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Chvrches anuncia su primer álbum en seis años, All The King’s Men, junto a una gira internacional para 2027

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Tras casi seis años de ausencia discográfica, el trío escocés de synth-pop Chvrches confirmó el lanzamiento de su quinto álbum de estudio titulado All The King’s Men, programado para llegar al mercado el próximo 22 de enero de 2027. Este material representará el primer trabajo de larga duración de la banda desde la publicación de Screen Violence en 2021. 

El anuncio vino acompañado de la confirmación de una extensa gira de conciertos para 2027 que abarcará el Reino Unido, Irlanda y Norteamérica. La nueva placa discográfica, que incluye el sencillo anticipado Roses, surge tras la pausa que los integrantes Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty tomaron tras su gira de 2023, periodo en el que decidieron replantear por completo su aproximación creativa y composición en el estudio. 

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Experimentación en Glasgow y raíces culturales de Gran Bretaña 

A diferencia de su álbum anterior, el cual se compuso de manera remota durante la pandemia, All The King’s Men se escribió y grabó a lo largo de intensas sesiones de tres semanas en Glasgow. Durante estas estancias, los músicos buscaron conscientemente la experimentación sonora, alejándose de los patrones electrónicos tradicionales para incorporar elementos acústicos inspirados en la historia y la cultura de Gran Bretaña y Escocia. 

Para Doherty, este cambio de rumbo estuvo influenciado por sus estancias en Escocia y la admiración hacia cineastas como Ken Loach y agrupaciones como Massive Attack y Siouxsie & The Banshees. Por su parte, Cook comenzó a inclinarse hacia el uso de instrumentos acústicos inspirados en el folk británico de figuras como Nick Drake y Bert Jansch. El resultado final se compone de 11 canciones inéditas, entre las que destacan títulos como Evil, Overthinker, Conman (adelantado en directo a principios de año) y Faith In Flying. 

Fechas confirmadas para la gira de 2027 y preventa de boletos 

El recorrido en directo comenzará en territorio norteamericano a mediados de febrero de 2027, arrancando en Filadelfia y pasando por ciudades como Chicago, Seattle, Los Angeles, además de paradas en Canadá. Posteriormente, el grupo cruzará el Atlántico para presentarse en abril y mayo en Glasgow, Dublín, Manchester, Birmingham y Londres, cerrando esta primera etapa el 6 de mayo en el emblemático O2 Shepherd’s Bush Empire. 

La venta general de boletos se abrirá el próximo 30 de octubre a las 10:00 am (hora local), mientras que las localidades en preventa estarán disponibles a partir del 27 de octubre. Con este lanzamiento, Chvrches promete entregar el disco más audaz y visceral de toda su trayectoria. 

La historia de El Abulón, una de las mentes más singulares y camaleónicas del rock mexicano 

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En la narrativa subterránea del rock mexicano de las últimas tres décadas, pocas figuras poseen la versatilidad visual y sonora de Paco Huidobro Jr., artísticamente conocido como El Abulón. Como vocalista, compositor y agitador cultural, su nombre quedó grabado de manera indeleble al frente de Las Víctimas del Dr. Cerebro, un proyecto fundado en Ciudad Nezahualcóyotl que inyectó una dosis inusual de teatralidad circense, terror de serie B y vértigo escénico en el circuito nacional. 

La trayectoria de El Abulón no se limita al punk rock de carpa y a los riffs acelerados de canciones como El Esqueleto. Su inquietud artística lo condujo a explorar los terrenos de la música electrónica, el trip-hop y la experimentación alternativa a través de proyectos paralelos como Abominables, demostrando una constante resistencia a encasillarse en una sola etiqueta genérica. 

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Del cirio de Ciudad Nezahualcóyotl a los grandes festivales 

Los orígenes musicales de El Abulón se gestaron en los márgenes de la zona metropolitana del Valle de México, donde la cultura de barrio y la fascinación por el cine de terror fantástico moldearon una estética visual sumamente contestataria. Al lado de sus hermanos, consolidó a Las Víctimas del Dr. Cerebro como un ejército de circo rocanrolero, destacando por actuaciones en directo donde el maquillaje, los zancos y la pirotecnia desafiaban la sobriedad imperante en los foros de rock de principios de los años noventa. 

[SUGERENCIA DE VIDEO: Videoclip oficial de “El Esqueleto” de Las Víctimas del Dr. Cerebro en YouTube] 

A diferencia de las agrupaciones de corte purista que dominaban la llamada “Rockotitlán”, el grupo adoptó influencias del ska, el metal y el cabaret, construyendo un lenguaje transgresor y festivo que conectó de inmediato con las juventudes de la periferia urbana. En el centro de esa maquinaria lúgubre y colorida se encontraba la presencia vocal y el magnetismo histriónico de El Abulón. 

La madurez electrónica con Abominables y la vigencia de un icono 

Con el cambio de milenio, la necesidad de explorar nuevas texturas sonoras llevó a El Abulón a fundar Abominables, un proyecto donde el sintetizador, las atmósferas oscuras del synth-pop y las guitarras filosas convivieron con letras de corte existencialista y festivo. Aquella aventura reafirmó su estatus de creador de vanguardia, capaz de alternar los festivales masivos de rock pesado con las pistas de baile de la escena electrónica alternativa. 

A más de treinta años de haber iniciado su recorrido artístico, El Abulón continúa operando como un testigo y motor indispensable de la contracultura mexicana. Su capacidad para mutar de piel sin perder el pulso de la autenticidad mantiene su figura como uno de los blasones más singulares, libres y vibrantes de la historia del rock nacional. 

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Santigold: la artista que convirtió la nostalgia ochentera en un sonido del futuro

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Santigold se convirtió en una de las artistas que ayudaron a renovar el pop alternativo del siglo XXI al combinar influencias de décadas anteriores con sonidos electrónicos, ritmos globales y una producción moderna. Su música recupera elementos del new wave, el post-punk y el rock alternativo de los años 80, pero los transforma con una visión contemporánea. 

Desde sus primeros lanzamientos, la cantante estadounidense incorporó referencias de bandas como Talking Heads, Blondie, The Clash y Siouxsie and the Banshees, grupos que exploraron nuevas formas de mezclar géneros, tecnología y actitud dentro de la música popular. 

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La influencia de Talking Heads, Blondie y el espíritu experimental de los 80 

Durante los años 80, varias bandas comenzaron a romper las fronteras entre el punk, el pop, el funk y la música electrónica. Talking Heads incorporó ritmos africanos y sonidos experimentales; Blondie mezcló punk, disco y hip hop; mientras que The Clash y Siouxsie and the Banshees exploraron diferentes caminos dentro del rock alternativo. 

Santigold tomó esa libertad creativa como punto de partida para construir un sonido donde conviven guitarras, sintetizadores, cajas de ritmos y melodías pop. Su propuesta no busca reproducir aquella época, sino reinterpretar sus ideas con herramientas de producción actuales. 

De la nostalgia ochentera al electro-pop con influencias globales 

El álbum debut Santogold (2008) presentó una mezcla de estilos que combinaba electro-pop, indie rock, reggae, dub y sonidos electrónicos. Canciones como L.E.S. Artistes y Creator mostraron una producción donde las referencias al pasado convivían con una estética cercana a la música alternativa de finales de los 2000. 

Su manera de utilizar ritmos internacionales también refleja la influencia de artistas de los años 80 que buscaron incorporar sonidos de distintas culturas dentro del pop. Esta combinación convirtió a Santigold en una figura asociada con la experimentación musical. 

Santigold creó un puente entre el pasado y la música alternativa actual 

A lo largo de su carrera, Santigold ha colaborado con artistas de diferentes géneros y ha mantenido una propuesta basada en la mezcla de estilos. Su música conecta la energía del post-punk y la new wave con elementos del hip hop, la electrónica y los ritmos caribeños. 

Álbumes como Master of My Make-Believe (2012), 99¢ (2016) y Spirituals (2022) muestran una evolución constante, manteniendo como eje la combinación entre melodías pop, experimentación y referencias musicales de distintas generaciones. 

Santigold representa una nueva forma de entender la nostalgia musical: no como una repetición del pasado, sino como una herramienta para crear sonidos nuevos. Su trabajo demuestra que la influencia de los años 80 continúa presente en artistas que buscan explorar nuevos caminos dentro de la música alternativa. 

Corona Capital 2026 cartel completo con Gorillaz y The Strokes

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El Festival Corona Capital presentó oficialmente el cartel de su edición 2026, confirmando una alineación de más de 65 proyectos internacionales que regresan al Autódromo Hermanos Rodríguez los días 20, 21 y 22 de noviembre. La revelación incluyó a los headliners Gorillaz, Twenty One Pilots y The Strokes, quienes encabezarán cada una de las jornadas del evento. 

La edición número 16 del festival mantiene su posicionamiento como uno de los encuentros de música alternativa más relevantes de América Latina, con una programación que combina actos consolidados y propuestas emergentes de la escena global. El anuncio fue realizado a través de plataformas oficiales de OCESA, organizador del evento. 

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Gorillaz, The Strokes y Twenty One Pilots encabezan el Corona Capital 2026 

El viernes 20 de noviembre tendrá como acto principal a Gorillaz, acompañados por artistas como Mumford & Sons, Daniel Caesar, James Blake y The Kooks, además de una amplia lista de proyectos internacionales que completan la jornada inaugural. 

El sábado 21 de noviembre estará liderado por Twenty One Pilots, junto a The Offspring, Pierce The Veil y Underworld, mientras que el domingo 22 cerrará con The Strokes como headliner, acompañados de The xx, Lil Yachty y Loyle Carner, entre otros nombres del cartel. 

Un cartel con más de 65 proyectos internacionales y diversidad sonora 

La programación del Corona Capital 2026 integra más de 65 bandas y artistas distribuidos en tres días, consolidando su formato multi-escenario con propuestas que abarcan indie rock, electrónica, pop alternativo y hip hop. 

Entre los nombres destacados también figuran CHVRCHES, Johnny Marr, Purity Ring, Santigold y Manic Street Preachers, lo que refuerza la presencia de actos con trayectoria dentro del circuito global de festivales. 

El festival se realizará nuevamente en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez, sede habitual del evento desde su consolidación como uno de los festivales más importantes del continente. 

Fechas, preventa y venta de boletos del Corona Capital 2026 

La preventa para tarjetahabientes Banamex está programada para el 26 de mayo a las 14:00 horas, mientras que la venta general comenzará el 27 de mayo en el mismo horario, a través del sistema Ticketmaster. 

El festival mantiene su formato de tres días consecutivos y se espera que en las próximas horas se anuncien los precios oficiales de los abonos, de acuerdo con información difundida por OCESA. 

Orville Peck: el enigma del country que redefinió la identidad y la estética del género

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En un panorama musical donde la imagen suele ser tan importante como el sonido, pocos artistas han logrado construir una identidad tan sólida y misteriosa como Orville Peck. Con su característica máscara de flecos, una voz profunda cargada de melancolía y una propuesta sonora que mezcla lo clásico con lo contemporáneo, el cantante ha irrumpido en la escena como una figura clave en la renovación del country alternativo.

Un debut que marcó territorio

La historia de Orville Peck comenzó a tomar forma con el lanzamiento de su álbum debut, Pony, en 2019. El disco no solo presentó su estética visual —inspirada en el western clásico y el imaginario vaquero— sino también una propuesta musical que retomaba las raíces del country tradicional, fusionándolas con influencias del indie, el rock y la música alternativa.

Canciones como “Dead of Night” y “Turn to Hate” conectaron rápidamente con una audiencia que buscaba algo distinto dentro del género: un sonido nostálgico, pero con una sensibilidad moderna y emocionalmente honesta.

La máscara como símbolo

Más allá del misterio, la máscara de Orville Peck se ha convertido en un elemento central de su discurso artístico. Lejos de ser un simple recurso visual, representa una forma de separar la vida personal del personaje, permitiéndole explorar temas de identidad, vulnerabilidad y libertad creativa sin las ataduras de la exposición mediática.

Un nuevo rostro para el country

El impacto de Orville Peck va más allá de su estética. Su música ha ayudado a ampliar los límites del country, incorporando una visión más inclusiva y diversa que ha conectado con nuevas generaciones y públicos que antes no se identificaban con el género.

Orville Peck en el Tecate Emblema

Su participación en el Tecate Emblema confirma el alcance internacional de su propuesta. El artista forma parte del cartel del festival que se celebrará el sábado 16 y domingo 17 de mayo de 2026 en la Ciudad de México, dentro del Autódromo Hermanos Rodríguez, uno de los escenarios más importantes del país.

En particular, Orville Peck está programado para presentarse el sábado 16 de mayo, compartiendo cartel con figuras del pop y la música alternativa en una jornada que destaca por su diversidad sonora. Su presencia dentro de un festival de este perfil refuerza su capacidad para conectar con audiencias más allá del country tradicional, consolidándose como uno de los artistas más interesantes de la escena actual.

Evolución y colaboraciones

Tras el éxito de su debut, Orville Peck continuó expandiendo su universo con nuevos lanzamientos y colaboraciones que consolidaron su posición en la industria. Su capacidad para moverse entre lo íntimo y lo espectacular le ha permitido conectar tanto en estudio como en vivo.

Influencia cultural y legado en construcción

Hoy, Orville Peck representa una nueva forma de entender la música: sin etiquetas rígidas, con una identidad fuerte y una visión artística clara. Su influencia no solo se escucha, también se ve y se siente en la manera en que está redefiniendo el country para una nueva era.

Más que un misterio, Orville Peck es una declaración: la de un artista que encontró en el anonimato una forma de expresión, y en el country, un lienzo para reinventarse.

REDACCION

ABRIL 2026.

De los clubes al estrellato: ¿Dónde están hoy las bandas indie más famosas de los 2000?

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La irrupción del garage rock revival a principios del siglo XXI alteró permanentemente el panorama de la música alternativa. Agrupaciones que surgieron en bares de Nueva York y clubes de Sheffield pasaron de la independencia total a encabezar festivales masivos en menos de una década. En 2026, la situación de estos referentes varía entre la consolidación como leyendas de estadios, la diversificación empresarial y el retiro estratégico. La madurez de este movimiento demuestra que el indie rock no fue una tendencia efímera, sino la base de la industria del rock contemporáneo.

The Strokes representan el caso más emblemático de permanencia institucional. Tras el impacto de Is This It en 2001, la banda neoyorquina atravesó periodos de tensión interna que derivaron en proyectos solistas para todos sus integrantes. Sin embargo, su regreso formal con The New Abnormal (2020) les otorgó su primer premio Grammy al Mejor Álbum de Rock. Actualmente, Julian Casablancas alterna su tiempo entre The Strokes y su sello discográfico Cult Records, manteniendo a la banda como un acto principal en circuitos globales con una valuación de marca que genera ingresos millonarios por presentaciones anuales.

El ascenso y la sofisticación de Arctic Monkeys

La trayectoria de Arctic Monkeys muestra una de las evoluciones técnicas más drásticas de la época. La banda pasó del sonido vertiginoso de su debut en 2006 a una estética cinematográfica y barroca en producciones recientes como The Car (2022). Bajo el liderazgo de Alex Turner, el grupo abandonó los estándares del post-punk revival para explorar arreglos orquestales. Este cambio les permitió mantener una base de seguidores intergeneracional y asegurar contratos de patrocinio y giras que reportan ganancias brutas estimadas en 80 millones de dólares por tour. Esta cifra equivale a 1,336,000,000 de pesos mexicanos, subrayando la rentabilidad de su propuesta artística.

El imperio de Jack White y la disolución de The White Stripes

A diferencia de sus contemporáneos que optaron por la continuidad, The White Stripes oficializaron su separación en 2011. Jack White transformó el final de la banda en el inicio de un ecosistema empresarial centrado en Third Man Records. White se consolidó como el principal promotor del formato físico en la era digital, invirtiendo más de 10 millones de dólares en su propia planta de prensado de vinilos en Detroit. Esta inversión, que representa 167,000,000 de pesos mexicanos, posicionó a White no solo como un guitarrista virtuoso, sino como un actor clave en la logística de la industria fonográfica actual.

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Agrupaciones como Interpol y Franz Ferdinand mantienen una operatividad constante mediante la nostalgia y la renovación parcial de sus integrantes. Interpol, por ejemplo, celebró recientemente los aniversarios de sus primeros discos con giras mundiales agotadas, demostrando que el público millennial mantiene un compromiso económico sólido con el sonido de su juventud. Por otro lado, bandas como Vampire Weekend han logrado transitar hacia la madurez compositiva, lanzando álbumes que reciben el aplauso de la crítica especializada por su complejidad técnica.El legado de las bandas indie de los 2000 se mide hoy por su capacidad de supervivencia en un mercado dominado por el streaming. Mientras algunas agrupaciones desaparecieron ante la falta de adaptación, los nombres principales de la década lograron capitalizar su catálogo para asegurar su lugar en la historia. Al analizar su estatus actual, queda claro que estos músicos dejaron de ser promesas de la escena underground para convertirse en los arquitectos de la infraestructura del rock del siglo XXI.

Escucha la nueva colaboración de Sting con Ca7riel & Paco Amoroso

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El dúo argentino de pop alternativo Ca7riel & Paco Amoroso confirmó el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, titulado FREE SPIRITS, el cual estará disponible a nivel mundial el próximo 19 de marzo de 2026. Como parte de esta fase promocional, los artistas presentaron este jueves 12 de febrero el sencillo líder del proyecto, titulado Hasta Jesús tuvo un mal día, el cual cuenta con la participación especial del músico británico Sting. La noticia marca un hito en la carrera del dúo tras su reciente éxito en la entrega de los premios Grammy, donde obtuvieron el reconocimiento a Mejor Álbum de Rock o Alternativo Latino por su producción Papota.

La colaboración técnica entre el exlíder de la banda The Police y los intérpretes argentinos representa un cambio significativo en la dirección sonora de la agrupación. De acuerdo con los reportes de producción, la canción adopta una estructura centrada en el rock de estadios, alejándose de las tendencias urbanas que caracterizaron sus trabajos previos. La influencia de las composiciones de Sting de las décadas de los 80 y 90 se percibe en el uso de baterías potentes, arreglos de saxofón y una interpretación vocal que prioriza la intensidad melódica y el carácter interpretativo.

La influencia de The Police y el rock de los 80 en el nuevo sencillo

La estructura de Hasta Jesús tuvo un mal día rinde tributo directo al sonido de la radio clásica. La participación de Sting se manifiesta de forma destacada en el verso final y el estribillo, aportando la textura vocal que lo consolidó como una de las figuras más influyentes del rock contemporáneo. Los analistas de la industria señalan que esta unión busca atraer tanto a las nuevas audiencias digitales como a los seguidores veteranos que crecieron con el catálogo de The Police y la carrera solista del músico británico.

El desarrollo de este sencillo forma parte de una narrativa conceptual de bienestar mental. Durante la fase de grabación, el dúo se integró a un proceso de mentoría creativa bajo la supervisión de Sting, quien ha sido descrito por el equipo de prensa de los artistas como un “mentor de bienestar”. Esta relación profesional surgió tras un periodo de fatiga por las giras que llevó a los músicos a suspender sus planes discográficos previos a finales de 2025. El resultado es una pieza que utiliza la sátira y el rock para abordar las presiones del éxito masivo.

De la crisis personal a la creación de Free Spirits

El álbum FREE SPIRITS es el resultado de la transformación del proyecto originalmente titulado Top of the Hills. Los integrantes de la banda manifestaron que la decisión de replantear su música respondió a una crisis personal derivada de la exposición mediática constante. Según el comunicado oficial, el disco aborda doce problemáticas específicas que llevaron a los músicos a un punto de quiebre emocional tras su rotundo éxito en los Latin Grammy, donde obtuvieron cinco estatuillas, y la controversia generada por sus producciones audiovisuales recientes.

Para fortalecer el concepto del álbum, Sting y el dúo abrieron una convocatoria para un programa de bienestar, buscando involucrar a sus seguidores en el proceso de escucha consciente que define a la obra. Los detalles técnicos de la producción indican que cada tema funciona como un paso dentro de un programa de sanación, integrando grabaciones realizadas en un entorno de retiro creativo. Los especialistas destacan que la honestidad lírica del disco es su mayor virtud comercial, permitiendo que la banda mantenga su relevancia en un mercado saturado de contenidos procesados.

El triunfo en los Grammy y la consolidación internacional del dúo

La trayectoria de Ca7riel & Paco Amoroso experimentó una aceleración masiva a partir de su sesión viral en 2024. Tras un año dedicado a recorrer escenarios internacionales con los materiales Baño María y Papota, el grupo logró posicionarse como el referente más importante de la música alternativa sudamericana en la actualidad. La colaboración con el productor Fred again.. en el tema Beto’s Horns sirvió como preámbulo para su incursión definitiva en el mercado de habla inglesa, proceso que culmina con la integración de Sting a su catálogo oficial.

La vigencia de las figuras del rock de los 80 y 90 se mantiene sólida gracias a este tipo de cruces generacionales. En la Ciudad de México y otras grandes urbes, la radio clásica ha comenzado a integrar estas nuevas colaboraciones dentro de su programación habitual, reconociendo la calidad interpretativa de los artistas emergentes que respetan las raíces del género. Con el estreno de Hasta Jesús tuvo un mal día, Ca7riel y Paco Amoroso aseguran que su legado continúe creciendo bajo el respaldo de una de las leyendas vivas de la música mundial, preparando el terreno para el lanzamiento de su álbum más ambicioso el próximo mes de marzo.

Sting colabora con Ca7riel y Paco Amoroso

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El dúo argentino conformado por Ca7riel y Paco Amoroso confirmó el lanzamiento de una nueva canción junto a Sting, el reconocido músico británico y exlíder de la agrupación The Police. La pieza musical, titulada Hasta Jesús tuvo un mal día, estará disponible en todas las plataformas de consumo digital a partir de este jueves 12 de febrero de 2026. Este estreno representa el primer avance oficial de su próximo material discográfico de larga duración, cuya fecha de salida está programada para el próximo 19 de marzo.

La noticia surge apenas diez días después de que los artistas argentinos obtuvieran el premio Grammy al Mejor álbum de rock o música alternativa latina por su producción titulada Papota. La vinculación con una figura de la trayectoria de Sting marca un hito en la carrera de los intérpretes, quienes han logrado captar la atención de la crítica internacional mediante una propuesta que mezcla géneros urbanos con elementos del rock tradicional. El anuncio ha generado una alta expectativa tanto en las audiencias jóvenes como en los seguidores de la música de las décadas de los 80 y 90.

El concepto de la escucha consciente y la estética visual

La portada del sencillo Hasta Jesús tuvo un mal día presenta una propuesta visual que se aleja de la estética colorida característica de los trabajos previos del dúo. En la imagen, Sting aparece sentado en el centro de la composición, mientras que Ca7riel y Paco Amoroso se ubican de pie a sus costados, manteniendo una postura solemne. Un detalle relevante es que los integrantes del dúo visten las mismas prendas que utilizaron durante la pasada ceremonia de los Grammy, estableciendo una continuidad narrativa con su reciente éxito en Los Ángeles.

Según explicaron los artistas, la obra visual y sonora dialoga directamente con el concepto de escucha consciente. Esta noción fue introducida por el propio Sting en un material audiovisual publicado la semana pasada, donde asumió formalmente el rol de mentor del proyecto. La participación del músico británico no se limita únicamente a la ejecución vocal o instrumental, sino que se extiende a una guía artística que busca priorizar la pausa y la profundidad emocional en el proceso de creación musical contemporáneo.

El origen del álbum en el Free Spirits Wellness Center

El proceso de grabación del nuevo disco se desarrolló en un entorno inusual para la industria comercial. El encuentro entre los artistas ocurrió en el Free Spirits Wellness Center, un espacio dedicado al bienestar mental y emocional fundado por Sting. Los reportes indican que este acercamiento se produjo después de que Ca7riel y Paco Amoroso atravesaran una crisis personal que los llevó a cancelar el lanzamiento de su proyecto anterior, titulado Top of the Hills, pocas horas antes de su estreno programado.

Sting recibió al dúo en su centro de bienestar para iniciar un proceso que combinó la terapia con la experimentación sonora. El exlíder de The Police manifestó que encontró en los músicos argentinos una sensibilidad alineada con lo que define como el estado de True Free Spirit (Verdadero Espíritu Libre). La narrativa del próximo álbum se gestó bajo la premisa de que la presión y la exposición mediática pueden derivar en colapsos emocionales, una experiencia que el propio Sting ha documentado a lo largo de sus cinco décadas de carrera profesional.

Un triunfo para la humanidad según las palabras de Sting

En el video de presentación del proyecto, Sting calificó el nuevo trabajo del dúo como un triunfo para la humanidad, destacando la honestidad con la que han abordado sus procesos de recuperación personal a través del arte. La colaboración técnica entre las partes permitió integrar la experiencia de un músico que definió el sonido de la radio en los años 80 con la energía disruptiva de la escena alternativa actual. Esta unión de generaciones busca ofrecer un mensaje de resiliencia ante las exigencias de la industria del entretenimiento.El lanzamiento de este jueves iniciará una campaña de promoción que culminará con la publicación del álbum completo en marzo. Los analistas del sector musical señalan que la mentoría de Sting otorga un prestigio adicional a la propuesta de los argentinos, facilitando su inserción en mercados europeos y norteamericanos. Con el estreno de Hasta Jesús tuvo un mal día, se confirma que la trayectoria de Ca7riel y Paco Amoroso ha tomado un rumbo enfocado en la estabilidad artística y la conexión profunda con su audiencia global.

Corona Capital 2025: Nuevas voces que no debes perderte en el festival

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Cinco propuestas emergentes que marcarán el rumbo de la música actual

El Corona Capital 2025 está por iniciar, y aunque los artistas principales siempre generan expectativa, cada edición del festival ofrece una excelente oportunidad para descubrir proyectos musicales emergentes que, aunque menos conocidos, tienen el potencial de dejar una huella duradera en el público.

Este año, el festival reúne una curaduría sonora que combina nostalgia y novedad. En un entorno vibrante como la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez, estos nuevos actos destacan por su autenticidad, estilo propio y propuestas frescas. Aquí te presentamos cinco proyectos internacionales que vale la pena ver en vivo durante los tres días del festival.

El viernes 14 se presenta Debby Friday, artista canadiense ganadora del Polaris Music Prize, que combina techno, punk y poesía urbana en una propuesta intensa y visualmente poderosa. También estará Hollow Coves, dúo australiano de indie folk que ofrece melodías suaves y paisajes sonoros introspectivos, ideales para una pausa emocional dentro del festival.

El sábado 15 destaca Chrissy Chlapecka, quien mezcla pop alternativo con un enfoque emocional, abordando temas como relaciones, crítica social y autoconocimiento. Por su parte, Sarah Kinsley explora el pop experimental desde una formación clásica, con letras profundas y una producción envolvente que convierte cada canción en una experiencia sensorial.

Para cerrar el domingo 16, Peach Pit trae una mezcla de indie melancólico y letras honestas, mostrando una evolución artística significativa a lo largo de su discografía. Finalmente, SYML, proyecto del estadounidense Brian Fennell, se presenta con baladas emotivas que fusionan indie folk y electrónica ambiental, ideales para cerrar el festival con una dosis de introspección.

El Corona Capital no es solo un desfile de nombres conocidos: es también un espacio para descubrir el futuro de la música. Llegar temprano, explorar con atención y abrirse a nuevas propuestas puede convertirse en una experiencia transformadora.