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El origen musical de Richard Marx: Trabajo de estudio previo a su debut solista

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Richard Marx inició su trayectoria técnica enviando una cinta de demostración durante su etapa escolar. El material físico llegó a las manos del cantante Lionel Richie, quien contactó al músico originario de Chicago para invitarlo a trabajar en California. El traslado ocurrió cuando el tecladista contaba con 17 años de edad, marcando su entrada a las cabinas de grabación. Allí comenzó su participación como corista para distintos proyectos sonoros. 

Su primera oportunidad laboral en cabina sucedió durante las sesiones del disco debut en solitario de Lionel Richie. El cantante empleó a Marx para registrar las armonías vocales de fondo en diferentes pistas comerciales. La ejecución del músico quedó documentada en los audios definitivos de All Night Long (All Night), lanzada en 1983. Esta colaboración directa le otorgó créditos formales en la producción de audio a nivel internacional. 

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Composición acústica para figuras del mercado 

Tiempo después de establecerse como cantante de sesión, el intérprete conoció al músico Kenny Rogers. Durante su encuentro en el cuarto de control, Marx reprodujo melodías escritas bajo su propia autoría. El cantante de country decidió grabar dichos cortes de audio, iniciando una colaboración compositiva entre ambos artistas. La asociación técnica permitió al escritor posicionar sus primeras obras musicales dentro de los formatos físicos de distribución masiva. 

La canción What About Me? figuró como el primer corte comercial redactado por el compositor estadounidense en llegar al mercado. Kenny Rogers interpretó la obra sonora junto a los vocalistas James Ingram y Kim Carnes, alcanzando la primera posición en los reportes de difusión de 1984. Al año siguiente, el corte Crazy replicó las ventas físicas dentro de los listados de música country.

Ampliación del catálogo y firma de contrato discográfico 

A la par de su trabajo en la redacción de partituras, el instrumentista mantuvo sus labores de acompañamiento vocal. Su registro sonoro figura en los coros del tema Crazy for You interpretado por la cantante Madonna. De igual manera, sumó aportaciones técnicas para agrupaciones del género soft rock como Chicago. Estos trabajos de sesión expusieron sus grabaciones ante los ejecutivos de distintas disqueras establecidas. 

Tras realizar negociaciones con distintos sellos discográficos, el cantante firmó un acuerdo de distribución con la marca EMI/Manhattan Records. La publicación de su disco homónimo Richard Marx en 1987 marcó su transición oficial hacia la interpretación principal de los temas. Las composiciones acústicas escritas durante su etapa como productor cimentaron la base de su catálogo auditivo. El material debut superó el registro de tres millones de copias físicas comercializadas. 

Andrew Farriss: La historia del hombre que escribió los mayores éxitos de INXS

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La identidad sonora de INXS, la agrupación australiana que dominó las listas de popularidad durante las décadas de los 80 y 90, reside principalmente en la capacidad compositiva de Andrew Farriss. Como tecladista y guitarrista principal, Farriss asumió el rol de motor creativo, estableciendo una sociedad autoral con el vocalista Michael Hutchence que derivó en la venta de más de 60 millones de discos a nivel mundial. Mientras Hutchence aportaba el carisma y la lírica introspectiva, Andrew Farriss construyó las estructuras melódicas que fusionaron el funk, el rock y el new wave en un sonido único y exportable.

La importancia de Farriss se consolidó con el lanzamiento del álbum The Swing en 1984, bajo la producción de Nile Rodgers. Sin embargo, su punto más alto como compositor ocurrió con el disco Kick en 1987. De acuerdo con registros de la industria, el valor actual del catálogo de canciones coescritas por Farriss se estima en una cifra superior a los 25 millones de dólares, lo que representa aproximadamente 417,500,000 pesos mexicanos. Esta valoración subraya la vigencia de piezas que continúan generando ingresos masivos a través de derechos de ejecución y licencias para cine y publicidad.

La creación de “Need You Tonight” y el dominio del riff rítmico

Uno de los hitos más documentados en la carrera de Andrew Farriss es la creación del riff de Need You Tonight. La historia relata que Farriss compuso la base rítmica de la canción mientras esperaba un taxi para dirigirse al aeropuerto de Sídney. Ante la inminencia de la idea musical, el compositor pidió al conductor que esperara 40 minutos mientras grababa el bosquejo inicial en su estudio casero. Este tema alcanzó el primer puesto en el Billboard Hot 100 en 1988, convirtiéndose en el único sencillo de la banda en lograr dicha posición en Estados Unidos.

La técnica de Farriss se caracterizó por el uso de espacios y silencios, permitiendo que el bajo de su hermano, Garry Farriss, y la batería de Jon Farriss interactuaran con sus arreglos de teclado. En canciones como New Sensation y What You Need, Andrew implementó una estructura de funk blanco que diferenciaba a INXS de las bandas de hair metal y pop sintético de la época. Su enfoque priorizó siempre la efectividad del groove sobre el virtuosismo técnico innecesario, una decisión que permitió la rotación constante de la banda en estaciones de radio de diversos formatos.

“Never Tear Us Apart” y la versatilidad de los arreglos orquestales

A diferencia de los temas bailables, Andrew Farriss también demostró una profunda sensibilidad para las baladas orquestales. La composición de Never Tear Us Apart integró un arreglo de cuerdas y un solo de saxofón que transformó la pieza en un himno generacional. Farriss utilizó sintetizadores para crear una atmósfera dramática que servía como el lienzo perfecto para la interpretación vocal de Hutchence. Esta canción no solo se convirtió en un éxito en las listas, sino que consolidó la imagen de la banda como una entidad capaz de producir música con profundidad emocional.

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Tras el fallecimiento de Michael Hutchence en 1997, Farriss asumió el liderazgo para mantener el legado de la agrupación, participando en proyectos como el programa de televisión Rock Star: INXS. En años recientes, el músico ha explorado una carrera en solitario orientada hacia el género country, pero su influencia se mantiene ligada a los éxitos que definieron la era dorada del rock oceánico. Farriss se mantiene como el responsable directo de la longevidad de INXS, asegurando que sus composiciones mantengan una relevancia técnica y comercial en la industria multimedia contemporánea.

LP: intensidad, libertad y un reencuentro con México en el Tecate Emblema

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En una industria donde la imagen muchas veces antecede al talento, LP ha construido su carrera desde la autenticidad. Laura Pergolizzi, nacida en Long Island, Nueva York, se ha convertido en una de las voces más poderosas y singulares del pop alternativo contemporáneo: aguda, rasgada, emocional y profundamente honesta.

Su reconocimiento internacional puede parecer repentino, pero su historia es la de una artista que trabajó durante años detrás del telón antes de ocupar el centro del escenario.

La arquitecta de éxitos internacionales

Antes de que el mundo la identificara por “Lost on You”, LP ya era una compositora respetada en la industria. Su talento para crear melodías memorables y letras directas la llevó a colaborar con grandes figuras del pop mundial.

Para Rihanna coescribió “Cheers (Drink to That)”, tema incluido en el álbum Loud, que se convirtió en uno de los sencillos más populares de la cantante barbadense y mostró la capacidad de LP para construir coros explosivos y pegajosos.

Con Christina Aguilera trabajó en “Beautiful People”, canción incluida en el álbum Back to Basics, un proyecto que mezclaba soul clásico con producción contemporánea. La colaboración evidenció su versatilidad y comprensión de distintos registros vocales.

También participó en la escritura de “Love Will Keep You Up All Night” para los Backstreet Boys, aportando frescura a una de las agrupaciones pop más exitosas de los noventa.

Además, su nombre aparece vinculado a sesiones y composiciones para artistas como Cher, para quien desarrolló material en etapas recientes de su carrera; Leona Lewis, explorando baladas de gran carga emocional; y Rita Ora, aportando estructuras melódicas sólidas dentro del pop contemporáneo europeo.

Estas colaboraciones consolidaron a LP como una creadora confiable dentro de la industria: alguien capaz de escribir para otros sin diluir su identidad artística.

El fenómeno “Lost on You”

En 2016, su propia voz finalmente tomó el protagonismo mundial. “Lost on You” se convirtió en un fenómeno global, con fuerte impacto en Europa y América Latina. La canción no solo acumuló millones de reproducciones; se transformó en un himno generacional sobre el amor perdido y la vulnerabilidad.

Su mezcla de pop alternativo, folk y rock, junto con su característico uso del ukelele en vivo, reforzó una identidad escénica distinta a cualquier tendencia pasajera.

LP y México: una conexión que va más allá del escenario

México ha sido clave en su consolidación internacional. Desde las primeras transmisiones de “Lost on You” en radio hasta sus conciertos con llenos totales en Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey, el público mexicano ha demostrado una conexión intensa con su música.

LP ha expresado en diversas ocasiones que el público mexicano es uno de los más apasionados que ha encontrado en su carrera. Esa energía colectiva —donde miles de personas cantan cada verso como propio— ha convertido sus presentaciones en el país en experiencias catárticas.

LP en el Tecate Emblema

Su presencia en el Tecate Emblema encaja perfectamente con la esencia del festival: propuestas pop con personalidad, diversidad sonora y artistas que generan conexión real.

En un cartel donde el pop se celebra en todas sus vertientes, LP representa la emoción en estado puro. Su show promete ser uno de esos momentos donde el público no solo escucha… sino siente.

Porque cuando LP canta, no interpreta una canción. La convierte en verdad compartida.

REDACCION

Muere a los 86 años Neil Sedaka, el genio detrás de “Oh! Carol”

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El viernes 27 de febrero de 2026 se reportó la muerte del músico, cantante y compositor estadounidense Neil Sedaka que a lo largo de su carrera se mantuvo como una de las figuras más influyentes en la historia de la música popular contemporánea. Nacido el 13 de marzo de 1939 en Brooklyn, Nueva York, Sedaka ha logrado una permanencia inusual en la industria, transitando con éxito desde la era del rock and roll primigenio hasta la consolidación del pop adulto en las décadas posteriores. En este 2026, su catálogo musical experimenta un resurgimiento masivo, impulsado por nuevas producciones teatrales y la gestión de sus derechos de autor, los cuales fueron valorados recientemente en una cifra cercana a los 50 millones de dólares, lo que equivale a 857,500,000 pesos mexicanos.

La carrera de Sedaka destacó por una formación técnica rigurosa en la Juilliard School, donde desarrolló las habilidades pianísticas que posteriormente aplicaría en la creación de éxitos mundiales. La versatilidad de sus composiciones permitió que su música trascendiera el tiempo, logrando que canciones escritas a finales de los años 50 sigan presentes en la programación radial de la Ciudad de México y otras grandes urbes. Su labor en el emblemático Brill Building junto al letrista Howard Greenfield estableció las bases rítmicas y melódicas que definieron el estándar de la radio internacional durante la década de los 60.

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El resurgimiento en los años 70 y la alianza estratégica con Elton John

Tras un periodo de menor visibilidad comercial en los Estados Unidos debido a la “invasión británica”, Neil Sedaka protagonizó uno de los regresos más espectaculares en la historia del entretenimiento. En 1974, el músico firmó con el sello Rocket Records, propiedad de Elton John, una decisión que revitalizó su presencia en las listas de popularidad. Bajo esta nueva estructura profesional, el artista publicó el álbum Sedaka’s Back, el cual incluyó el tema número uno Laughter in the Rain. Esta etapa demostró que la madurez artística de Sedaka era compatible con las nuevas tendencias del pop de mediados de los 70.

La colaboración con Elton John no solo le otorgó un nuevo éxito como intérprete, sino que consolidó su posición como un autor de primer nivel para otros artistas. Un ejemplo fundamental fue la canción Love Will Keep Us Together, escrita por Sedaka y grabada por Captain & Tennille, la cual obtuvo el premio Grammy a la Grabación del Año en 1976. Los analistas de la industria señalan que la sociedad técnica entre Sedaka y el equipo de Rocket Records permitió que el sonido clásico de piano se integrara de forma orgánica a las producciones de gran formato que dominaron la radio de finales del siglo XX.

La vigencia de sus composiciones en las décadas de los 80 y 90

Para la audiencia que consumió música durante los años 80 y 90, la figura de Neil Sedaka se mantuvo presente a través de regrabaciones y el uso de su catálogo en la industria cinematográfica. En 1980, el cantante lanzó una versión renovada de su clásico Breaking Up Is Hard to Do en formato de balada lenta, demostrando que una composición sólida puede ser reinterpretada en diferentes géneros con éxito comercial. Durante este periodo, su hija Dara Sedaka también se integró a sus producciones, destacando el dueto Should’ve Never Let You Go que alcanzó posiciones destacadas en la radio contemporánea.

La influencia del músico se manifiesta en la rotación constante de temas como Oh! Carol, Calendar Girl y Bad Blood. Los especialistas en musicología coinciden en que el legado de Sedaka reside en la precisión de sus estructuras armónicas, un valor que ha servido como escuela para los compositores actuales. La industria discográfica ha capitalizado este interés mediante el lanzamiento de colecciones remasterizadas en alta fidelidad, asegurando que la claridad vocal y la ejecución técnica del artista se conserven bajo los estándares tecnológicos de 2026.

Actividad digital y el nuevo proyecto musical en Broadway

En la actualidad, Neil Sedaka mantuvo una conexión estrecha con su audiencia a través de las plataformas digitales. Tras el inicio de la década de 2020, el artista comenzó a realizar mini-conciertos desde su hogar, utilizando las redes sociales para relatar las historias detrás de sus canciones más famosas. Esta cercanía mediática ha impulsado el desarrollo de un musical de Broadway titulado Laughter in the Rain, el cual tiene programado su estreno para la próxima temporada. La producción busca retratar su ascenso desde las calles de Brooklyn hasta la cima de la industria musical global.

La vigencia de Neil Sedaka en 2026 confirma que la calidad en la escritura de canciones es el motor de la longevidad artística. Al cumplirse un aniversario más de sus grandes triunfos en Billboard, la figura del intérprete se consolida como un valor permanente de la cultura popular. Los detalles adicionales sobre la gira de promoción del musical y la posible salida de material de archivo inédito se darán a conocer en los boletines informativos de la temporada de otoño, reafirmando que la magia de las melodías de Sedaka sigue uniendo a diversas generaciones de oyentes en todo el planeta.

¿Quién fue Billy Steinberg? El compositor de Like a Virgin fallece a los 75 años

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El compositor estadounidense Billy Steinberg falleció el lunes 16 de febrero de 2026 en su residencia de Los Ángeles, California, a la edad de 75 años. La noticia fue confirmada por sus representantes legales, detallando que el deceso ocurrió a consecuencia de una batalla contra el cáncer. Steinberg, una de las figuras más influyentes en la escritura de canciones durante las últimas cuatro décadas, murió apenas diez días antes de cumplir los 76 años. Su trayectoria profesional destaca por haber definido el sonido de la radio internacional durante las décadas de los 80 y 90.

Especializado en la creación de baladas y temas de pop melódico, Steinberg alcanzó la notoriedad internacional mediante su sociedad creativa con Tom Kelly. Juntos firmaron piezas fundamentales que lideraron las listas de popularidad, logrando que cinco de sus composiciones alcanzaran el primer puesto en el listado Billboard Hot 100. El trabajo del letrista se caracterizó por una técnica que privilegiaba la vulnerabilidad emocional dentro de estructuras de consumo masivo, influyendo en la formación de múltiples generaciones de artistas en la Ciudad de México y el mundo.

El éxito con Madonna y la consolidación en los años 80

La carrera de Billy Steinberg experimentó un impulso definitivo en 1984 cuando la cantante Madonna seleccionó Like a Virgin como el tema central de su segunda producción discográfica. La canción lideró el mercado de Estados Unidos durante seis semanas consecutivas, estableciendo un estándar para la música pop de la época. La colaboración con Kelly permitió que el dúo de autores generara otros éxitos de gran escala, incluyendo el tema Alone, interpretado por la banda Heart en 1987, y la balada Eternal Flame, grabada por la agrupación femenina The Bangles.

La estructura interpretativa de sus letras permitió que solistas de alto perfil técnico demostraran su rango vocal. Entre los registros de la industria destaca el tema So Emotional, grabado por Whitney Houston, el cual también alcanzó la cima de las listas de ventas. Estas composiciones mantienen una rotación constante en la radio actual, demostrando que la calidad técnica de la escritura de Steinberg posee una vigencia que trasciende las tendencias temporales. El autor manifestó en diversas entrevistas que su método de trabajo consistía en capturar sentimientos honestos para transformarlos en himnos radiales.

Colaboración con Cyndi Lauper y el impacto de True Colors

La cantante y figura de los años 80, Cyndi Lauper, reconoció la labor de Steinberg tras conocerse su deceso, calificándolo como un letrista excepcional. Lauper recordó el proceso de grabación del tema True Colors en 1986, señalando que la colaboración exigió una búsqueda profunda para lograr la interpretación definitiva. La artista afirmó que Steinberg aceptó las modificaciones que ella realizó a la versión original, resultando en una obra que se convirtió en un símbolo de apoyo y diversidad a nivel global.

Tras el retiro profesional de Tom Kelly, Billy Steinberg continuó su labor creativa junto al productor Rick Nowels. Esta nueva etapa le otorgó en 1996 el premio Grammy al Álbum del Año por su participación en el disco Falling Into You de Celine Dion, donde compuso el tema homónimo. La capacidad del autor para adaptarse a los cambios tecnológicos de los estudios de grabación permitió que su catálogo se expandiera hacia artistas de diversos géneros, desde el rock alternativo de The Pretenders con I’ll Stand by You, hasta el pop contemporáneo de JoJo con Too Little Too Late en 2006.

Billy Steinberg fue inducido al Salón de la Fama de los Compositores en el año 2011, una distinción que validó su impacto en la música grabada del siglo XX. Sus inicios en la industria se remontan a su estancia en el Bard College de Nueva York y a su participación en la banda Billy Thermal. El despegue de su carrera ocurrió con el tema How Do I Make You, grabado por Linda Ronstadt en 1980. Desde ese momento, el nombre de Steinberg figuró en los créditos de discos grabados por Tina Turner, Pat Benatar, Bette Midler y Cheap Trick, entre otros.

El hijo del autor, Ezra Steinberg, manifestó a medios internacionales que presenciar el éxito de su padre permitió comprender el impacto de la música en la vida cotidiana de las personas. Los analistas de la industria coinciden en que Steinberg legitimó el uso de letras introspectivas en el pop comercial, abriendo paso a una nueva forma de entender la composición para radio. Al confirmarse su fallecimiento en 2026, la comunidad artística internacional rinde tributo a un creador que, mediante la palabra, logró que millones de oyentes se identificaran con sus propias emociones.Los servicios funerarios se llevarán a cabo en una ceremonia privada en el estado de California. La discográfica Universal Music, encargada de la administración de su catálogo, informó que se preparan ediciones especiales de sus éxitos más recordados para honrar su memoria. Con la partida de Billy Steinberg, desaparece uno de los arquitectos fundamentales del pop contemporáneo, asegurando que su legado musical permanezca activo en las plataformas digitales y en la memoria colectiva de quienes crecieron escuchando sus creaciones en las décadas pasadas.

La razón por la que Freddie Mercury envidiaba a Elton John

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Para celebrar el 40º aniversario del álbum debut en solitario de Freddie Mercury, Mr. Bad Guy, su canal oficial de YouTube ha comenzado a publicar una fascinante y reveladora entrevista de 1985 que había permanecido en los archivos. En los clips, el legendario líder de Queen habla con una franqueza inusual sobre sus inseguridades, su proceso creativo y su visión de la vida y la muerte.

La entrevista, realizada por el periodista David Wigg, muestra a un Mercury íntimo, lejos de la imponente figura del escenario, ofreciendo una rara visión de la mente de un genio.

El Genio que “Odiaba” Escribir Letras

En el segundo episodio de la miniserie, Mercury hace una confesión sorprendente sobre su proceso de composición. Al ser preguntado si escribir canciones le resultaba fácil, el cantante se toma un momento, enciende un cigarrillo y responde.

“La estructura de la melodía me resulta fácil”, concluye, “pero el contenido lírico es lo que encuentro difícil“. Y añade: “No soy un poeta y, de todos modos, odio escribir letras. Desearía que alguien más pudiera hacerlo”.

En un momento de humor autocrítico, hace una referencia a su amigo Elton John: “Desearía tener un Bernie Taupin [el letrista de Elton], pero no soy así. Me gusta hacerlo todo yo mismo, soy una perra codiciosa”.

“Quizás soy una Persona muy Trágica”

Freddie también reflexiona sobre los temas recurrentes en su música, admitiendo que sus canciones casi siempre terminan en un lugar de profunda emoción.

“Me encantaría escribir canciones sobre algo totalmente diferente, pero todas parecen terminar de una manera muy emocional y trágica. Quizás soy una persona muy trágica. No sé por qué, pero hay un elemento de humor al final. Soy una persona muy amorosa, ¿sabes?”.

El cantante se describe a sí mismo como un “hombre de extremos” y un “camaleón” que cambia día a día, una cualidad que, según él, se refleja directamente en la diversidad de su música.

“El Infierno es Mucho Mejor”

El periodista David Wigg, reflexionando sobre la entrevista en 2025, recordó que Freddie estaba “muy interesado en hacer Mr. Bad Guy porque tenía una selección de canciones que sentía que no habrían funcionado con Queen”, incluyendo joyas como “Made in Heaven”.

El clip concluye con una pregunta directa de Wigg: “¿Crees que irás al cielo?”. La respuesta de Freddie es tan provocadora y memorable como él mismo.

“No, no quiero”, declara. Y con una sonrisa pícara, remata: “El infierno es mucho mejor. Mira a la gente interesante que vas a conocer allá abajo”.Estos videos son un complemento perfecto para la reciente reedición en vinilo del 40º aniversario de , ofreciendo no solo la música, sino también la mente y el corazón del hombre que la creó.

Hollywood Bowl nombra su escenario en honor a John Williams

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En un hecho sin precedentes, el icónico escenario del Hollywood Bowl ha sido nombrado oficialmente en honor al legendario compositor John Williams. El anuncio fue realizado por la Filarmónica de Los Ángeles (LA Phil), destacando que esta es la primera vez en los 103 años de historia del recinto que su escenario recibe el nombre de un artista.

La nueva señalización con el nombre de Williams fue develada durante una ceremonia privada el pasado fin de semana. Al evento asistieron figuras prominentes y donantes de la Filarmónica, incluyendo al cineasta Steven Spielberg, el comediante y productor Seth MacFarlane y el director J.J. Abrams.

Durante la ceremonia, Steven Spielberg, colaborador de toda la vida de Williams, pronunció un emotivo discurso que resume el impacto del compositor en la cultura popular: “Sin John Williams, las bicicletas no vuelan, ni tampoco las escobas en los partidos de Quidditch, ni los hombres con capas rojas”.

Continuó Spielberg: “No existe la Fuerza, los dinosaurios no caminan sobre la Tierra. No nos asombramos, no lloramos, no creemos”.

La Música Detrás de la Magia del Cine

John Williams, a sus 93 años, es posiblemente el compositor de bandas sonoras más reconocido e influyente de todos los tiempos. Su trabajo ha definido el sonido de generaciones enteras de cinéfilos, creando algunas de las melodías más icónicas de la historia del cine. Su legado incluye:

  • La saga completa de Star Wars.
  • Las partituras de películas como Jaws, E.T. el Extraterrestre y Jurassic Park.
  • Las bandas sonoras de las franquicias de Indiana Jones y las tres primeras películas de Harry Potter.

Con 54 nominaciones al Oscar y cinco estatuillas ganadas, es la persona viva más nominada en la historia de los premios de la Academia.

Un Honor “Sin Igual”

Al recibir el homenaje, el propio John Williams expresó su profunda gratitud por la generosidad “sin precedentes y sin igual” de la Filarmónica de Los Ángeles, orquesta con la que ha colaborado durante décadas. “La singularidad de este honor es ciertamente inaudita y les agradezco a todos ustedes”, declaró el maestro.

El Hollywood Bowl es la sede de verano de la LA Phil, y los conciertos de John Williams en este recinto son una tradición anual que agota las entradas, convirtiéndose en uno de los eventos más esperados de la temporada cultural de Los Ángeles. Este nombramiento sella para siempre la histórica relación entre el compositor, la orquesta y el emblemático escenario.