como StubHub.One More Time no solo es un puente entre dos generaciones del rock, sino que también podría ser el inesperado catalizador para un nuevo capítulo en la legendaria historia de Aerosmith.

Robert Plant, debuta en un memorable Tiny Desk Concert

No hay un escritorio más grande en el mundo de la música en este momento. La legendaria voz de Led Zeppelin, Robert Plant, ha añadido un nuevo y prestigioso hito a su carrera al presentarse por primera vez en la aclamada serie de conciertos Tiny Desk de NPR. Acompañado de su actual banda, Saving Grace, el ícono del rock ofreció una actuación íntima que desnudó su faceta más folk y contemplativa.

En el espacio reducido de la oficina de NPR, Plant y su banda, que incluye a la covocalista Suzi Dian, interpretaron un set de cinco canciones compuesto por melodías tradicionales y versiones de otros artistas, mostrando la ecléctica paleta de influencias que define a su proyecto actual.

Un Setlist que Viaja por las Raíces de la Música

Lejos de los himnos de estadio de Led Zeppelin, el repertorio fue una clase magistral de historia musical, demostrando el profundo respeto de Plant por la tradición. El setlist incluyó:

  • “Gospel Plough”: Una melodía tradicional de gospel que abrió el concierto.
  • “Higher Rock”: Una versión de la cantautora de folk Martha Scanlan.
  • “Everybody’s Song”: Un emotivo homenaje a la banda de indie rock Low.
  • “It’s a Beautiful Day Today”: Una reinterpretación del clásico de la banda psicodélica de los 60, Moby Grape.
  • “Gallows Pole”: En el único guiño directo a su pasado, la banda interpretó un nuevo arreglo de esta canción tradicional, que los fans de Zeppelin recordarán por la icónica versión incluida en el álbum Led Zeppelin III.

Una Leyenda en su Versión más Cercana

Entre canciones, Plant se mostró relajado y conversador, compartiendo las historias detrás de cada tema y bromeando con la audiencia. En un momento de humor, incluso hizo una referencia a la película de culto Spinal Tap cuando una niña en el público dejó caer un casco de bombero de plástico al suelo.

La actuación captura la esencia de Saving Grace, un proyecto que permite a Plant explorar sus influencias del folk británico, el blues del Delta y la música de los Apalaches, en un formato acústico y colaborativo.

De Gira por el Mundo

Robert Plant y Saving Grace se encuentran actualmente finalizando una gira por Estados Unidos. Posteriormente, llevarán su espectáculo al Reino Unido en diciembre, antes de regresar a Estados Unidos en marzo para presentarse en el prestigioso Big Ears Festival en Tennessee. Las entradas para sus próximos conciertos están disponibles a través de Ticketmaster.