La historia del “Beatle silencioso” y el álbum que guardó en secreto por años

Un día como hoy, 27 de noviembre de 1970, el mundo de la música fue testigo de una de las declaraciones artísticas más poderosas de la historia del rock. George Harrison, el “Beatle silencioso”, lanzó su obra maestra, All Things Must Pass, un monumental álbum triple que no solo lo consolidó como un artista por derecho propio, sino que redefinió las expectativas de lo que podía ser un álbum en solitario.

Lanzado apenas unos meses después de la disolución de The Beatles, el álbum fue la primera declaración musical completa de Harrison tras la ruptura. Fue una explosión de creatividad que había estado reprimida durante años.

Una Inundación de Canciones Reprimidas

Durante años, George Harrison vivió a la sombra de la prolífica dupla de compositores de Lennon y McCartney. Muchas de sus canciones, consideradas hoy como clásicos, fueron rechazadas o simplemente no encontraron espacio en los álbumes de The Beatles. All Things Must Pass fue el dique que se rompió, liberando un torrente de material que Harrison había acumulado.

El álbum es un tapiz de sus exploraciones espirituales, sus reflexiones sobre el amor, la amistad y la desintegración de la banda que había definido su vida. Temas como la canción principal, “All Things Must Pass”, y “Wah-Wah” son interpretados como comentarios directos sobre el amargo final de The Beatles.

El Muro de Sonido y un Elenco Legendario

Para dar vida a su visión, Harrison reclutó al legendario y controvertido productor Phil Spector, quien aplicó su famosa técnica del “Muro de Sonido” (Wall of Sound). El resultado es un sonido grandioso, denso y reverberante que le da al álbum una escala casi divina, perfecto para las temáticas espirituales de Harrison.

La lista de músicos que participaron en las sesiones de grabación es un “quién es quién” del rock de la época, incluyendo a:

  • Eric Clapton
  • Ringo Starr
  • Billy Preston
  • Klaus Voormann
  • La banda completa de Badfinger

Éxito Mundial y Controversia

El álbum fue un éxito comercial y crítico inmediato, alcanzando el número uno en las listas de todo el mundo, incluyendo el Reino Unido y Estados Unidos. Fue impulsado por su primer sencillo, “My Sweet Lord”, un himno espiritual que se convirtió en el primer número uno de un ex-Beatle. La canción, sin embargo, también se vio envuelta en una famosa demanda por plagio debido a su similitud con el tema “He’s So Fine” de The Chiffons.

Otros sencillos como “What Is Life” también se convirtieron en éxitos masivos. El álbum recibió una nominación al Grammy como Álbum del Año y, con el tiempo, ha sido incluido en el Salón de la Fama del Grammy.All Things Must Pass no es solo el mejor álbum de George Harrison; es considerado por muchos como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Es el sonido de un genio finalmente liberado, un artista que demostró que, efectivamente, todas las cosas, incluso la banda más grande de la historia, deben pasar para dar lugar a algo nuevo y hermoso.

The Beach Boys celebrarán 60 años de Pet Sounds

The Beach Boys han anunciado un concierto monumental en Londres para celebrar el 60º aniversario de su obra maestra, el álbum . El evento tendrá lugar el 14 de junio de 2026 en el Royal Hospital Chelsea, como parte del regreso de la serie de conciertos Live At Chelsea.

La celebración, sin embargo, estará marcada por una ausencia agridulce. Este será uno de los primeros grandes espectáculos de la banda desde el fallecimiento de su genio creativo, Brian Wilson, a principios de este verano. La noticia de su muerte a los 82 años conmocionó al mundo de la música, dejando un vacío irremplazable.

La banda que saldrá al escenario estará liderada por el cofundador y letrista Mike Love, junto al miembro de toda la vida Bruce Johnston y una banda de músicos de apoyo.

‘Pet Sounds’: La Obra Maestra que Cambió el Pop

Lanzado en 1966, Pet Sounds es universalmente aclamado como uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia de la música. La compleja producción de Brian Wilson, sus armonías celestiales y sus letras melancólicas revolucionaron el sonido del pop.

El álbum, que incluye clásicos como “Wouldn’t It Be Nice”, “God Only Knows” y “Sloop John B”, fue una gran inspiración para The Beatles durante la creación de su propio hito, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Celebrar su 60º aniversario sin su principal arquitecto será, sin duda, un momento profundamente emotivo.

Un Legado Complejo y Emotivo

Tras la muerte de Wilson, Mike Love emitió un emotivo comunicado: “Nuestro viaje juntos estuvo lleno de momentos de brillantez, desamor, risas, complejidad y, sobre todo, AMOR”. Sin embargo, la compleja relación entre los miembros de la banda sigue siendo evidente.

Recientemente, el también miembro fundador, Al Jardine, criticó duramente a Love por su discurso en el funeral de Wilson, acusándolo de tener “serios problemas de megalomanía” y de centrarse más en sí mismo que en honrar a Brian.

A pesar de las tensiones, el legado musical de The Beach Boys sigue siendo una fuerza unificadora. Una parte de las ganancias de este concierto se destinará al cuidado de los “Chelsea Pensioners”, los veteranos de guerra residentes en el hospital.

Robert Plant, debuta en un memorable Tiny Desk Concert

No hay un escritorio más grande en el mundo de la música en este momento. La legendaria voz de Led Zeppelin, Robert Plant, ha añadido un nuevo y prestigioso hito a su carrera al presentarse por primera vez en la aclamada serie de conciertos Tiny Desk de NPR. Acompañado de su actual banda, Saving Grace, el ícono del rock ofreció una actuación íntima que desnudó su faceta más folk y contemplativa.

En el espacio reducido de la oficina de NPR, Plant y su banda, que incluye a la covocalista Suzi Dian, interpretaron un set de cinco canciones compuesto por melodías tradicionales y versiones de otros artistas, mostrando la ecléctica paleta de influencias que define a su proyecto actual.

Un Setlist que Viaja por las Raíces de la Música

Lejos de los himnos de estadio de Led Zeppelin, el repertorio fue una clase magistral de historia musical, demostrando el profundo respeto de Plant por la tradición. El setlist incluyó:

  • “Gospel Plough”: Una melodía tradicional de gospel que abrió el concierto.
  • “Higher Rock”: Una versión de la cantautora de folk Martha Scanlan.
  • “Everybody’s Song”: Un emotivo homenaje a la banda de indie rock Low.
  • “It’s a Beautiful Day Today”: Una reinterpretación del clásico de la banda psicodélica de los 60, Moby Grape.
  • “Gallows Pole”: En el único guiño directo a su pasado, la banda interpretó un nuevo arreglo de esta canción tradicional, que los fans de Zeppelin recordarán por la icónica versión incluida en el álbum Led Zeppelin III.

Una Leyenda en su Versión más Cercana

Entre canciones, Plant se mostró relajado y conversador, compartiendo las historias detrás de cada tema y bromeando con la audiencia. En un momento de humor, incluso hizo una referencia a la película de culto Spinal Tap cuando una niña en el público dejó caer un casco de bombero de plástico al suelo.

La actuación captura la esencia de Saving Grace, un proyecto que permite a Plant explorar sus influencias del folk británico, el blues del Delta y la música de los Apalaches, en un formato acústico y colaborativo.

De Gira por el Mundo

Robert Plant y Saving Grace se encuentran actualmente finalizando una gira por Estados Unidos. Posteriormente, llevarán su espectáculo al Reino Unido en diciembre, antes de regresar a Estados Unidos en marzo para presentarse en el prestigioso Big Ears Festival en Tennessee. Las entradas para sus próximos conciertos están disponibles a través de Ticketmaster.

Foreigner y Lynyrd Skynyrd anuncian gira conjunta

Dos de las bandas más legendarias y queridas de la historia del rock unirán fuerzas en el verano de 2026 para una gira que promete ser inolvidable. Foreigner y Lynyrd Skynyrd, ambos miembros del Salón de la Fama del Rock & Roll, han anunciado la gira coestelar “Double Trouble Double Vision Tour”, que recorrerá Norteamérica.

El nombre de la gira es un ingenioso guiño a dos de sus canciones clásicas: “Double Vision” de Foreigner y “Double Trouble” de Lynyrd Skynyrd. La gira comenzará el 23 de julio en Atlanta y concluirá el 29 de agosto en Rogers, Arkansas, con shows en ciudades como Toronto, Houston, Dallas y St. Louis.

Este evento representa una oportunidad única para ver a dos gigantes del rock en una misma noche, interpretando un catálogo combinado de himnos que han definido la banda sonora de varias generaciones.

Una Noche de Himnos Inolvidables

La gira promete una sobrecarga de éxitos. Foreigner, conocidos por su rock melódico y sus poderosas baladas, traerán al escenario clásicos como “I Want to Know What Love Is”, “Cold as Ice”, “Juke Box Hero” y “Hot Blooded”. Para la banda, estas fechas son especialmente significativas, ya que se enmarcan dentro de su actual gira de despedida, lo que podría ser una de las últimas oportunidades para verlos en vivo.

Por su parte, Lynyrd Skynyrd, los indiscutibles reyes del rock sureño, desatarán su arsenal de himnos atemporales, incluyendo “Sweet Home Alabama”, “Simple Man” y, por supuesto, el épico solo de guitarra de “Free Bird”.

“Doble Problema, Doble Visión”: Dos Leyendas Unidas

La emoción es compartida por ambas bandas. En un comunicado de prensa, Jeff Pilson de Foreigner declaró: “¡La energía que la banda ha sentido al saber que estaremos de gira con Skynyrd el próximo verano ha sido eléctrica! Dos bandas con muchas canciones icónicas, guitarras en duelo, doble problema y doble visión van a incendiar cada escenario. ¡Sin duda, este será EL evento del verano!”.Johnny Van Zant de Lynyrd Skynyrd compartió el entusiasmo: “¡Estoy emocionado de compartir el escenario con Foreigner y escuchar todos sus increíbles éxitos! Siempre he sido un fan, y creo que al público le encantará esta gira. Lynyrd Skynyrd y Foreigner juntos… no hay nada mucho mejor que eso“.

La Historia de “Jealous Guy” de John Lennon

Es una de las canciones más queridas y versionadas de John Lennon, pero detrás de su melodía melancólica, “Jealous Guy” esconde una de las confesiones más crudas y personales del ex-Beatle. La canción, lanzada en su álbum de 1971, Imagine, tuvo un viaje de tres años, transformándose de un himno a la naturaleza a una disculpa por su propio carácter posesivo.

La historia de “Jealous Guy” comenzó en la primavera de 1968, cuando The Beatles viajaron a Rishikesh, India, para estudiar con el Maharishi Mahesh Yogi. Inspirado por una conferencia sobre la naturaleza, Lennon escribió una canción titulada “Child Of Nature” con la misma melodía que el mundo llegaría a conocer. Sin embargo, mientras que la canción de Paul McCartney sobre el mismo tema, “Mother Nature’s Son”, sí fue incluida en el “White Album”, la de John fue descartada.

La Transformación: “Fui un tipo muy celoso y posesivo”

La melodía resurgió durante las caóticas sesiones de Get Back en 1969, pero no fue hasta 1971, durante la grabación de Imagine, que encontró su forma definitiva. Animado por Yoko Ono a explorar algo “más sensible”, Lennon desechó la letra original y escribió una nueva que funcionaba como un espejo de sus propias inseguridades.

En una entrevista de 1980, Lennon fue explícito sobre el significado de la letra: “Era un tipo muy celoso y posesivo. Hacia todo. Un hombre muy inseguro”. Confesó su deseo de “poner a su mujer en una cajita, encerrarla y sacarla solo cuando quisiera jugar con ella”.

Esta honestidad brutal fue una reflexión sobre su propia evolución. En 1971, explicó cómo el amor lo llevaba a querer “poseer” a Yoko por completo, pero reconoció el peligro de “poseerla hasta la muerte”. La canción se convirtió así en una disculpa y una introspección sobre su propia masculinidad tóxica.

Una Sesión de Grabación Mágica

La grabación de “Jealous Guy” tuvo lugar el 24 de mayo de 1971 en el estudio personal de Lennon en Tittenhurst Park. La sesión contó con un elenco de músicos de ensueño. La interpretación de piano, tan distintiva y emotiva, corrió a cargo del legendario Nicky Hopkins.

El baterista Jim Keltner describió la experiencia como “estar en un sueño”, mientras que Joey Molland de Badfinger, también presente, recordó su asombro al escuchar a Lennon cantar: “Estaba tan pasmado que no podía tocar. Sonaba como John Lennon”. Las cuerdas, que añadieron una capa extra de melancolía, fueron agregadas meses después por miembros de la Filarmónica de Nueva York.

El Legado de una Canción Inmortal

Tras el asesinato de Lennon en 1980, la banda Roxy Music grabó una versión de “Jealous Guy” como homenaje, llevándola al número uno en el Reino Unido y presentándola a una nueva audiencia. La canción también tiene el honor de ser la última que Lennon tocó en público, en una anécdota de 1977 donde la interpretó para una pareja de ancianos que se coló por error en su suite de hotel en Japón, pensando que era un bar. La pareja se fue, sin saber que habían recibido un concierto privado de una leyenda.

Causa de Muerte de Ace Frehley (KISS): Revelan Informe Oficial

El Médico Forense del Condado de Morris, en Nueva Jersey, ha publicado el informe oficial sobre la causa de muerte de Ace Frehley el legendario guitarrista y miembro fundador de KISS. El informe confirma que el icónico músico falleció a los 74 años el pasado 16 de octubre debido a lesiones por traumatismo contundente en la cabeza, producto de una caída accidental en su domicilio.

Según los detalles del reporte, obtenidos por el medio TMZ, el fallecimiento del guitarrista ha sido clasificado oficialmente como un accidente. La caída le provocó a Frehley una fractura de cráneo, un hematoma subdural (hemorragia cerebral) y, consecuentemente, un derrame cerebral. Tras el incidente, el músico fue puesto en soporte vital, pero no logró recuperarse.

La noticia de su deceso el mes pasado conmocionó al mundo de la música, generando una ola de tributos por parte de sus compañeros fundadores de KISS, Gene Simmons, Paul Stanley y Peter Criss, así como de decenas de músicos y millones de seguidores en todo el mundo que lamentaron la pérdida de uno de los guitarristas más influyentes del rock.

El Legado Inmortal de “The Spaceman”

Paul Daniel “Ace” Frehley no solo fue el guitarrista principal de KISS en su época dorada, sino también el arquitecto de un sonido que definió a la banda. Con su personaje “The Spaceman”, se convirtió en un ícono visual y sonoro. Su estilo de tocar, caracterizado por riffs potentes y solos melódicos y vibrantes, inspiró a incontables guitarristas, desde Dimebag Darrell de Pantera hasta Tom Morello de Rage Against the Machine.

Frehley fue el autor de algunos de los temas más emblemáticos de la banda, como “Cold Gin” y “Shock Me”, esta última inspirada en un incidente real en el que se electrocutó en el escenario. Su solo de guitarra en “Shock Me”, con la guitarra humeante, se convirtió en uno de los momentos más esperados de los espectaculares conciertos de KISS durante los años 70. Su álbum en solitario de 1978, lanzado simultáneamente con los de los otros miembros de la banda, fue el más exitoso de los cuatro, gracias en gran parte al éxito del sencillo “New York Groove”.

El Último Adiós y Homenajes Futuros

Una semana después de su fallecimiento, se llevó a cabo un servicio conmemorativo privado en Yonkers, al que asistieron los miembros fundadores sobrevivientes de KISS, seguido de un funeral en El Bronx. Estos eventos íntimos permitieron a sus seres queridos y compañeros de banda despedirse del músico.

El legado de Frehley continuará siendo celebrado. Se espera que la alineación más reciente de KISS, compuesta por Simmons, Stanley, Tommy Thayer y Eric Singer, rinda un homenaje especial al guitarrista durante el evento “KISS Kruise: Landlocked in Vegas”, una celebración de tres días que tendrá lugar este próximo fin de semana.

La muerte de Ace Frehley cierra un capítulo fundamental en la historia del rock. Su sonido, su imagen y su actitud rebelde no solo ayudaron a catapultar a KISS al estrellato mundial, sino que también dejaron una marca indeleble en el ADN de la música rock, asegurando que su influencia perdure por generaciones. 

The Eagles anuncia cierre de residencia en la Sphere

La legendaria banda de rock The Eagles ha anunciado la que será la última extensión de su exitosa residencia en la Sphere de Las Vegas, añadiendo cuatro fechas finales para marzo de 2026. Estos conciertos marcarán el cierre definitivo de su paso por el innovador recinto, como parte de su gira de despedida “The Long Goodbye”.

Las nuevas y últimas fechas programadas son el 20, 21, 27 y 28 de marzo de 2026. Con este anuncio, la banda ofrece una oportunidad final para que sus seguidores puedan presenciar su espectáculo en un formato completamente inmersivo y tecnológicamente avanzado. Estos conciertos se suman a los ya programados para enero y febrero del mismo año.

The Eagles, una de las bandas más influyentes en la historia del rock, continúa su gira de despedida con una alineación que incluye a los miembros históricos Don Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit, acompañados por Vince Gill y Deacon Frey, hijo del fallecido cofundador Glenn Frey, en un emotivo homenaje al legado de su padre.

Una Experiencia Tecnológica Inmersiva

La residencia de The Eagles en la Sphere no es un concierto tradicional. El recinto, famoso por su tecnología de punta, cuenta con una pantalla LED interior de 15,000 metros cuadrados que envuelve al público y un sistema de audio avanzado que permite crear una experiencia sonora y visual única. Este formato ha sido aclamado por la crítica y permite a la audiencia sumergirse en la música de la banda de una manera nunca antes vista, proyectando visuales espectaculares que acompañan sus grandes éxitos.

Los precios de los boletos inician en $175 dólares. De acuerdo con la cotización del día (10 de noviembre de 2025), que sitúa el tipo de cambio en aproximadamente 3,216 pesos mexicanos. La organización ha especificado que estos precios son “all-in”, lo que significa que ya incluyen impuestos y cargos por servicio.

Además, estarán disponibles paquetes VIP de edición limitada que ofrecen asientos premium, mercancía exclusiva, estacionamiento y otras amenidades para mejorar la experiencia del concierto.

El Largo Adiós de una Leyenda

La gira “The Long Goodbye” fue concebida como el capítulo final en la ilustre carrera de The Eagles, que abarca más de cinco décadas. La banda ha expresado su gratitud hacia sus seguidores por la lealtad a lo largo de los años y ha manifestado su deseo de despedirse mientras todavía pueden ofrecer un espectáculo de alta calidad.

Estas últimas fechas en la Sphere de Las Vegas representan no solo el fin de su residencia en la ciudad, sino también uno de los últimos actos de una de las carreras más exitosas y perdurables en la historia de la música. La oportunidad de escuchar en vivo clásicos como “Hotel California”, “Take It Easy” y “Desperado” en un entorno tan espectacular se perfila como un evento histórico para los amantes del rock.

Super Bowl 2026: Sting Encabezará un Concierto Especial

La NFL está añadiendo una dosis de rock clásico a la alineación musical del Super Bowl LX. La leyenda británica Sting encabezará un concierto especial y exclusivo en San Francisco, dos días antes de que se celebre el gran partido y el esperado espectáculo de medio tiempo.

El ex-líder de The Police y superestrella en solitario se presentará en un evento íntimo denominado “Super Bowl LX Studio 60”. El concierto se llevará a cabo en el icónico Palace of Fine Arts de San Francisco, un escenario que promete ofrecer a los fanáticos la oportunidad de ver al artista “de cerca y en persona”.

Este anuncio, realizado por On Location, el proveedor oficial de hospitalidad de la NFL, complementa el show de medio tiempo, que este año estará a cargo del artista puertorriqueño Bad Bunny.

Una Alternativa de Rock Clásico para el Fin de Semana Más Grande del Deporte

La inclusión de Sting en los eventos oficiales del Super Bowl ofrece una atractiva alternativa para los amantes del rock. Mientras que el espectáculo de medio tiempo se ha inclinado hacia el pop y los sonidos urbanos en los últimos años, la presencia de una figura de la talla de Sting asegura que la tradición del rock clásico siga siendo una parte fundamental del fin de semana más importante del deporte estadounidense.

El concierto “Studio 60” está diseñado como una experiencia de lujo que combina entretenimiento musical de primer nivel en uno de los lugares más emblemáticos de San Francisco.

Una Carrera Llena de Éxitos

Con una carrera que abarca casi cinco décadas, Sting es uno de los músicos más respetados y exitosos del mundo. Desde sus días como el cerebro creativo de The Police, con himnos como “Every Breath You Take” y “Roxanne”, hasta su aclamada carrera en solitario con éxitos como “Fields of Gold” y “Englishman in New York”, su catálogo es una garantía de calidad y nostalgia.El Super Bowl LX se celebrará el 8 de febrero de 2026 en el Levi’s Stadium en Santa Clara, California, y será transmitido en vivo por NBC. La adición de Sting a la celebración consolida el evento como una verdadera fiesta musical que busca atraer a audiencias de todos los gustos y generaciones.

Stewart Copeland de The Police rinde tributo a Jimi Hendrix

Stewart Copeland, el legendario baterista de The Police, ha revelado cómo un álbum de Jimi Hendrix alteró por completo su trayectoria musical, desviándolo del jazz y llevándolo hacia el rock. En una nueva serie de videos de Ultimate Classic Rock que celebra el legado de “Axis: Bold as Love”, Copeland y otras leyendas de la música han compartido el profundo impacto que tuvo en ellos el segundo disco de The Jimi Hendrix Experience.

Lanzado apenas seis meses después de su debut, “Axis: Bold as Love” (1967) mostró una sofisticación y una madurez compositiva que consolidaron a Hendrix no solo como un guitarrista virtuoso, sino como un artista visionario.

“No Sabía si Quería ser Jimi o Mitch Mitchell”

En su testimonio, Copeland confiesa que el álbum cambió su vida. “Axis: Bold as Love cambió mi destino como músico. Fui criado para ser un músico de jazz, y todo iba genial,” reveló. *”Y entonces aparecen Jimi Hendrix y [el baterista] Mitch Mitchell. Esa lucha de poder, esa batalla campal, esa pelea a puñetazos… no podía decidir si quería ser Jimi o ser Mitch Mitchell.”

El baterista de The Police describe la fascinación que sintió por esa dinámica explosiva. “De alguna manera, tenía que haber una forma de ser ambos. Y en este álbum, al menos podía escucharlos a los dos,” concluyó.

Un Salto Hacia la Composición y el Alma

Otros músicos icónicos se hicieron eco de la admiración de Copeland. Paul Rodgers, vocalista de Bad Company, elogió la belleza de “Little Wing”, describiendo sus letras como “muy al estilo de Dylan” y la interpretación como “poderosa y sensible”. Rodgers también destacó el rol del bajista Noel Redding como el ancla que “mantenía todo sólido mientras los otros dos genios se iban volando al éter con su creatividad”.

Por su parte, el guitarrista Eric Johnson subrayó el increíble crecimiento de Hendrix como compositor en este segundo disco. “Are You Experienced fue una contribución descomunal a la guitarra extravagante,” detalló. “Pero Axis llegó muy rápido después y de inmediato se sintió como una desviación; se trataba más de canciones, letras y melodías.”

Billy F. Gibbons, de ZZ Top, resumió la hazaña de Hendrix: “Como todos sospechan, es difícil hacer un segundo álbum después de un gran debut. Y sin embargo, ‘Axis: Bold as Love’ regaló a los fans algunas de las mejores cosas que Jimi hizo en toda su carrera.”Para celebrar este legado, el próximo 7 de noviembre se lanzará una caja de lujo de “Axis: Bold as Love” que incluirá 40 versiones alternativas, tomas de estudio inéditas, demos y actuaciones en vivo, 28 de las cuales nunca antes habían sido publicadas.

Las 10 mejores canciones de Halloween de la historia

Cada mes de octubre, las ondas de radio y las playlists se llenan de sonidos espeluznantes que se han convertido en la banda sonora oficial de Halloween. Pero, ¿cuáles son realmente las canciones de esta temática más exitosas de todos los tiempos? La revista Billboard analizó el desempeño histórico de estos temas en su prestigiosa lista Hot 100, y los resultados son, en algunos casos, sorprendentes.

El hallazgo más impactante es que, a pesar de su estatus cultural como el himno definitivo de la temporada, “Thriller” de Michael Jackson no ocupa el primer lugar. De hecho, ni siquiera entra en el top 10 del ranking histórico de Billboard. Su icónico video y su atmósfera de terror la convirtieron en una leyenda, pero otras canciones han tenido una presencia más dominante en las listas a lo largo de los años.

Basado en el análisis de Billboard, aquí te presentamos las 10 canciones de Halloween más grandes de la historia.

10. Blue Öyster Cult – “(Don’t Fear) The Reaper” (1976)


Un clásico del rock con un riff de guitarra hipnótico y una atmósfera inquietante que habla de la inevitabilidad de la muerte y el amor eterno. Su uso del cencerro (cowbell) es tan legendario como su temática sombría.

9. Eagles – “Witchy Woman” (1972)


Inspirada en las seductoras y peligrosas mujeres de la bohemia de Los Ángeles, esta canción de los Eagles captura una vibra de hechicería y misterio con su ritmo lento y su letra evocadora.

8. INXS – “Devil Inside” (1988)


Con un riff seductor y la carismática voz de Michael Hutchence, INXS explora la dualidad de la naturaleza humana. Es una de las canciones más oscuras y magnéticas de la banda australiana, un clásico de finales de los 80.

7. Creedence Clearwater Revival – “Bad Moon Rising” (1969)


La alegre melodía de country rock de esta canción contrasta con su letra apocalíptica sobre problemas y destrucción inminentes. Se ha convertido en un himno para musicalizar escenas de terror y suspense.

6. Janet Jackson – “Black Cat” (1990)


Janet se desvió de su sonido pop habitual para entregar un potente himno de hard rock. Con guitarras afiladas y una letra de advertencia sobre una figura peligrosa, “Black Cat” demostró su increíble versatilidad y se convirtió en un éxito número uno.

5. Rockwell – “Somebody’s Watching Me” (1984)


El himno definitivo a la paranoia. Con su pegajoso coro de sintetizador y la colaboración no acreditada de Michael Jackson en los coros, esta canción captura a la perfección la sensación de ser observado.

4. The Edgar Winter Group – “Frankenstein” (1973)


Este monstruoso instrumental de rock progresivo es una proeza musical. Con su pesado riff de guitarra y su innovador uso del sintetizador, se convirtió en un éxito número uno y en una pieza obligada en cualquier playlist de rock clásico.

3. Michael Jackson – “Thriller” (1984)


Aunque no es la número uno en las listas históricas, es la reina indiscutible de la cultura popular de Halloween. Su video musical revolucionó la industria y su combinación de funk, pop y terror es simplemente icónica.

2. Ray Parker Jr. – “Ghostbusters” (1984)


¿A quién vas a llamar? El tema principal de la película “Los Cazafantasmas” es un fenómeno. Su ritmo bailable y su coro inolvidable la convirtieron en un éxito mundial y en sinónimo de Halloween para toda una generación.

1. Bobby “Boris” Pickett & The Crypt-Kickers – “Monster Mash” (1962)

La reina indiscutible del ranking de Billboard. Esta novedosa canción ha regresado a las listas de éxitos en múltiples ocasiones desde su lanzamiento, convirtiéndose en el himno de Halloween por excelencia, una tradición que ha perdurado por más de 60 años.