El día que Whitney Houston rompió las reglas de la radio con una decisión audaz

Un día como hoy, 28 de noviembre de 1992, el mundo de la música cambió para siempre. La poderosa balada de Whitney Houston, “I Will Always Love You”, comenzó un reinado sin precedentes de 14 semanas consecutivas en la cima de la lista Billboard Hot 100. La canción no solo se convirtió en el éxito más grande de su carrera, sino que redefinió el concepto de un éxito global, rompiendo récords que perduran hasta hoy.

Grabada para la banda sonora de la película The Bodyguard, que la propia Houston protagonizó junto a Kevin Costner, su interpretación transformó una tierna balada country en un monumental himno de soul y pop que exhibió su incomparable talento vocal en su máxima expresión.

De una Despedida Country a un Fenómeno Pop

Lo que muchos no saben es que “I Will Always Love You” no fue escrita para Whitney. La canción fue compuesta y grabada originalmente por la leyenda del country Dolly Parton en 1974, como una agridulce despedida a su mentor, Porter Wagoner.

La idea de que Whitney la grabara vino de su coprotagonista, Kevin Costner. Inicialmente, se iba a grabar otra canción, pero cuando se descubrió que ya había sido utilizada en otra película, Costner sugirió la balada de Parton. La propia Dolly Parton ha contado la legendaria anécdota de la primera vez que escuchó la versión de Whitney en la radio de su auto: tuvo que detenerse en la carretera, abrumada por la emoción, al escuchar la transformación de su canción.

La Audacia del Silencio: El Intro 

Uno de los elementos más icónicos de la versión de Houston es su inolvidable introducción a cappella. En una época en la que las canciones de radio necesitaban un gancho instrumental inmediato para captar al oyente, comenzar con la voz desnuda de Whitney fue una decisión audaz y arriesgada, impulsada por el productor David Foster y el propio Costner.

La apuesta dio sus frutos de una manera espectacular. Ese silencio inicial, roto solo por la voz pura y emotiva de Houston, se convirtió en uno de los momentos más reconocibles de la música pop. El crescendo que sigue, culminando en el explosivo solo de saxofón de Kirk Whalum y la nota final sostenida de Whitney, es una clase magistral de construcción dramática y poder vocal.

Un Monstruo Comercial y Cultural

El éxito de “I Will Always Love You” fue absoluto y global. No solo dominó en Estados Unidos, sino que encabezó las listas de éxitos en casi todos los países donde se lanzó, convirtiéndose en el sencillo más vendido de una artista femenina en la historia. En Estados Unidos, alcanzó la rara certificación de Diamante de la RIAA, que representa más de 10 millones de unidades vendidas.

La canción arrasó en los premios Grammy de 1994, llevándose los galardones a Grabación del Año y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. La banda sonora de The Bodyguard se convirtió en una de las más vendidas de todos los tiempos.

Más que una canción, “I Will Always Love You” se convirtió en un estándar cultural, la balada definitiva que ha sonado en incontables bodas, funerales y concursos de talentos. Es el testamento inmortal de “La Voz”, una artista en la cima absoluta de su poder, entregando una actuación que nunca será olvidada.

Steve Lukather defiende la alineación actual de Toto ante las críticas

Steve Lukather, el legendario guitarrista y último miembro original de gira de Toto, ha respondido con frustración a las críticas sobre la formación actual de la banda. En una reciente y apasionada entrevista, el músico defendió la legitimidad del grupo, explicando que su única misión es honrar el legado y mantener viva la música que crearon juntos.

Durante una aparición en el podcast Rockonteurs, Lukather abordó directamente a quienes sugieren que la versión actual de Toto es “inauténtica”. “Realmente quiero dejar esto en claro, porque recibo mucha mierda por ello de ciertas personas”, afirmó el rockero.

“Sé que lo que estamos haciendo ahora no es la banda original. Dios sabe que desearía que pudiera serlo”, continuó. “Que todos estuvieran sanos y pudiéramos seguir haciéndolo. Pero con el paso de los años, sufrimos pérdidas trágicas. Y después de eso, perseveramos”.

El Momento que Casi Termina con la Banda

Lukather, quien es el “último hombre en pie” de la formación original, insistió en que esta situación no fue por elección. El guitarrista recordó el momento más oscuro de la banda: la repentina muerte del baterista y cofundador Jeff Porcaro en 1992, un evento que casi disuelve al grupo.

“Cuando Jeff falleció, todos pensamos: ‘Bueno, ¿cómo vamos a continuar?'”, rememoró. “Si no hubiéramos hecho ese álbum (Kingdom of Desire) y no tuviéramos entradas vendidas por toda Europa, probablemente lo habríamos dejado entonces. La idea de continuar sin Jeff era impensable. Pero lo hicimos. Continuamos, porque incluso si no lo hubiéramos hecho, eso no lo traería de vuelta”.

Una Misión para Honrar el Legado

Con casi 50 años de historia, la alineación actual de Toto cuenta con el vocalista Joseph Williams, quien se unió en 1986, y un grupo de aclamados músicos de gira. El otro miembro fundador, David Paich, ya no participa en las giras pero sigue involucrado creativamente.

Para Lukather, la misión es clara y personal. “Miren, soy el último hombre en pie del original, pero no por elección”, insistió. “Conozco la diferencia entre lo viejo y lo nuevo. Todo lo que estoy tratando de hacer es mantener viva nuestra vieja música“.Mientras tanto, la banda sigue más activa que nunca. Toto se prepara para finalizar 2025 con conciertos en México y Sudamérica, y ya ha anunciado una serie de presentaciones en Estados Unidos para 2026, demostrando que, a pesar de las críticas, la demanda por escuchar clásicos como “Africa” y “Rosanna” sigue intacta.

Lindsey Buckingham de Fleetwood Mac confirma nuevo disco en solitario

Lindsey Buckingham, el legendario guitarrista y arquitecto sónico detrás del éxito masivo de Fleetwood Mac, ha anunciado que está trabajando en un nuevo álbum en solitario. A través de una publicación en sus redes sociales, el músico describió el próximo proyecto como la “culminación” de todo lo que ha aprendido en su carrera fuera de la banda.

Aunque no reveló el título ni la fecha de lanzamiento, sus palabras sugieren que el álbum será una obra profundamente personal y representativa de su visión artística, la cual a menudo se ha caracterizado por la experimentación y un enfoque vanguardista.

“Este nuevo álbum es la culminación de todo lo que he aprendido al hacer álbumes en solitario durante los últimos 25 años”, declaró Buckingham. “Siento que este disco en particular es la culminación de mantener una cierta línea ética e idealista que he logrado mantener durante muchos años. Estoy muy emocionado con esta obra”.

El Laboratorio Creativo Fuera de Fleetwood Mac

La carrera en solitario de Lindsey Buckingham siempre ha funcionado como su laboratorio personal, un espacio donde podía explorar “el lado izquierdo de su paleta”, como él mismo lo ha descrito. Desde su debut en solitario en 1981 con el álbum Law and Order, Buckingham ha utilizado estos proyectos para dar rienda suelta a su faceta más experimental, a menudo en contraste con la maquinaria de éxitos de Fleetwood Mac.

Su trabajo fuera de la banda es conocido por su enfoque de “hombre orquesta”, escribiendo, produciendo e interpretando la mayoría de los instrumentos él mismo. Su álbum más reciente, el homónimo Lindsey Buckingham (2021), fue un claro ejemplo de este método, grabado en su totalidad en su estudio casero.

Un Artista Fiel a sus Principios

A lo largo de su carrera, Buckingham ha sido la fuerza impulsora detrás del sonido de álbumes monumentales como Rumours y el experimental Tusk. Su genialidad como productor y arreglista a menudo lo puso en conflicto con las sensibilidades más comerciales de otros miembros de Fleetwood Mac, una tensión creativa que definió el legado de la banda.

Su próximo álbum promete ser una continuación de esta búsqueda de integridad artística. Como él mismo afirmó, es la reafirmación de una “línea ética e idealista” que ha defendido a lo largo de los años, una promesa de música sin concesiones de uno de los grandes visionarios del rock.

Rihanna lanza box set de vinilos R20 por su 20º Aniversario

Rihanna, el ícono global de la música y la moda, ha anunciado el regalo perfecto para sus fans más devotos: un box set de vinilos de edición limitada titulado , que abarca toda su discografía de estudio para celebrar el 20º aniversario de su carrera.

La colección, que se perfila como un objeto de deseo para coleccionistas, reúne los ocho álbumes de estudio de la superestrella en un solo paquete de lujo. La producción está estrictamente limitada a 1,000 copias en todo el mundo, cada una de ellas numerada individualmente.

El box set R20 incluye los siguientes álbumes en vinilo negro:

  • Music of the Sun (2005)
  • A Girl Like Me (2006)
  • Good Girl Gone Bad (2007)
  • Rated R (2009)
  • Loud (2010)
  • Talk That Talk (2011)
  • Unapologetic (2012)
  • Anti (2016)

El Regreso de ‘Rhenna’ y un Regalo Navideño

La portada del box set marca el regreso de “Rhenna”, el icónico doodle de una figura de palo con un parche en el ojo que Rihanna utilizó durante años como su avatar en redes sociales. Para celebrar la temporada, todos los pedidos realizados antes del 31 de diciembre incluirán de regalo una camiseta navideña “Rhenna Holiday”, que muestra al personaje adornado con cuernos de reno y una nariz roja.

Además de la camiseta, la nueva línea de mercancía incluye una sudadera, una muñeca de Rhenna y otras prendas conmemorativas.

20 Años de Dominio Pop

El lanzamiento del R20 coincide con el 20º aniversario de su álbum debut, Music of the Sun, que en 2005 la presentó al mundo con el éxito masivo “Pon de Replay”. Desde entonces, Rihanna se ha convertido en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos, con más de 250 millones de discos vendidos a nivel mundial y 14 sencillos número uno en Estados Unidos, la tercera mayor cantidad en la historia.

Más allá de la música, se ha consolidado como una magnate de los negocios con sus marcas de moda y belleza, un ícono de estilo y una estrella de Hollywood.La caja, que comenzará a enviarse el 19 de diciembre, tiene un precio que refleja su exclusividad, rondando los $350 dólares (aproximadamente $6,400 pesos mexicanos).

Elton John revela que perdió la visión en su ojo derecho

Sir Elton John, uno de los músicos más icónicos y prolíficos de la historia, ha revelado la devastadora batalla de salud que ha enfrentado en el último año tras perder la visión en su ojo derecho. En una nueva y sincera entrevista con la revista Variety, el artista de 78 años habló sobre el impacto de su condición, pero mantuvo un mensaje de esperanza y gratitud.

El problema se originó en el verano de 2024, cuando el cantante contrajo una infección ocular mientras estaba de vacaciones en Francia, la cual afectó ambos ojos y resultó en la pérdida total de la visión en el derecho.

“Ha sido devastador”, confesó John. “Porque perdí mi ojo derecho y mi ojo izquierdo no está tan bien, los últimos 15 meses han sido un desafío para mí porque no he podido ver nada, ni ver televisión, ni leer nada“.

La Esperanza en la Ciencia y el Apoyo de sus Amigos

A pesar de la dificultad de su situación, el intérprete de “Your Song” se mantiene optimista y paciente, confiando en los avances de la ciencia. “He tenido la vida más increíble, y hay esperanza”, afirmó. “Solo tengo que ser paciente y esperar que algún día la ciencia me ayude con esto. Una vez que me ayuden, estaré bien”.

En un momento de vulnerabilidad, John expresó la frustración que a veces siente, pero inmediatamente destacó la importancia de su sistema de apoyo: su esposo David Furnish, sus dos hijos y un círculo de amigos que incluye a la realeza del rock.

“Paul McCartney me llama por FaceTime para ver cómo estoy. Es realmente hermoso”, compartió. “El amor que he recibido de él, de Pete Townshend y de Mick Jagger ha sido increíble. O recibes un correo electrónico de Keith Richards que dice: ‘Hola, cariño, ¿cómo estás? Sabes que te amamos’, y eso simplemente me alegra el día”.

Un Desafío Emocional

Esta no es la primera vez que el artista habla del impacto de su condición. En abril, confesó a The Times el estrés que le causaba no poder ver a sus hijos jugar al rugby o al fútbol. “Te pones emocional, pero tienes que acostumbrarte, porque soy afortunado de tener la vida que tengo”, reflexionó en esa ocasión.A pesar de esta dura prueba personal, Elton John se muestra agradecido por poder seguir haciendo lo que más ama: “He tenido la suerte de poder seguir tocando y cantando”. Su historia es un poderoso testimonio de resiliencia, la de una leyenda que, incluso enfrentando la oscuridad, se niega a dejar que se apague la luz de la esperanza.

La historia del “Beatle silencioso” y el álbum que guardó en secreto por años

Un día como hoy, 27 de noviembre de 1970, el mundo de la música fue testigo de una de las declaraciones artísticas más poderosas de la historia del rock. George Harrison, el “Beatle silencioso”, lanzó su obra maestra, All Things Must Pass, un monumental álbum triple que no solo lo consolidó como un artista por derecho propio, sino que redefinió las expectativas de lo que podía ser un álbum en solitario.

Lanzado apenas unos meses después de la disolución de The Beatles, el álbum fue la primera declaración musical completa de Harrison tras la ruptura. Fue una explosión de creatividad que había estado reprimida durante años.

Una Inundación de Canciones Reprimidas

Durante años, George Harrison vivió a la sombra de la prolífica dupla de compositores de Lennon y McCartney. Muchas de sus canciones, consideradas hoy como clásicos, fueron rechazadas o simplemente no encontraron espacio en los álbumes de The Beatles. All Things Must Pass fue el dique que se rompió, liberando un torrente de material que Harrison había acumulado.

El álbum es un tapiz de sus exploraciones espirituales, sus reflexiones sobre el amor, la amistad y la desintegración de la banda que había definido su vida. Temas como la canción principal, “All Things Must Pass”, y “Wah-Wah” son interpretados como comentarios directos sobre el amargo final de The Beatles.

El Muro de Sonido y un Elenco Legendario

Para dar vida a su visión, Harrison reclutó al legendario y controvertido productor Phil Spector, quien aplicó su famosa técnica del “Muro de Sonido” (Wall of Sound). El resultado es un sonido grandioso, denso y reverberante que le da al álbum una escala casi divina, perfecto para las temáticas espirituales de Harrison.

La lista de músicos que participaron en las sesiones de grabación es un “quién es quién” del rock de la época, incluyendo a:

  • Eric Clapton
  • Ringo Starr
  • Billy Preston
  • Klaus Voormann
  • La banda completa de Badfinger

Éxito Mundial y Controversia

El álbum fue un éxito comercial y crítico inmediato, alcanzando el número uno en las listas de todo el mundo, incluyendo el Reino Unido y Estados Unidos. Fue impulsado por su primer sencillo, “My Sweet Lord”, un himno espiritual que se convirtió en el primer número uno de un ex-Beatle. La canción, sin embargo, también se vio envuelta en una famosa demanda por plagio debido a su similitud con el tema “He’s So Fine” de The Chiffons.

Otros sencillos como “What Is Life” también se convirtieron en éxitos masivos. El álbum recibió una nominación al Grammy como Álbum del Año y, con el tiempo, ha sido incluido en el Salón de la Fama del Grammy.All Things Must Pass no es solo el mejor álbum de George Harrison; es considerado por muchos como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Es el sonido de un genio finalmente liberado, un artista que demostró que, efectivamente, todas las cosas, incluso la banda más grande de la historia, deben pasar para dar lugar a algo nuevo y hermoso.

Scorpions se une al “Billions Club” de Spotify con “Wind of Change”

La balada de rock que se convirtió en el himno del fin de la Guerra Fría, “Wind of Change” de Scorpions, ha alcanzado un nuevo y monumental hito en la era digital: la canción ha superado los mil millones de reproducciones en Spotify. Este logro la convierte en la primera canción de la legendaria banda alemana en unirse al prestigioso “Billions Club” de la plataforma.

Lanzada en 1991 como parte de su undécimo álbum, Crazy World, la canción capturó a la perfección el espíritu de una época marcada por un cambio social y político sin precedentes. Su lanzamiento coincidió con la caída del Muro de Berlín y el colapso de la Unión Soviética, convirtiéndose en la banda sonora de la esperanza para millones de personas en todo el mundo.

El Origen: Un Viaje a Moscú en Plena Guerra Fría

La inspiración para “Wind of Change” no fue una coincidencia, sino el resultado de una experiencia directa de la banda. En 1989, Scorpions tocó en el Moscow Music Peace Festival, un evento histórico que marcó la primera vez que bandas de hard rock occidentales se presentaban en la Unión Soviética.

“Tomamos un barco por el río Moscova. Estábamos con todas las demás bandas, con periodistas de MTV, con soldados del Ejército Rojo… Fue un momento inspirador”, recordó el vocalista Klaus Meine en una entrevista con Rolling Stone. El guitarrista Rudolf Schenker añadió: “El Muro [de Berlín] aún no había caído, pero aquí, en Moscú, podías sentir que todo se acercaba. ¡Gorbachov traía la glasnost y la perestroika! El mundo estaba cambiando. De alguna manera, Klaus captó esa vibración”.

Un Himno Global y su Curiosa Leyenda

Cuando “Wind of Change” fue lanzada como sencillo, se convirtió en un éxito mundial masivo. Alcanzó el número 4 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y fue número uno en casi toda Europa. El hecho de que una banda alemana hubiera escrito el himno no oficial de la reunificación de su propio país le añadió una capa extra de autenticidad y poder emocional.

La canción también ha sido objeto de una persistente y fascinante teoría de conspiración, investigada en el podcast del mismo nombre, que sugería que la canción fue escrita por la CIA como una herramienta de propaganda cultural. Aunque la banda ha negado repetidamente esta historia, la leyenda solo ha aumentado el misticismo del tema.

Una Canción que Sigue Evolucionando

Parte de la longevidad de “Wind of Change” se debe a la voluntad de la banda de reinventarla. A lo largo de los años, la han interpretado con orquestas y coros, y han grabado versiones en español y ruso. “Hacer la versión en ruso fue un desafío. No fue fácil. Y hasta el día de hoy no sé qué tan buena es”, bromeó Meine años después. “Pero incluso ahora, cuando tocamos en Rusia, canto al menos un coro de la canción en su idioma”.

Este nuevo hito en Spotify demuestra que, más de tres décadas después, el viento de cambio sigue soplando con fuerza.

The Weeknd rompe récord de gira más taquillera para un artista masculino

Abel Tesfaye, mundialmente conocido como The Weeknd, ha alcanzado un nuevo pináculo en su carrera. Su monumental gira, “After Hours Til Dawn Tour”, ha superado oficialmente los mil millones de dólares en ingresos (más de 18.3 mil millones de pesos), convirtiéndose en la gira más taquillera de un artista masculino en solitario de todos los tiempos.

La gira, que comenzó en julio de 2022 y concluirá en septiembre de 2026, ha sido un fenómeno global, vendiendo más de 7.5 millones de boletos en 153 shows a lo largo de Norteamérica, Europa, Latinoamérica y Australia.

Este logro histórico no solo consolida a The Weeknd como una de las superestrellas más grandes del planeta, sino que también redefine los estándares de éxito para las giras en la era post-pandemia.

Un Fenómeno de Récords

El “After Hours Til Dawn Tour”, que fusiona los universos conceptuales de sus aclamados álbumes After Hours y Dawn FM, ha roto récords en cada ciudad que ha visitado. Tan solo en la etapa norteamericana de 2025, la gira contó con más de 40 presentaciones con entradas agotadas.

The Weeknd se convirtió en el artista masculino negro más taquillero en la historia de recintos en Nueva York, Denver, Seattle y Houston, entre otros. En su ciudad natal, Toronto, rompió el récord de más shows de un solista masculino en el Rogers Centre, con seis presentaciones.

Más Allá de la Música: Un Impacto Filantrópico

El éxito de la gira ha tenido también un significativo impacto humanitario. Hasta la fecha, The Weeknd ha donado más de $8.5 millones de dólares (más de 155 millones de pesos) a través de su fondo XO Humanitarian Fund y la organización Global Citizen.

Para las fechas de 2026, se ha comprometido a donar el equivalente a un dólar de cada boleto vendido al Programa Mundial de Alimentos de las Naciones Unidas, reafirmando su compromiso con la lucha contra el hambre global.

El Futuro Inmediato: México y el Mundo

La gira continuará su dominio global en 2026 con más de 40 fechas adicionales. La nueva etapa internacional comenzará en la Ciudad de México el 20 de abril, antes de dirigirse a ciudades como París, Ámsterdam, Milán y Londres.Este hito en las giras es solo uno más de los récords que The Weeknd ha roto en 2025. En agosto, su éxito “Blinding Lights” se convirtió en la primera canción en la historia en alcanzar los cinco mil millones de reproducciones en Spotify. El artista lanzó su más reciente álbum, Hurry Up Tomorrow, en enero de 2025, acompañado de una película protagonizada por Jenna Ortega y Barry Keoghan.

Pet Shop Boys encabezará el Festival de Viña del Mar 2026

Las leyendas británicas del synth-pop, Pet Shop Boys, han sido confirmados como el principal show internacional para la 65ª edición del Festival de Viña del Mar 2026. El icónico dúo se presentará en el escenario más importante de Latinoamérica, la Quinta Vergara, en un evento que se celebrará del 22 al 27 de febrero.

El anuncio posiciona a Neil Tennant y Chris Lowe como el plato fuerte de un cartel que busca unir generaciones, combinando a íconos de la música con las estrellas más grandes del momento. La propia banda confirmó la noticia, expresando su agrado por encabezar el festival y prometiendo anunciar la fecha exacta de su presentación el próximo lunes 24 de noviembre.

Junto a ellos, la otra gran sorpresa internacional es la banda femenina surcoreana de K-Pop, NMIXX, subrayando la diversidad de la propuesta del festival para este año.

Un Cartel de Estrellas Globales y Latinas

El “Monstruo de la Quinta Vergara” rugirá con una ecléctica mezcla de géneros y nacionalidades. Además de Pet Shop Boys, el festival contará con un impresionante listado de artistas que incluye a:

  • La icónica cantante cubanoestadounidense Gloria Estefan.
  • El astro colombiano Juanes.
  • La estrella del reguetón Yandel, quien presentará un show en formato sinfónico.
  • La aclamada artista chilena Mon Laferte.
  • Los ídolos del trap argentino Paulo Londra y Milo J.
  • El dúo mexicano de pop Jesse & Joy.
  • El músico italiano Matteo Bocelli, quien regresa tras deslumbrar junto a su padre en una edición anterior.
  • El grupo colombiano de electro-tropical Bomba Estéreo.

El Regreso de un Gigante del Pop Electrónico

La participación de Pet Shop Boys es un evento en sí mismo. Con una carrera que abarca más de cuatro décadas, el dúo es pionero del pop electrónico y responsable de himnos atemporales como “West End Girls”, “It’s a Sin”, “Go West” y “Always on My Mind”. Su sonido sofisticado y sus espectáculos visualmente impactantes prometen ser uno de los momentos más memorables en la historia reciente del festival.El festival será transmitido para toda Latinoamérica a través del canal de televisión Mega y la plataforma de streaming Disney+.

Elton John: Erradicar el SIDA haría a Trump un “gran presidente”

Sir Elton John, uno de los activistas más importantes en la lucha contra el SIDA, ha hecho una sorprendente declaración, sugiriendo que Donald Trump podría pasar a la historia como “uno de los más grandes presidentes” si lograra poner fin a la epidemia del SIDA.

En una nueva entrevista con la revista Variety, el legendario músico británico apeló directamente al legado del exmandatario como una vía para alcanzar su meta de erradicar la enfermedad. John planteó que, tras los intentos de lograr un plan de paz en el conflicto entre Israel y Gaza, Trump podría enfocar su atención en esta otra “guerra”.

“El presidente Trump tal vez ha resuelto el problema de la paz”, dijo John. “Si quiere pasar a la historia como uno de los más grandes presidentes… si él terminara con el SIDA, eso sería realmente una medalla en su solapa“.

La Frustración de un Activista

Las declaraciones de Elton John se enmarcan en su frustración por la falta de acción de los gobiernos a nivel mundial. El músico criticó a países de África, Rusia, Oriente Medio y Europa del Este por no hacer lo suficiente para detener la epidemia de VIH/SIDA.

“Hay otra guerra con personas que sufren de VIH y SIDA que deberían poder obtener sus medicamentos pero no pueden, porque los gobiernos no se lo permiten. Es inhumano”, afirmó. “Es tan frustrante cuando tienes la medicina, tienes el PrEP, tienes los antirretrovirales. Podemos detener la propagación del SIDA, si la gente simplemente se levantara y tratara a los seres humanos de una manera cristiana“.

Un Historial Complicado

La relación entre Elton John y Donald Trump ha sido compleja. El músico actuó en la boda de Trump con Melania en 2005, pero declinó cortésmente la invitación para cantar en su toma de posesión en 2016. En esa ocasión, John aprovechó para implorar al entonces futuro presidente que continuara la lucha global contra el VIH/SIDA.

Las declaraciones de Elton contrastan con algunas de las acciones de la segunda administración de Trump. Una de sus primeras medidas fue cerrar la Agencia de los Estados Unidos para el Desarrollo Internacional (USAID), que proporcionaba atención médica y alimentos a personas con VIH/SIDA. Se estima que esa decisión ha provocado un gran número de muertes.A pesar de no tener una línea directa con Trump, el esposo de Elton, David Furnish, reveló a Variety que han tenido “conversaciones muy positivas” con representantes en Washington. Con sus declaraciones, Elton John parece estar utilizando una estrategia de “hablar en superlativos” para apelar a la vanidad de Trump y dirigir su atención hacia una causa que ha definido la vida del músico.