Himnos del rock que nacieron de las tragedias más profundas de sus autores 

La historia de la música contemporánea registra composiciones que surgieron de los periodos de mayor vulnerabilidad emocional de sus autores. Estas piezas, originadas en el duelo y la pérdida, transformaron experiencias personales traumáticas en registros sonoros permanentes para la audiencia global. El proceso creativo bajo condiciones de crisis genera obras que mantienen una vigencia constante debido a la naturaleza real de los hechos que las inspiraron. 

Eric Clapton compuso Tears in Heaven meses después del fallecimiento de su hijo Conor, ocurrido el 20 de marzo de 1991 en Nueva York. El menor de cuatro años murió tras caer del piso 53 de un edificio en Manhattan, un evento que marcó el retiro temporal del guitarrista de los escenarios. La canción se integró a la banda sonora de la película Rush y posteriormente al álbum MTV Unplugged, convirtiéndose en uno de sus sencillos más exitosos. 

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Las historias detrás de Tears in Heaven y Wake Me Up When September Ends 

Billie Joe Armstrong, líder de Green Day, escribió Wake Me Up When September Ends en memoria de su padre, Andrew Armstrong. El deceso ocurrió el 1 de septiembre de 1982 a causa de cáncer, cuando el músico tenía diez años de edad. La letra retoma las palabras exactas que Billie Joe dirigió a su madre durante el funeral, solicitando aislamiento ante la imposibilidad de procesar la pérdida de manera inmediata. 

Robert Plant, vocalista de Led Zeppelin, enfrentó la muerte de su hijo Karac en 1977 debido a una infección estomacal aguda mientras la banda estaba de gira. Este suceso inspiró la creación de All My Love, incluida en el último álbum de estudio del grupo, In Through the Out Door. La composición se alejó del sonido duro característico de la agrupación para enfocarse en arreglos de sintetizador y una interpretación vocal orientada a la introspección. 

El impacto de la tragedia personal en el rock clásico y progresivo 

Freddie Mercury grabó The Show Must Go On en 1990, en una etapa avanzada de su lucha contra las complicaciones derivadas del SIDA. Brian May escribió la letra basándose en la determinación de Mercury por continuar trabajando a pesar de su evidente deterioro físico. La grabación final se realizó en una sola toma, demostrando la capacidad técnica del cantante incluso bajo las condiciones de salud más adversas registradas durante la producción del álbum Innuendo. 

Pink Floyd dedicó la pieza Wish You Were Here a Syd Barrett, miembro fundador del grupo cuya salud mental se deterioró drásticamente a finales de los años sesenta. La canción aborda el sentimiento de ausencia y la desconexión emocional que Barrett experimentó tras su salida de la formación original. Este tema dio nombre al noveno álbum de la banda en 1975 y permanece como un referente sobre las consecuencias colaterales de la fama y la presión creativa. 

Canciones que Stevie Nicks grabó con otras leyendas y quizás no sabías

Stevie Nicks consolidó su estatus como la primera mujer en ingresar dos veces al Salón de la Fama del Rock & Roll por su labor con Fleetwood Mac y su trayectoria solista. La cantante estadounidense alcanzó el primer puesto de las listas con su álbum debut Bella Donna en 1981, iniciando una serie de éxitos comerciales constantes. La música representa para Nicks una herramienta de resiliencia emocional, según declaraciones ofrecidas a la revista The New Yorker en el año 2022 sobre su proceso creativo. 

El catálogo de Nicks se extiende significativamente a través de participaciones especiales en proyectos de otros artistas de renombre internacional. Estas colaboraciones de estudio demuestran su versatilidad vocal y su capacidad para integrarse en diversos géneros musicales fuera de su agrupación principal. Desde el rock clásico hasta el blues, la intérprete aportó su timbre a grabaciones que definieron la programación de las estaciones de radio durante décadas.

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Encuentros en el estudio con Warren Zevon y Kenny Loggins 

En 1976, Nicks participó en el segundo álbum solista de Warren Zevon, material producido por Jackson Browne donde aportó coros para las canciones Mohammed’s Radio y Join Me in L.A. Durante este periodo, Nicks compartió residencia en Los Ángeles con Zevon y Lindsey Buckingham, conformando un núcleo de talento creativo. La presencia de la cantante en este disco ayudó a cimentar el sonido del rock californiano que dominó la industria a mediados de los años setenta. 

Dos años después, la colaboración con Kenny Loggins en el tema Whenever I Call You ‘Friend’ se convirtió en un éxito masivo al alcanzar la quinta posición del Billboard Hot 100. Loggins reconoció en el documental Yacht Rock: A Dockumentary que el dueto con Nicks fue fundamental para el lanzamiento exitoso de su carrera como solista. La pista incluida en el álbum Nightwatch permanece como uno de los momentos más destacados de la radio pop de finales de esa década. 

Colaboraciones con figuras del blues y el rock alternativo 

La versatilidad de Nicks la llevó a grabar junto a B.B. King en 1988 para la canción Can’t Get Enough, perteneciente al álbum King of the Blues: 1989. En esta sesión de estudio también participó Mick Fleetwood, logrando una conjunción de estilos que derivó en una nominación al premio Grammy. Este proyecto evidenció la capacidad de la vocalista para adaptar su estilo a las estructuras rítmicas del blues contemporáneo sin perder su esencia artística. 

En décadas posteriores, Nicks mantuvo su vigencia colaborando con Robin Zander de Cheap Trick en 1993 y con Sheryl Crow en el álbum C’mon, C’mon de 2002. En el disco de Crow, Nicks participó en los coros del tema homónimo y en la canción Diamond Road, reafirmando su influencia en nuevas generaciones de músicos. La trayectoria de la intérprete se mantiene ligada a estas alianzas, demostrando que su impacto sonoro trasciende las fronteras de Fleetwood Mac. 

De la gloria al olvido: Los discos que definieron y los que casi arruinan la carrera de Elton John

Elton John consolidó su legado en la historia de la música contemporánea tras publicar 31 álbumes de estudio durante seis décadas de trayectoria activa. La crítica especializada coincide en que su periodo de mayor efervescencia creativa ocurrió entre 1970 y 1975, cuando produjo piezas fundamentales para el rock y el pop. El análisis de su catálogo revela una dualidad marcada entre sus obras maestras y experimentos sonoros que no lograron conectar con su base de seguidores original. 

El álbum doble Goodbye Yellow Brick Road, lanzado en 1973, permanece como la obra definitiva de la dupla conformada por John y el letrista Bernie Taupin. Este material certificó ocho discos de platino en Estados Unidos gracias a la inclusión de éxitos mundiales como Candle in the Wind y Bennie and the Jets. La producción destaca por su diversidad de géneros, abarcando desde el glam rock hasta baladas cinematográficas que definieron el sonido de los años setenta. 

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Álbumes fundamentales que definieron la trayectoria de Sir Elton John 

Honky Château marcó un punto de inflexión en 1972 al convertirse en su primer material en alcanzar el número uno en las listas de popularidad estadounidenses. Este disco introdujo sonidos inspirados en el country y el rhythm and blues, alejándose de los arreglos orquestales de sus trabajos previos. La inclusión del sencillo Rocket Man (I Think It’s Going to Be a Long, Long Time) aseguró su permanencia en la memoria colectiva y en la programación radial global. 

En contraste, el cierre de la década de los setenta trajo consigo el primer gran tropiezo crítico con la publicación del disco Victim of Love en 1979. Elton John optó por un sonido disco puro en un momento donde el género perdía fuerza, además de no participar en la composición de ninguna de las pistas. La ausencia de la colaboración de Bernie Taupin resultó en un producto que la prensa especializada calificó como carente de la identidad melódica característica del artista. 

Los trabajos discográficos con menor impacto en la crítica musical 

Leather Jackets, editado en 1986, es señalado frecuentemente por el propio músico británico como el punto más bajo de su extensa producción discográfica. El álbum se grabó durante un periodo de crisis personal y problemas de adicciones, lo que se reflejó en una instrumentación electrónica que envejeció rápidamente. A pesar de contar con la participación de Roger Taylor y John Deacon, el disco no logró colocar sencillos dentro de los primeros diez lugares de las listas. 

Durante los años noventa, el álbum The Big Picture recibió comentarios tibios debido a una producción considerada excesivamente pulida y carente de riesgos artísticos. Aunque incluyó el tema Something About the Way You Look Tonight, el conjunto de canciones no alcanzó la profundidad lírica de sus trabajos conceptuales de los años setenta. La trayectoria del pianista demuestra que incluso las figuras icónicas enfrentan procesos de transición complejos para adaptarse a las nuevas tendencias del mercado musical. 

Phil Collins revela por qué no cantará en el Salón de la Fama del Rock

Phil Collins confirmó que no actuará en la ceremonia de inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll en noviembre. El artista recibe este reconocimiento por segunda ocasión, ahora por su trayectoria como solista, tras su ingreso previo con la agrupación Genesis. En una entrevista con BBC Breakfast, el cantante explicó que rechazó la invitación para tocar en vivo durante la gala en Los Ángeles. 

El músico señaló la falta de preparación física necesaria como la razón principal para declinar su participación en el escenario. Collins declaró que para presentarse en un evento de este nivel se requiere estar en condiciones óptimas o en forma para el partido. El intérprete enfatizó que los ensayos son obligatorios para evitar que la calidad de su voz se vea afectada por la inactividad. 

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Phil Collins y las condiciones para su regreso a los escenarios 

A pesar de su negativa para actuar en la inducción, el exbaterista de Genesis reportó una mejoría notable en su estado de salud. Collins aseguró que actualmente se encuentra más saludable de lo que ha estado en un periodo considerable de tiempo. Estas declaraciones generaron interés entre sus seguidores, quienes han monitoreado sus desafíos médicos durante la última década. 

El compositor no descartó por completo la posibilidad de volver a ofrecer conciertos en vivo en algún formato futuro. El artista mencionó que contempla la idea de salir de gira nuevamente, aunque aún no define planes concretos de logística. Su regreso al estudio de grabación en casa se mantiene como una prioridad constante para revisar su material creativo actual. 

Nuevas composiciones y el legado solista de Phil Collins 

Collins reveló que posee una cantidad significativa de material inédito que incluye ideas líricas y piezas musicales a medio terminar. Algunas de estas composiciones se encuentran totalmente finalizadas, lo que sugiere la posibilidad de un nuevo lanzamiento discográfico próximamente. El músico continúa escribiendo y documentando sus pensamientos como parte de su rutina de trabajo en su estudio personal. 

La ceremonia en Los Ángeles honrará el impacto de Collins en la industria del pop y el rock contemporáneo. El artista dominó las listas de popularidad mundiales durante las décadas de 1980 y 1990 con una producción constante de éxitos radiales. Su legado individual incluye temas fundamentales de la cultura popular como In the Air Tonight y la balada Against All Odds (Take a Look at Me Now). 

 

El adiós de Stephen Colbert: Paul McCartney cierra The Late Show con un clásico

Paul McCartney protagonizó el cierre definitivo de The Late Show with Stephen Colbert como el invitado sorpresa de la última emisión. La presentación ocurrió en el histórico Teatro Ed Sullivan, el mismo recinto donde The Beatles debutó en la televisión estadounidense hace 62 años. Este evento marcó el final de una de las franquicias más exitosas de la cadena CBS tras más de tres décadas al aire. 

El músico británico interpretó el clásico de 1967 Hello, Goodbye junto al presentador Stephen Colbert en los coros. Durante el bloque musical, se sumaron figuras como Elvis Costello, el exlíder de la banda Jon Batiste y el actual director musical Louis Cato. La producción incluyó a todo el personal del programa y a la familia de Colbert en el escenario para el estribillo final. 

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El regreso de Sir Paul al escenario de la Invasión Británica 

La aparición de McCartney simbolizó un cierre de círculo para el teatro que albergó el inicio de la British Invasion en febrero de 1964. En aquella ocasión, la agrupación de Liverpool atrajo a una audiencia récord de 73 millones de espectadores en un solo programa. Sesenta y dos años después, el compositor regresó al mismo espacio físico para concluir la era de Colbert en la televisión nocturna. 

Antes del número final, Colbert participó en una interpretación pregrabada de la rareza de Elvis Costello titulada Jump Up. En este segmento colaboraron Batiste y Cato, uniendo a los dos directores de orquesta que definieron el sonido del show durante su historia. Esta colaboración musical precedió a la última entrevista que McCartney otorgó antes del apagón simbólico de las luces del estudio. 

Un apagón simbólico y el legado del Teatro Ed Sullivan 

El episodio concluyó con un segmento donde Sir Paul McCartney desconectó físicamente la energía eléctrica de todo el edificio. Una secuencia visual mostró el teatro siendo succionado por un vórtice, terminando con la imagen de una esfera de nieve que reproducía el tema principal del programa. Esta salida creativa puso fin a la trayectoria de Colbert tras once años al frente de la emisión. 

Los seguidores del programa pueden encontrar las entrevistas completas y los musicales en las plataformas digitales de la cadena. El cierre también incluyó un repaso por los momentos más significativos de la sección Colbert Questionert y las colaboraciones con artistas de rock clásico. Con este acto, McCartney reafirmó su estatus como una figura central en la cronología de la cultura popular contemporánea. 

Cómo “I Want It All” marcó el regreso de Queen a las listas británicas

En mayo de 1989, Queen regresó al UK Singles Chart con I Want It All, marcando su primera aparición en más de dos años y medio dentro de las listas británicas. El sencillo debutó directamente en el No.3 y abrió una etapa de fuerte presencia comercial para la banda, que rápidamente recuperó protagonismo en la radio y el mercado discográfico internacional. 

La canción formó parte del álbum The Miracle, el decimotercer trabajo de estudio del grupo, lanzado pocas semanas después del sencillo principal. El tema fue escrito por Brian May y surgió a partir de una frase recurrente de su entonces pareja, la actriz Anita Dobson, quien utilizaba la expresión como una declaración de ambición personal. 

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El regreso de Queen a las listas británicas 

El retorno de Queen al UK Singles Chart con I Want It All se dio en un contexto competitivo, donde convivían artistas como Kylie Minogue, The Bangles y Midnight Oil. A pesar de ello, la canción logró posicionarse rápidamente en el Top 3 gracias a su estructura anthemic y su producción de gran escala, características habituales del sonido del grupo en la segunda mitad de los años ochenta. 

El éxito del sencillo marcó el inicio de una racha significativa para la banda, ya que en un periodo de siete meses lograron colocar cinco sencillos dentro de las listas británicas. Entre ellos se encuentran Breakthru, The Invisible Man, Scandal y el propio The Miracle, todos pertenecientes al mismo álbum. 

The Miracle y la última gran etapa de estudio de Queen 

El álbum The Miracle representó una etapa de consolidación creativa para Queen, caracterizada por la colaboración activa entre sus cuatro integrantes. Las composiciones del disco fueron acreditadas de manera conjunta, aunque varias piezas mantuvieron la firma individual de Brian May o Freddie Mercury en su desarrollo inicial. 

La energía del proyecto se reflejó en su intención de crear canciones diseñadas para grandes audiencias, con coros pensados para ser coreados en vivo. Sin embargo, I Want It All no fue interpretada en concierto por la formación original con Freddie Mercury, debido al estado de salud del vocalista durante los últimos años de actividad del grupo. 

El legado de “I Want It All” dentro del catálogo de Queen 

Tras el fallecimiento de Freddie Mercury en 1991, el tema adquirió una dimensión distinta dentro del repertorio de Queen. En el concierto tributo realizado en 1992, la canción fue interpretada por Roger Daltrey junto a los miembros sobrevivientes de la banda, convirtiéndose en uno de los momentos simbólicos del homenaje. 

Con el paso del tiempo, I Want It All se ha mantenido como una de las composiciones más representativas de la etapa tardía de Queen, destacando por su estructura directa, su energía rock y su carácter aspiracional. El tema continúa siendo parte fundamental de recopilaciones y presentaciones en vivo del grupo en sus formaciones posteriores. 

Billy Idol será homenajeado en los American Music Awards 2026

Billy Idol será reconocido con el Lifetime Achievement Award durante la próxima edición de los American Music Awards. El anuncio fue realizado por CBS y Dick Clark Productions, quienes destacaron la influencia del músico británico dentro de la historia del rock durante casi cinco décadas. 

La ceremonia se llevará a cabo el 25 de mayo en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas y marcará un momento especial para el cantante de temas como Rebel Yell y White Wedding. De acuerdo con los organizadores, el reconocimiento celebra tanto su trayectoria musical como el impacto que ha tenido sobre distintas generaciones de artistas y seguidores del rock. 

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Billy Idol volverá a presentarse en los American Music Awards 

Además de recibir el reconocimiento honorífico, Billy Idol ofrecerá una presentación especial con algunos de sus éxitos más conocidos. Será su primera actuación dentro de los American Music Awards y su regreso al escenario del evento desde 2004, cuando participó únicamente como presentador. 

La producción destacó que el músico continúa siendo una de las figuras más representativas del rock gracias a su imagen, estilo y sonido característico que ayudó a definir parte de la música de los años ochenta. 

El legado de Billy Idol sigue vigente en la cultura rock 

Billy Idol inició su carrera dentro de la escena punk británica antes de consolidarse como solista durante los años ochenta con álbumes y sencillos que alcanzaron reconocimiento internacional. Canciones como Eyes Without a Face, Dancing With Myself y Mony Mony se mantienen como referencias dentro del rock y el pop de esa década. 

El cantante también ha mantenido actividad reciente con giras y nuevos lanzamientos, reforzando su presencia entre públicos de distintas generaciones y festivales especializados en música clásica del rock. 

Taylor Swift lidera nominaciones de los AMAs 2026 

La edición 2026 de los American Music Awards también contará con actuaciones de artistas como Karol G, Keith Urban, Maluma y Twenty One Pilots. 

Por otro lado, Taylor Swift encabeza las nominaciones de este año con ocho menciones, seguida por artistas como Sabrina Carpenter y Morgan Wallen. La conducción del evento estará a cargo de Queen Latifah. 

Pink Floyd recibe histórica moneda oficial en Reino Unido

Pink Floyd fue homenajeada por la The Royal Mint con el lanzamiento de una moneda conmemorativa oficial inspirada en la icónica portada de The Dark Side of the Moon. La pieza incluye el famoso prisma con efecto arcoíris asociado al histórico álbum de 1973 y forma parte de una nueva colección especial dedicada al legado de la banda británica. 

En el reverso de la moneda aparece el rostro del King Charles III, siguiendo el formato tradicional de las emisiones oficiales de la Royal Mint. El diseño fue desarrollado por el artista Henry Gray y busca recrear el efecto visual del prisma multicolor que se convirtió en uno de los símbolos más reconocibles en la historia del rock. 

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La colección incluye versiones en plata, oro y ediciones especiales 

La Royal Mint informó que la moneda estará disponible en distintas versiones y precios. La edición básica de cinco libras esterlinas tendrá un costo aproximado de 480 pesos mexicanos, mientras que la versión limitada de oro de una onza alcanzará un valor cercano a los 137 mil pesos mexicanos. 

También se lanzará una edición especial con impresión a color y efecto arcoíris sobre el diseño del prisma. Además de las monedas, la colección incluye púas de guitarra exclusivas fabricadas en oro, plata y acabado negro cromado. 

El prisma de Pink Floyd sigue siendo uno de los símbolos más reconocidos del rock 

Desde su lanzamiento en 1973, The Dark Side of the Moon se consolidó como uno de los álbumes más vendidos e influyentes en la historia de la música. La portada diseñada por el colectivo Hipgnosis se transformó rápidamente en una de las imágenes más emblemáticas de la cultura pop y el rock progresivo. 

Rebecca Morgan, directora de monedas conmemorativas de la Royal Mint, señaló que tanto la música como la identidad visual de Pink Floyd han trascendido generaciones y continúan siendo reconocibles instantáneamente por seguidores alrededor del mundo. 

Pink Floyd continúa ampliando su legado cultural 

En años recientes, el catálogo de Pink Floyd ha seguido generando nuevas reediciones especiales, lanzamientos en vinilo y experiencias inmersivas relacionadas con sus álbumes clásicos. El reconocimiento de la Royal Mint se suma a otros homenajes oficiales que han celebrado el impacto cultural y artístico de la agrupación británica. 

La banda permanece como una de las referencias más importantes del rock progresivo y una de las agrupaciones más influyentes dentro de la música contemporánea. 

The Rolling Stones rejuvenecen digitalmente en nuevo video

The Rolling Stones lanzó el video oficial de In the Stars, nuevo sencillo incluido en su próximo álbum Foreign Tongues, y el clip ya está dando de qué hablar por mostrar versiones rejuvenecidas digitalmente de los integrantes de la banda mediante tecnología deepfake. 

El video fue dirigido por François Rousselet y desarrollado junto al estudio Deep Voodoo, compañía especializada en efectos digitales y tecnología de reemplazo facial. Dentro del clip aparecen versiones jóvenes de Mick Jagger, Keith Richards y el resto de la agrupación recreadas digitalmente. 

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El nuevo álbum de The Rolling Stones llegará en julio 

In the Stars forma parte de Foreign Tongues, el próximo disco de estudio de la banda, programado para estrenarse el 10 de julio. El proyecto continúa la actividad reciente del grupo tras el éxito de sus lanzamientos y giras más recientes. 

La actriz Odessa A’zion participa como protagonista del video y aseguró que colaborar con The Rolling Stones representó uno de sus mayores sueños relacionados con la música y el cine. 

Mick Jagger y Keith Richards ya habían hablado sobre la inteligencia artificial 

El lanzamiento del video también reavivó conversaciones sobre el uso de inteligencia artificial dentro de la música y el entretenimiento. En años recientes, Keith Richards comentó que la IA puede funcionar como una herramienta útil, aunque también puede convertirse en un recurso superficial dependiendo de cómo se utilice. 

Por su parte, Mick Jagger declaró anteriormente que nunca había descartado completamente la posibilidad de experimentar con versiones digitales de la banda, especialmente considerando los avances tecnológicos actuales relacionados con conciertos virtuales y recreaciones digitales de artistas. 

The Rolling Stones continúan explorando nuevas tecnologías visuales 

A lo largo de su carrera, The Rolling Stones han incorporado distintas innovaciones visuales en giras, videoclips y producciones especiales. El uso de tecnología deepfake en In the Stars representa una de las apuestas visuales más ambiciosas de la agrupación en años recientes. 

El video además se suma a la creciente tendencia dentro de la industria musical de utilizar herramientas digitales avanzadas para recrear artistas, escenarios y experiencias visuales relacionadas con figuras históricas de la música. 

Elton John terminó un nuevo álbum y promete un sonido distinto

Elton John reveló que ya terminó un nuevo álbum de estudio y aseguró que el material será completamente distinto a cualquiera de sus producciones anteriores. El músico compartió la noticia durante una ceremonia en Toronto, donde recibió el prestigioso Glenn Gould Prize, reconocimiento otorgado a figuras que han contribuido de manera significativa al arte y la cultura. 

El nuevo proyecto llega después de que Elton John se retirara oficialmente de las giras masivas en 2023 tras concluir el extenso Farewell Yellow Brick Road Tour, una serie de conciertos que superó las 300 presentaciones alrededor del mundo. Desde entonces, el cantante se había mantenido enfocado en proyectos selectos y colaboraciones especiales. 

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Elton John cambió su manera de escribir canciones 

Durante el evento, el músico explicó que los problemas visuales que enfrenta desde 2024 influyeron directamente en la creación del nuevo disco. Elton John reveló anteriormente que una infección ocular afectó severamente su visión y que actualmente tiene visión limitada en uno de sus ojos. 

El cantante explicó que esta situación lo obligó a modificar completamente su proceso creativo. A diferencia de etapas anteriores, donde escribía música a partir de letras ya terminadas, ahora comenzó componiendo melodías primero y dejando las letras para después. Según sus declaraciones, nunca había trabajado de esa manera en toda su carrera. 

El nuevo disco será “feliz” y diferente a sus álbumes anteriores 

Elton John aseguró que el resultado final del álbum lo tiene particularmente emocionado porque representa una nueva oportunidad para seguir creando música a los 80 años. El artista describió el disco como un trabajo “muy feliz” y diferente a sus más de 30 álbumes de estudio previos. 

El músico también reiteró la importancia que la música mantiene en su vida personal y profesional, asegurando que continúa siendo su principal motor creativo pese a haberse alejado de las giras internacionales de gran escala. 

Elton John continúa activo entre música, cine y causas sociales 

Aunque dejó atrás las grandes giras, Elton John ha seguido participando en presentaciones especiales y proyectos culturales. En meses recientes fue confirmado como uno de los artistas principales de Rock in Rio 2026 y también realizó apariciones relacionadas con cine y televisión. 

Además, el cantante ha mantenido actividad pública defendiendo causas relacionadas con los derechos de artistas y el impacto de la inteligencia artificial sobre obras protegidas por copyright, sumándose a distintas iniciativas dentro de la industria musical internacional.