De los clubes de Liverpool al libro definitivo: la historia de OMD en Pretending to See the Future

La editorial británica This Day In Music Books puso en circulación OMD: Pretending to See the Future, la biografía oficial de Orchestral Manoeuvres in the Dark escrita por el investigador musical Richard Houghton. El volumen documental de casi cuatrocientas páginas reconstruye la trayectoria de la banda inglesa desde sus primeros ensayos escolares en Wirral hasta su retorno a las giras masivas en el siglo XXI. 

La obra detalla cómo Andy McCluskey y Paul Humphreys introdujeron sintetizadores analógicos de bajo costo en los clubes independientes de Liverpool a finales de los años setenta. El texto arranca con el lanzamiento de “Electricity” en 1979 a través del sello Factory Records de Tony Wilson, exponiendo la concepción minimalista que definió el desarrollo temprano del pop electrónico en Gran Bretaña. 

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El éxito masivo de Architecture & Morality y la separación de 1989 

La narrativa biográfica examina la etapa de mayor impacto comercial del cuarteto durante la década de 1980, concentrándose en el proceso de grabación del álbum Architecture & Morality (1981). Dicho periodo consolidó temas representativos como “Enola Gay”, “Souvenir” y “Joan of Arc”, reuniendo relatos de los integrantes sobre el uso de teclados Mellotron para generar atmósferas corales que contrastaban con las secuencias rítmicas de la época. 

El libro aborda además los desacuerdos internos por la dirección comercial del catálogo que culminaron en la división de los fundadores en 1989. Mientras McCluskey conservó los derechos del nombre para editar producciones en solitario durante los noventa, Humphreys impulsó proyectos alternativos antes de acordar una reunión formal sobre los escenarios en 2006. 

Testimonios de archivo, memorabilia de seguidores y legado editorial 

La metodología de Houghton combinó entrevistas con los músicos fundadores, Malcolm Holmes y Martin Cooper, con anécdotas y material fotográfico facilitado directamente por seguidores de Europa y Norteamérica. Este enfoque testimonial documenta la recepción comunitaria de la tecnología musical en conciertos históricos celebrados en recintos del Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. 

La investigación concluye con un análisis sobre la vigencia del sonido sintético analógico tras cuatro décadas de grabaciones de estudio continuas. Con reediciones físicas y reimpresiones conmemorativas disponibles en librerías internacionales, OMD: Pretending to See the Future permanece como el compendio documental más completo publicado sobre la historia técnica y artística de la banda británica. 

La histórica alianza de Eric Clapton y Duane Allman vuelve a las tiendas: reeditan Layla en vinilo doble 

El sello discográfico Polydor y Universal Music confirmaron el relanzamiento en vinilo de Layla and Other Assorted Love Songs, el único álbum de estudio de Derek and the Dominos. La producción estará disponible a nivel internacional a partir del 17 de octubre de 2026 en un formato doble de vinilo azul transparente, integrándose a las celebraciones del National Album Day en el Reino Unido. 

Publicado originalmente en noviembre de 1970 bajo la producción del ingeniero Tom Dowd en los estudios Criteria de Miami, el disco documentó el periodo de retiro voluntario de Eric Clapton tras su paso por Cream y Blind Faith. El guitarrista británico formó el cuarteto junto al tecladista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el baterista Jim Gordon para alejarse de las presiones del estrellato masivo. 

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El diálogo de guitarras con Duane Allman y la inspiración de Layla 

El elemento técnico definitorio de la grabación surgió tras la incorporación de Duane Allman, líder de The Allman Brothers Band, quien participó como guitarrista invitado en once de las catorce pistas. El intercambio sonoro entre la Stratocaster de Clapton y la guitarra con cuello de botella (slide) de Allman estableció un precedente en los métodos de improvisación de blues rock de comienzos de la década de 1970. 

La canción homónima “Layla” tomó como referencia lírica el poema clásico persa La historia de Layla y Majnún del autor Nizamí Gandzhaví, adaptándolo al conflicto sentimental que Clapton experimentaba hacia Pattie Boyd, entonces esposa de George Harrison. El tema se estructuró a partir de un riff ideado por Allman y una coda instrumental de piano compuesta e interpretada por Jim Gordon junto a Rita Coolidge. 

Repertorio de estudio y vigencia a más de cinco décadas 

Además de temas originales como “Bell Bottom Blues” y “Why Does Love Got to Be So Sad?”, la producción incluyó una versión de “Little Wing”, grabada como homenaje directo a Jimi Hendrix pocos días antes de su fallecimiento en Londres en septiembre de 1970. El repertorio fusionó el blues tradicional de Chicago con armonías vocales de southern soul, marcando un punto de quiebre en la técnica solista de Clapton. 

Aunque la banda se disolvió en 1971 durante las sesiones inconclusas de un segundo disco debido a tensiones internas y adicciones, la obra ingresó al Salón de la Fama de los Grammy en el año 2000. Más de cinco décadas después de su salida al mercado, esta reedición en acetato translúcido de 180 gramos preserva uno de los documentos de mayor rigor interpretativo en la historia del rock clásico. 

El enigma de Richey Edwards: la desaparición que marcó la historia de Manic Street Preachers

Fundada en 1986 en Blackwood, Gales, Manic Street Preachers estructuró una propuesta de rock alternativo con contenido político encabezada por James Dean Bradfield, Nicky Wire y Sean Moore. La incorporación de Richey Edwards como letrista y guitarrista rítmico aportó una estética provocadora influenciada por la literatura y el punk, visible en sus primeros lanzamientos Generation Terrorists (1992) y Gold Against the Soul (1993). 

El punto definitorio de esta etapa inicial ocurrió en agosto de 1994 con la salida de The Holy Bible, tercer trabajo de estudio del cuarteto. Edwards escribió la mayor parte de las letras, abordando problemáticas como la alienación social, los trastornos psicológicos y el autoritarismo, lo que convirtió a la placa en una referencia del rock británico de los años noventa. 

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La desaparición en Londres y la reconstrucción en Everything Must Go 

El 1 de febrero de 1995, Edwards desapareció tras salir del hotel The Embassy en Londres, horas antes de abordar un vuelo hacia Estados Unidos para una gira de promoción. Su automóvil fue localizado dos semanas después cerca del puente Severn en Inglaterra sin rastros de su paradero; tras años de investigaciones policiales inconclusas, fue declarado legalmente muerto en noviembre de 2008. 

Ante la pérdida de su compañero, los tres integrantes restantes resolvieron continuar en formato de trío, editando en 1996 el álbum Everything Must Go con sencillos como “A Design for Life”. La respuesta comercial se consolidó en 1998 con This Is My Truth Tell Me Yours, trabajo que debutó en el primer lugar de ventas del Reino Unido gracias al éxito de “If You Tolerate This Your Children Will Be Next”. 

Las letras póstumas de Journal for Plague Lovers y el debut en México 

El legado letrístico de Edwards reapareció formalmente en 2009 con la publicación de Journal for Plague Lovers, un álbum concebido íntegramente a partir de textos y poemas inéditos que el músico dejó antes de su desaparición. La banda mantuvo la difusión de este archivo poético mientras expandió su catálogo discográfico con producciones recientes como The Ultra Vivid Lament (2021) y Critical Thinking (2025). 

Con más de tres décadas y media de trayectoria sobre los escenarios, la formación galesa confirmó su debut formal en territorio mexicano como parte del festival Corona Capital 2026. La presentación se llevará a cabo el domingo 22 de noviembre en el Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México, fecha en la que revisitarán su repertorio histórico frente a la audiencia latinoamericana. 

Underworld celebrará 30 años de “Born Slippy” en el Corona Capital 2026

A tres décadas del lanzamiento de “Born Slippy .NUXX”, el dúo británico Underworld confirmó su presentación en el festival Corona Capital 2026. El proyecto electrónico encabezado por Karl Hyde y Rick Smith subirá al escenario del Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México el sábado 21 de noviembre, integrando la segunda jornada del encuentro musical. 

La pista apareció originalmente en 1995 como cara B del sencillo “Born Slippy”, alcanzando difusión masiva al año siguiente tras su inclusión en la película Trainspotting (1996), dirigida por Danny Boyle. Impulsada por la sincronización cinematográfica, la composición escaló hasta la segunda posición del UK Singles Chart en el Reino Unido. 

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Festejos de aniversario en Londres y novedades de estudio 

Para conmemorar el trigésimo aniversario del tema, Underworld ofreció tres presentaciones especiales en Londres durante febrero de 2026, acompañadas por la publicación de una edición conmemorativa limitada en disco de vinilo. Dicho festejo coincidió con la retrospectiva de su catálogo electrónico de la década de 1990 en plataformas de streaming. 

En paralelo a la revisión de su obra clásica, los músicos presentaron en mayo de 2026 el corte “Arp12”, una colaboración con la productora y DJ neerlandesa KI/KI. Esta pista constituyó su primera entrega de material inédito desde la salida de su undécimo álbum de estudio, Strawberry Hotel, editado a finales de 2024. 

Itinerario internacional y la escala en la Ciudad de México 

El montaje sonoro que arribará a territorio mexicano articulará secuencias de techno, trance y arreglos de sintetizadores en directo. Tras completar una serie de actuaciones en foros de Estados Unidos, la escala capitalina servirá como antesala para continuar su tramo por Sudamérica, con fechas programadas en Buenos Aires y Santiago de Chile. 

La actuación de Underworld en el Autódromo Hermanos Rodríguez compartirá cartel con las jornadas del encuentro internacional que reúne a figuras del rock y la electrónica contemporánea. Treinta años después de su mayor éxito comercial en listas, el conjunto mantiene activo su calendario de festivales masivos con producción analógica y vocalizaciones en tiempo real. 

Rush publica por primera vez en vinilo su disco de éxitos The Spirit of Radio 

El sello discográfico Universal Music Enterprises anunció el lanzamiento en vinilo de The Spirit of Radio: Greatest Hits 1974-1987 de Rush. Publicada originalmente en formato de disco compacto en 2003, la antología llega por primera vez a las tiendas en un paquete de dos LP prensados en acetato negro de 180 gramos para audiófilos y coleccionistas. 

La edición recupera dieciséis canciones registradas durante la etapa formativa y de mayor difusión radial del trío canadiense. La manufactura incluye un librillo de ocho páginas con material fotográfico de archivo y notas sobre las grabaciones, preservando el concepto gráfico que acompañó la distribución original a comienzos de siglo. 

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Del hard rock temprano a la suite de 2112 y Moving Pictures 

El repertorio abre con los primeros registros de la banda, integrando “Working Man” (1974) y “Fly By Night” (1975), corte que marcó el ingreso formal del baterista y letrista Neil Peart. La primera cara transita posteriormente hacia el rock progresivo con extractos de “2112: Overture / The Temples of Syrinx” y la acústica de “Closer to the Heart”. 

La producción compila la etapa de mayor impacto comercial del conjunto a través de piezas de los álbumes Permanent Waves (1980) y Moving Pictures (1981). Entre ellas figuran *cortes indispensables en la radio como “Tom Sawyer”, “The Spirit of Radio”, “Limelight” y “Freewill”*, destacando las líneas de bajo de Geddy Lee y los solos de guitarra de Alex Lifeson. 

La incorporación de sintetizadores y el cierre con Time Stand Still 

El segundo disco examina la transformación estilística de la banda hacia mediados de los años ochenta con temas como “Subdivisions” y “New World Man”. La inclusión de sintetizadores y secuenciadores digitales definió el sonido de cortes como “Distant Early Warning”, “The Big Money” y “Force Ten”, ampliando la instrumentación de los álbumes Grace Under Pressure y Hold Your Fire. 

El recorrido cronológico concluye con “Time Stand Still”, tema grabado junto a la cantante Aimee Mann en 1987. Tras veintitrés años de disponibilidad exclusiva en formatos digitales y CD, esta reedición analógica pone a disposición del mercado físico el documento que compila trece años de evolución técnica dentro del rock progresivo. 

Cómo Maisie Peters llegó al número uno británico antes de su debut en México

Nacida en West Sussex en el año 2000, Maisie Peters inició la difusión de sus composiciones en plataformas digitales durante su adolescencia. Tras la publicación independiente de sus primeros sencillos y la salida del EP Dressed Too Nice for a Jacket, la cantautora británica llamó la atención de Ed Sheeran, quien la integró a su sello discográfico Gingerbread Man Records. 

En agosto de 2021, la intérprete presentó su álbum debut, You Signed Up for This, producción respaldada por cortes promocionales como “Psycho” y “John Hughes Movie”. La colaboración profesional con Sheeran se consolidó en los escenarios internacionales al asignarle el rol de acto de apertura en las fechas europeas y norteamericanas del Mathematics Tour. 

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El número uno británico con The Good Witch y sencillos virales 

Su consolidación comercial ocurrió en junio de 2023 con el lanzamiento de su segundo trabajo de estudio, The Good Witch, que debutó en el primer lugar del UK Albums Chart. Dicho logro posicionó a Peters como una de las solistas británicas más jóvenes en encabezar las listas oficiales de su país, impulsada por composiciones como “Lost the Breakup”, “Blonde” y “Cate’s Brother”. 

La propuesta lírica de la cantautora se estructura a partir de crónicas narrativas sobre rupturas sentimentales y vivencias de transición hacia la vida adulta, recurriendo a contrastes de ironía y referencias a la cultura popular contemporánea. Esta línea de composición vocal enlaza el pop contemporáneo de guitarras con la tradición británica del singer-songwriter. 

Presentación en el festival Corona Capital 2026 en México 

La presencia de Maisie Peters en territorio mexicano quedó programada para el festival Corona Capital 2026, a celebrarse del 20 al 22 de noviembre en el Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México. La presentación marcará el debut formal de la artista británica frente a la audiencia del circuito de festivales de la capital del país. 

En el cartel del encuentro masivo, la cantautora compartirá programación con artistas consolidados del pop y rock alternativo de distintas décadas. Con esta escala en la Ciudad de México, Peters sumará un nuevo escenario internacional a la gira de promoción de sus álbumes de estudio, exhibiendo su formato de pop narrativo en suelo latinoamericano. 

Anne Carson: la poeta que convirtió el mundo clásico en literatura contemporánea

Anne Carson, una de las voces más originales e inclasificables de la literatura contemporánea, fue reconocida con el Premio Nobel de Literatura 2026. La Academia Sueca destacó su “obra audaz e inventiva” y, particularmente, su capacidad para establecer un diálogo lúdico con la tradición clásica y crear nuevas formas para la literatura de nuestro tiempo.

A sus 76 años, Carson recibe uno de los máximos reconocimientos de las letras después de construir durante décadas una obra que desafía las fronteras tradicionales entre poesía, ensayo, narrativa, traducción, teatro y artes visuales. Su escritura puede partir de un fragmento de la antigua Grecia y terminar hablando del deseo, el amor, la pérdida, la identidad o la soledad del mundo contemporáneo.

Nacida en Toronto, Canadá, en 1950, Carson se formó como especialista en literatura clásica. Estudió en la Universidad de Toronto y posteriormente obtuvo un doctorado en Estudios Clásicos. En 1981 presentó su tesis doctoral, titulada Odi et Amo Ergo Sum. Desde entonces, su trayectoria ha mantenido un vínculo permanente entre la investigación académica, la traducción y la creación literaria.

Esa combinación es fundamental para comprender su trabajo. Carson no estudia la Antigüedad únicamente como una especialista que observa el pasado: utiliza sus personajes, mitos, palabras y textos como materiales vivos que pueden ser transformados y reinterpretados.

La propia Academia Sueca ha señalado que prácticamente toda su producción se encuentra en la intersección entre la obsesión del filólogo por las palabras y el deseo del poeta por encontrar nuevos significados. La etimología, el origen y la transformación de las palabras se encuentran entre los puntos de partida de su escritura.

El deseo como punto de partida

Uno de sus primeros libros fundamentales fue Eros the Bittersweet, publicado en 1986. El ensayo parte de la literatura griega antigua para explorar el deseo amoroso y su naturaleza contradictoria: aquello que puede ser simultáneamente placentero y doloroso.

El libro ya anticipaba una de las características esenciales de Carson: su capacidad para utilizar el conocimiento académico sin convertir la literatura en un ejercicio puramente intelectual. En sus manos, la mitología y la

filología se convierten en herramientas para hablar de emociones profundamente humanas.

Su interés por la literatura clásica también la llevó a traducir a autores como Safo, Sófocles y Eurípides. Sus traducciones de los clásicos griegos han sido reconocidas no sólo por su valor académico, sino también como obras literarias con una voz propia.

Autobiografía de Rojo: el mito convertido en una historia contemporánea

En 1998 publicó Autobiography of Red, uno de sus libros más celebrados y probablemente una de las mejores puertas de entrada a su universo literario.

La obra parte de un personaje de la mitología griega: Gerión, un monstruo alado de color rojo relacionado con uno de los trabajos de Heracles. Carson toma ese personaje secundario y lo transforma en un adolescente sensible que descubre el amor, el deseo y el dolor.

El resultado es una novela escrita en verso que combina mito, narrativa, poesía y elementos de la novela de formación. El mundo antiguo y el contemporáneo conviven sin necesidad de que uno sustituya al otro.

En Carson, los mitos no son piezas de museo. Son historias que pueden volver a contarse porque las emociones que contienen —el deseo, el rechazo, la pérdida, la búsqueda de identidad— siguen siendo actuales.

Una literatura sin fronteras

A lo largo de su carrera, Carson ha cuestionado constantemente la separación entre géneros literarios.

En sus libros pueden convivir poemas, ensayos, fotografías, traducciones, fragmentos narrativos, diálogos y referencias académicas. La forma de sus obras no es un simple vehículo para sus ideas: forma y contenido están estrechamente relacionados.

The Beauty of the Husband, publicado en 2001, explora la ruptura de un matrimonio a través de 29 episodios o “tangos” literarios, acompañados por referencias a la poesía de John Keats. El libro recibió el T. S. Eliot Prize y confirmó la capacidad de Carson para convertir experiencias íntimas en estructuras literarias poco convencionales.

También ha recurrido a figuras de la cultura moderna para establecer conexiones inesperadas con la Antigüedad. En Norma Jeane Baker of Troy,

de 2019, Marilyn Monroe y Helena de Troya aparecen vinculadas a través de temas como la belleza, el deseo, la fama y la representación femenina. La obra combina teatro, poesía y tradición clásica.

Nox: escribir sobre la ausencia

Uno de sus trabajos más personales es Nox, publicado en 2010.

El libro nació a partir de la muerte de su hermano Michael, ocurrida en Dinamarca en el año 2000. Carson construyó una obra que funciona simultáneamente como libro, objeto artístico, archivo familiar y elegía.

Presentado dentro de una caja, Nox contiene un largo desplegable en forma de acordeón con fotografías, cartas, textos y fragmentos. En el centro se encuentra una traducción realizada por Carson de una elegía del poeta romano Catulo dedicada a su propio hermano.

El pasado y el presente vuelven a encontrarse. La experiencia personal de Carson se conecta con un poema escrito hace más de dos mil años, demostrando uno de los principios fundamentales de su obra: el tiempo no necesariamente separa las experiencias humanas.

El libro muestra además otra dimensión de su trabajo: para Carson, la literatura puede ocupar un espacio que se encuentra entre la palabra escrita, el objeto artístico y la memoria.

De la poesía al arte

Su experimentación continuó con obras como Float, publicada en 2016. El libro está compuesto por 22 pequeños textos o cuadernillos que pueden leerse en diferentes órdenes. Nuevamente, Carson cuestiona la idea tradicional de que un libro debe tener necesariamente un principio y un final determinados.

Su obra se ha extendido también hacia la ópera, el teatro, la música, la danza y las artes visuales. Esa libertad creativa ha convertido su producción en un territorio difícil de clasificar dentro de una sola categoría.

Quizá por eso definir a Carson simplemente como “poeta” resulta insuficiente. Es poeta, pero también ensayista, traductora, dramaturga, investigadora y creadora de objetos literarios.

Una trayectoria reconocida mucho antes del Nobel

El Nobel no llega a una autora desconocida para el mundo literario. A lo largo de su trayectoria, Carson recibió algunos de los principales reconocimientos internacionales.

Entre ellos se encuentran el T. S. Eliot Prize, el Griffin Poetry Prize, el PEN/Nabokov Award y el Premio Princesa de Asturias de las Letras, que recibió en 2020. También fue distinguida con becas Guggenheim y MacArthur y fue nombrada miembro de la Orden de Canadá.

Su carrera académica también ha sido importante. Enseñó literatura clásica en la Universidad McGill y posteriormente en la Universidad de Michigan, entre otras instituciones.

La Academia Sueca ha destacado precisamente esa combinación de conocimiento y creatividad como uno de los rasgos centrales de su obra.

Una escritora entre dos mundos

La literatura de Anne Carson parece vivir permanentemente entre dos mundos: el antiguo y el contemporáneo.

En sus páginas pueden encontrarse Safo y Virginia Woolf, Simónides de Ceos y Paul Celan, Eurípides y Marilyn Monroe. La historia de la literatura aparece como un territorio abierto en el que los autores pueden conversar aunque estén separados por siglos.

Pero el objetivo no es simplemente actualizar los clásicos.

Carson utiliza el pasado para formular nuevas preguntas sobre el presente. ¿Qué significa amar? ¿Por qué deseamos aquello que puede hacernos sufrir? ¿Cómo recordamos a alguien que hemos perdido? ¿Qué ocurre con nuestra identidad cuando una relación termina? ¿Qué permanece de nosotros cuando desaparece otra persona?

Son preguntas antiguas, pero Carson encuentra formas nuevas para plantearlas.

Una elección que reconoce la experimentación

Con el Nobel de Literatura 2026, la Academia Sueca reconoce una trayectoria que ha hecho de la experimentación una de sus principales características.

El premio también coloca nuevamente en el centro de la conversación internacional a una escritora que durante décadas ha ocupado un lugar singular dentro de la literatura en lengua inglesa.

Carson sucede en el palmarés a László Krasznahorkai, ganador del Nobel de Literatura 2025, y se incorpora a una lista que incluye nombres fundamentales de la literatura universal.

El premio está dotado actualmente con 12 millones de coronas suecas y será entregado oficialmente el 10 de diciembre en Estocolmo.

Pero más allá del reconocimiento económico y de la ceremonia, el Nobel puede tener otro efecto: acercar a nuevos lectores a una obra que, por su complejidad y su carácter experimental, quizá no siempre resulte sencilla de abordar.

Y quizá ahí se encuentre una de las mejores maneras de entender a Anne Carson.

No se trata de una escritora que pretenda facilitar la literatura, sino de una autora que constantemente intenta descubrir qué otras formas puede adoptar.

Su obra demuestra que un mito griego puede hablar del presente, que una traducción puede convertirse en creación, que un poema puede convertirse en objeto y que una historia escrita hace miles de años todavía puede encontrar nuevas palabras para hablar del ser humano.

Anne Carson ha hecho de esa búsqueda una forma de vida literaria.

Y el Nobel de Literatura 2026 reconoce precisamente esa capacidad: mirar hacia el pasado para inventar nuevas maneras de escribir el presente.

REDACCION

Ela Minus: de tocar batería punk a los sintetizadores del Corona Capital 2026

Gabriela Jimeno, conocida artísticamente como Ela Minus, inició su trayectoria musical a los doce años como baterista de la banda de hardcore punk Ratón Pérez en Bogotá. Tras varios años en el circuito subterráneo colombiano, se trasladó a Boston para cursar estudios en Berklee College of Music, donde se graduó con una doble titulación en batería de jazz y diseño de sintetizadores. 

Durante su posterior estancia en Nueva York, la productora adoptó la filosofía del circuito electrónico independiente y las presentaciones basadas en hardware analógico. Dicho proceso derivó en la fundación de su proyecto solista, caracterizado por prescindir del uso de computadoras sobre el escenario y centrar la ejecución en secuenciadores y cajas de ritmos.

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Contrato con Domino Records y los álbumes acts of rebellion y DÍA 

En 2019, la compositora formalizó su ingreso al sello británico Domino Records, publicando al año siguiente su álbum debut titulado acts of rebellion. El material integró cortes de techno minimalista y synth-pop como “megapunk” y “they told us it was hard, but they were wrong.”, obteniendo cobertura en publicaciones internacionales especializadas. 

Su segundo trabajo de estudio, DÍA, debutó en plataformas en enero de 2025 tras un proceso de grabación repartido entre locaciones de Colombia, Estados Unidos y México. Esta discografía se amplió en 2026 con el lanzamiento del EP colaborativo ¿qué les pasó a mis amigos?, producido junto al músico electrónico Nick León para pistas de baile contemporáneas. 

Participación en la jornada de cierre del Corona Capital 2026 

La presencia de Ela Minus en México quedó programada para el domingo 22 de noviembre en el festival Corona Capital 2026, celebrado en el Autódromo Hermanos Rodríguez. La productora integrará la cuota de música electrónica latinoamericana durante la tercera y última jornada del encuentro masivo en la capital mexicana. 

En esa misma fecha, el cartel presentará los espectáculos en directo de The Strokes, The xx, Johnny Marr, The Black Crowes y Santigold. Con esta actuación, la artista bogotana mostrará en el foro capitalino su configuración instrumental de sintetizadores analógicos, vinculando sus antecedentes rítmicos en el punk con el desarrollo de la música electrónica de vanguardia. 

R.E.M. celebra 25 años de Reveal con material inédito

Con motivo del vigésimo quinto aniversario de Reveal, el sello Craft Recordings anunció una reedición conmemorativa programada para publicarse el próximo 20 de noviembre de 2026. La campaña incluye el lanzamiento independiente en doble LP de The Black Sessions Revealed, un recital registrado en directo para la emisora Radio France que permaneció fuera del mercado comercial durante un cuarto de siglo.

La grabación en vivo se llevó a cabo el 7 de mayo de 2001 en los estudios de la capital francesa, apenas unas semanas después del estreno del álbum original. El repertorio comprende 17 canciones interpretadas por Michael Stipe, Peter Buck y Mike Mills, combinando novedades de aquella época como “Imitation of Life” con composiciones consagradas de su catálogo anterior.

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Ediciones en vinilo de colores y formatos de archivo

Para los coleccionistas de formatos analógicos, la plataforma oficial de la banda pondrá a disposición prensajes limitados en acetatos de color. El álbum de estudio Reveal se editará en vinilo Neon Orange, mientras que el registro en directo de The Black Sessions Revealed contará con una edición exclusiva manufacturada en vinilo doble tono Neon Pink.

De manera complementaria, el proyecto contempla un paquete de lujo compuesto por dos discos compactos y un disco Blu-ray con audio de alta resolución en sonido envolvente 5.1. El material audiovisual incorpora los videoclips oficiales de “All the Way to Reno (You’re Gonna Be a Star)”, “I’ll Take the Rain” y el archivo de prensa electrónico original de 2001.

El perfil sonoro de Reveal y su revaloración histórica

Editado originalmente en mayo de 2001 bajo la coproducción de Patrick McCarthy, Reveal representó el duodécimo trabajo de estudio del conjunto estadounidense. El bajista Mike Mills señaló en testimonios recientes que la placa conserva una identidad particular dentro de su trayectoria, ubicándola entre las producciones menos comprendidas en su momento pese a alcanzar el primer lugar en el Reino Unido.

La publicación conmemorativa suma un libro de pasta dura de 32 páginas con fotografías de archivo y textos del periodista Birgit Fuss con reflexiones actuales de sus integrantes. A 25 años de su debut, este lanzamiento analógico rescata una etapa de experimentación melódica que cerró el ciclo de difusión internacional de R.E.M. a comienzos del nuevo milenio.

The Beatles reviven Rubber Soul con mezclas nuevas y un demo inédito de John Lennon

Apple Corps y el sello UMe publicaron este 2 de octubre de 2026 la edición Super Deluxe de Rubber Soul. El proyecto discográfico conmemora el álbum editado originalmente en 1965 mediante un formato integral de cinco discos de vinilo LP de 180 gramos y un sencillo adicional en siete pulgadas, presentando restauraciones de audio a partir de las cintas analógicas de archivo. 

El primer disco contiene una nueva mezcla estéreo desarrollada por los ingenieros Giles Martin y Sam Okell a partir de los registros originales de cuatro pistas. La masterización se realizó a media velocidad, aportando un nuevo balance acústico a composiciones consagradas de la música popular como “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “Nowhere Man”, “Michelle” e “In My Life”. 

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Veintiséis tomas descartadas y la grabación casera de Little Girl 

El principal atractivo para los seguidores del cuarteto se concentra en dos LP destinados exclusivamente a las sesiones de estudio. Esta sección incluye veintiséis grabaciones que abarcan tomas preliminares y versiones alternas, destacando un registro de trabajo en cinta de “Day Tripper” y la maqueta acústica “Little Girl”, pieza grabada por John Lennon que permaneció inédita por seis décadas. 

La colección física recupera además la mezcla original en sonido monoaural y la versión estadounidense que el sello Capitol Records editó en los años sesenta con una selección distinta de pistas. El sencillo de vinilo complementario incorpora los cortes “Day Tripper” y “We Can Work It Out” utilizando las mezclas estéreo elaboradas en 2023. 

Cuatro semanas en el estudio y el prólogo de Paul McCartney 

Las sesiones del álbum original se desarrollaron en los estudios de Abbey Road durante apenas cuatro semanas, entre octubre y noviembre de 1965. Aquel proceso marcó un distanciamiento de las presentaciones masivas y funcionó como el puente experimental hacia sus obras posteriores, Revolver y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, incorporando instrumentos como el sitar indio. 

El paquete para coleccionistas se complementa con un libro de pasta dura de 88 páginas con notas detalladas de cada sesión, fotografías de archivo y una introducción firmada por Paul McCartney. Con esta entrega, el catálogo de The Beatles expande la documentación histórica sobre una de las etapas creativas más decisivas de su discografía.