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Razones por las que INXS debe entrar al Rock & Roll Hall of Fame en 2026

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La agrupación australiana INXS ha sido incluida oficialmente en la lista de nominados para ingresar al Salón de la Fama del Rock & Roll en su edición de 2026. Este anuncio, realizado este lunes 2 de marzo, representa un reconocimiento que la industria y los seguidores de la banda han reclamado durante dos décadas. A pesar de ser elegibles desde el año 2006, es la primera ocasión en que el comité de selección integra al sexteto de Sídney en la boleta de votación. Los analistas del sector señalan que esta distinción técnica valida una trayectoria que definió el sonido de la radio internacional entre 1982 y 1992.

La competencia para la clase de 2026 incluye a figuras de gran peso comercial como Phil Collins, Oasis, Shakira e Iron Maiden. Sin embargo, la propuesta técnica de INXS destaca por haber logrado una amalgama de géneros que muy pocos conjuntos consiguieron equilibrar con éxito masivo. Actualmente, la demanda por los materiales físicos de la banda se mantiene sólida; una edición especial en vinilo de su álbum Kick tiene un precio de mercado de 24.98 dólares, lo que equivale a 428.41 pesos mexicanos. Este interés constante es uno de los factores primordiales que el jurado considera para otorgar el ingreso definitivo al recinto de Cleveland.

La versatilidad sonora y el impacto comercial de INXS

Uno de los pilares que fundamentan la nominación de la banda es su capacidad para fusionar el rock con elementos de la música pop, el baile y la new wave. INXS desarrolló una fórmula sonora única que les permitió sonar de forma contemporánea junto a los grandes actos de los años 80, pero manteniendo una profundidad lírica y melódica distintiva. El sencillo Need You Tonight, lanzado en 1987, es citado frecuentemente por los especialistas como el ejemplo perfecto de su técnica, logrando que un sonido con texturas oscuras y carnales fuera accesible para el consumo de las masas globales.

El éxito comercial de la agrupación se respalda con cifras que demuestran una década de dominio absoluto en la radio. La banda ha vendido más de 60 millones de álbumes a nivel mundial, registrando seis producciones con certificación de platino o superior únicamente en los Estados Unidos. El punto máximo de su carrera ocurrió con la publicación del disco Kick (1987), producción que generó éxitos de rotación constante como New Sensation, Never Tear Us Apart y Devil Inside. Entre 1982 y 1992, la banda logró posicionar 17 canciones dentro del Top 20 del listado Billboard Mainstream Rock, una hazaña que consolida su importancia estadística en la historia del rock.

Michael Hutchence: el arquetipo de la estrella de rock moderna

La figura de Michael Hutchence es fundamental para entender el carisma de INXS. En una época que contaba con vocalistas de gran despliegue escénico como Axl Rose o Dave Gahan, Hutchence destacó por una energía eléctrica que los críticos compararon con la presencia de Jim Morrison y el magnetismo de Mick Jagger. El cantante de Sídney poseía una capacidad interpretativa excepcional, logrando que su imagen en videos musicales e intervenciones públicas se convirtiera en la definición misma de una estrella de rock para la generación de finales del siglo XX.

Leyendas de la música como Bono, Billy Corgan y Simon Le Bon han elogiado públicamente el talento de Hutchence, reconociendo su influencia en la construcción de la estética visual de la radio en los años 90. Tras el fallecimiento del vocalista en 1997, el legado de la banda ha sido preservado mediante documentales y reediciones de alta fidelidad. La industria reconoce que el liderazgo de Hutchence fue el motor principal para que un grupo australiano lograra la transición hacia el estrellato global, estableciendo un estándar de ejecución vocal y dominio del escenario que sigue siendo estudiado por los nuevos artistas.

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Pioneros visuales en la era de la cadena MTV

El éxito de INXS no puede entenderse sin su labor como pioneros en el formato de video musical. La banda fue una de las primeras en comprender que la imagen visual era una herramienta técnica para la expansión internacional. Sus producciones audiovisuales, caracterizadas por un estilo sofisticado y cautivador, obtuvieron una rotación masiva en la cadena MTV. Este esfuerzo culminó en la ceremonia de los MTV Video Music Awards de 1988, donde la agrupación obtuvo cinco estatuillas, incluyendo la categoría de Video del Año por el tema Need You Tonight.

A pesar de no haber publicado material de estudio con canciones inéditas en los últimos 16 años, la lealtad de la base de seguidores de INXS permanece intacta. Existen múltiples plataformas digitales, comunidades en redes sociales y podcasts dedicados exclusivamente al análisis de su discografía. Incluso, movimientos ciudadanos como el portal InductINXS.com han trabajado durante más de un lustro recolectando firmas a través de peticiones globales para exigir que la academia reconociera finalmente su mérito histórico. La confirmación de la nominación en 2026 cierra un ciclo de espera, asegurando que el legado sonoro y visual de la banda permanezca vigente en el centro de la cultura popular contemporánea.

¿Te acuerdas de estas canciones? Los 10 mejores ‘One-Hit Wonders’ de la historia

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Fueron relámpagos en una botella, explosiones de creatividad que dominaron la radio y MTV para luego desaparecer. Son los “One-Hit Wonders”, artistas que, aunque solo tuvieron un gran éxito, nos dejaron canciones tan icónicas que han trascendido el tiempo. La década de los 80 fue la edad de oro de este fenómeno, y estos son algunos de los himnos inmortales que nos regaló.

10. Norman Greenbaum – ‘Spirit in the Sky’ (1970)
Con su riff de guitarra difuso y su temática gospel-rock, esta joya psicodélica es la única canción de los 70 en el top 10. Un clásico instantáneo que ha sido un éxito número uno en el Reino Unido en tres décadas diferentes con tres artistas distintos.

9. Eddy Grant – ‘Electric Avenue’ (1983)
Aunque la letra habla de disturbios raciales en Londres, su ritmo reggae irresistible y su coro pegajoso la convirtieron en un éxito mundial. Grant ya era una estrella en el Reino Unido, pero esta fue su única conquista de las listas estadounidenses.

8. Tommy Tutone – ‘867-5309/Jenny’ (1981)
La canción sobre un número de teléfono en la pared de un baño que causó que miles de personas con ese número recibieran llamadas incesantes. Aunque la historia de “Jenny” era ficticia, su impacto fue muy real.

7. Modern English – ‘I Melt With You’ (1982)
El himno definitivo del romance new wave. Con su atmósfera soñadora y su letra apocalípticamente romántica (“El futuro se abre…”), se convirtió en una de las canciones más definitorias y queridas de la década.

6. Dexys Midnight Runners – ‘Come On Eileen’ (1982)
Con su violín celta, sus overoles de mezclilla y su cambio de ritmo demencial, esta canción no se parecía a nada. Se convirtió en un número uno global y en el himno de fiesta por excelencia.

5. Nena – ‘99 Luftballons’ (1983)
Una canción sobre la guerra nuclear que se convirtió en un éxito pop mundial, cantada en alemán. Su melodía pegajosa y su mensaje anti-guerra la hicieron universal, con una igualmente exitosa versión en inglés.

4. Soft Cell – ‘Tainted Love’ (1981)
La prueba de que un cover puede superar al original. Tomaron una oscura canción de soul de los 60 y la convirtieron en un himno de synth-pop frío, siniestro y absolutamente irresistible.

3. Frankie Goes to Hollywood – ‘Relax’ (1983)
Prohibida por la BBC por su letra sexualmente explícita, la controversia solo sirvió para catapultarla al estrellato. Con su eslogan “Frankie Say Relax”, se convirtió en un ícono de la cultura de los 80.

2. a-ha – ‘Take On Me’ (1985)
El ejemplo perfecto del poder de MTV. La canción fracasó en su lanzamiento inicial, pero fue re-lanzada con un innovador video de animación a lápiz que la convirtió en un fenómeno global instantáneo.

1. The Buggles – ‘Video Killed the Radio Star’ (1979)
La canción que lo predijo todo. Profética en su letra sobre el cambio tecnológico en la música, se convirtió en un himno generacional cuando, el 1 de agosto de 1981, fue el primer video musical transmitido en la historia de MTV, cambiando la música para siempre.

Johnny Knoxville confirma el regreso de ‘Jackass’ con una nueva película

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Justo cuando pensábamos que sus cuerpos ya no podían soportar más castigo, la pandilla de Jackass ha anunciado su regreso. El líder del grupo, Johnny Knoxville, confirmó a través de sus redes sociales que una nueva película llegará a los cines este verano, el próximo 26 de junio.

Con su característico entusiasmo, Knoxville hizo el anuncio que nadie esperaba. “Bueno, por todos los cielos, ¡empezamos el año con una explosión!”, escribió. “Queríamos que supieran que este verano, ¡¡Jackass está de vuelta!! Nos vemos en los cines el 26 de junio”.

Un regreso que desafía al “para siempre”

Este anuncio es una gran sorpresa, ya que la película anterior, Jackass Forever (2022), fue vista por muchos como la despedida definitiva del equipo original. Sin embargo, esa cinta fue un rotundo éxito, recibiendo algunas de las mejores críticas de su carrera y recaudando más de 80 millones de dólares (aproximadamente 1,437 millones de pesos) en taquilla.

Jackass Forever fue la primera película de la saga principal sin la participación del fallecido Ryan Dunn y sin Bam Margera, quien fue despedido durante la producción. También introdujo a una nueva generación de miembros, como Rachel Wolfson y Sean “Poopies” McInerney, aunque aún no se ha confirmado quiénes regresarán para esta nueva entrega.

Un legado de dolor y risas

Lo que comenzó como un irreverente programa de MTV en el año 2000, se convirtió en un fenómeno cinematográfico mundial. Con cuatro películas principales y el exitoso spin-off Bad Grandpa, la franquicia Jackass ha recaudado más de 570 millones de dólares (aproximadamente 10,237 millones de pesos) en todo el mundo, demostrando que hay una audiencia masiva para ver a un grupo de amigos realizar las acrobacias más estúpidas y dolorosas imaginables.

Con los miembros originales ya superando los 50 años, la pregunta no es si lograrán ser más extremos, sino cómo sus cuerpos resistirán una nueva ronda de castigo.

El legado de Pat Benatar, la voz femenina que redefinió el rock

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En la historia del rock, pocas figuras femeninas irrumpieron con la fuerza y la actitud desafiante de Pat Benatar. A finales de los 70 y principios de los 80, en un mundo dominado por hombres, ella se plantó en el escenario con una voz operística entrenada y un espíritu de luchadora callejera, creando himnos de empoderamiento que definieron a una generación.

Una voz de ópera con corazón de rock

Nacida como Patricia Andrzejewski, su trayectoria no fue la típica de una estrella de rock. Estudió para ser cantante de ópera, un entrenamiento que le dio un poder y un control vocal que la distinguían de sus contemporáneas. Pero su corazón estaba en el rock and roll, y fue esa fusión de técnica y furia lo que la convirtió en una fuerza imparable.

Su álbum debut de 1979, In the Heat of the Night, la presentó al mundo con el éxito “Heartbreaker”, una declaración de intenciones que mostraba a una mujer que no estaba dispuesta a ser una víctima en el juego del amor.

La alianza indestructible con Neil Giraldo

La historia de Pat Benatar es inseparable de la de Neil Giraldo. Él no era solo su guitarrista, era el arquitecto de su sonido. Giraldo, un innovador productor y compositor, fue quien le dio a las canciones de Benatar su filo de hard rock, creando los riffs inolvidables que complementaban a la perfección su poderosa voz.

Juntos formaron una de las alianzas creativas y románticas más sólidas de la música. Canciones como “Hit Me with Your Best Shot” se convirtieron en himnos de desafío, no solo en el amor, sino en la vida. La química entre ambos era tan potente que se casaron en 1982 y continúan grabando y girando juntos hasta el día de hoy.

La conquista de MTV

Pat Benatar fue una de las reinas indiscutibles de la era temprana de MTV. Mientras muchos artistas masculinos dominaban la rotación, ella rompió el molde con videos cinematográficos. El video de “Love Is a Battlefield” (1983) no era solo una actuación, era un cortometraje sobre una joven que huye de casa y lidera una rebelión. Su imagen de mujer fuerte e independiente se convirtió en un modelo a seguir para millones.

Inducida finalmente en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2022 junto a Giraldo, el legado de Pat Benatar es innegable. Abrió la puerta para incontables mujeres en el rock, demostrando que se podía ser poderosa, talentosa y estar al frente de una banda de rock sin pedir permiso a nadie.

MTV cierra sus canales de música con ‘Video Killed The Radio Star’

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La era de los canales dedicados exclusivamente a la música en MTV ha llegado a su fin. De manera simbólica, la cadena cesó las transmisiones de sus últimas estaciones de videos musicales emitiendo el clásico de The Buggles, Video Killed the Radio Star, la misma canción con la que inauguró sus emisiones en 1981.

Desde el pasado 31 de diciembre, canales como MTV Music, MTV 80s, MTV 90s, Club MTV y MTV Live dejaron de estar disponibles en plataformas de televisión de paga en el Reino Unido y otros mercados internacionales, incluyendo Irlanda, Alemania, Australia y Brasil. Este movimiento marca el fin de una era para la televisión musical.

Un final poético para una revolución cultural

La elección de Video Killed the Radio Star no fue una coincidencia. El video de la banda británica de new wave fue el primer videoclip que MTV transmitió en su lanzamiento en Estados Unidos el 1 de agosto de 1981, inaugurando una revolución que definió la cultura pop por décadas. Ahora, casi 45 años después, la misma canción sirve como el epitafio para el formato que la cadena popularizó en todo el mundo.

El canal insignia de MTV permanecerá al aire, pero se espera que continúe con su programación actual, centrada principalmente en series de telerrealidad como Ex On The Beach y Teen Mom UK. La música, salvo por eventos anuales como los MTV European Music Awards, queda oficialmente relegada de la parrilla diaria.

El inevitable cambio en los hábitos de consumo

La decisión fue tomada por la empresa matriz de MTV, Paramount Skydance. Tras una fusión valorada en 8 mil millones de dólares (aproximadamente 143,680 millones de pesos), el nuevo director ejecutivo, David Ellison, ha impulsado una estrategia de reducción de costos.

El cierre de los canales de música es una respuesta directa al cambio radical en cómo el público consume videos musicales. Plataformas como YouTube y redes sociales como TikTok se han convertido en el principal medio para ver videoclips, haciendo que los canales de televisión lineales de 24 horas sean obsoletos para las nuevas generaciones.MTV fue un pilar cultural desde su lanzamiento. Fue el escenario para el estreno mundial del cortometraje de Michael Jackson, ‘Thriller’, y transmitió durante 16 horas el histórico concierto Live Aid en 1985. Aunque se especula que la marca podría reinventarse como un servicio de streaming para competir con YouTube y Spotify, por ahora, la despedida de sus canales musicales cierra un capítulo fundamental en la historia de la música popular.

La creación de “Bohemian Rhapsody”: A 50 Años del clásico de Queen

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Se cumplen 50 años desde que el mundo de la música cambió para siempre. Un 31 de octubre de 1975, Queen lanzó “Bohemian Rhapsody”, una ópera rock de casi seis minutos que desafió todas las convenciones de la radio, redefinió el potencial de un video musical y se convirtió en una de las composiciones más audaces y queridas de la historia.

Escrita íntegramente por Freddie Mercury, la canción fue una apuesta monumental. En una era dominada por los sencillos de tres minutos, presentar una pieza sin estribillo, dividida en seis secciones (introducción a capela, balada, solo de guitarra, ópera, hard rock y coda), parecía un suicidio comercial. Sin embargo, su genialidad reside precisamente en esa anarquía estructural.

Un Riesgo de Seis Minutos que Nadie Quería Tomar

El proceso de grabación fue una proeza técnica para la época. Bajo la producción de Roy Thomas Baker, la banda pasó semanas en múltiples estudios, superponiendo hasta 180 pistas vocales para crear la icónica sección de ópera. Cuando la presentaron a su sello discográfico, la respuesta fue un rotundo “no”. Les dijeron que era demasiado larga y extraña para ser un éxito.

Fue el legendario DJ británico Kenny Everett quien, desafiando las órdenes, comenzó a reproducir la canción en su programa de radio, a veces hasta 14 veces en un fin de semana. La respuesta del público fue tan abrumadora que la discográfica no tuvo más remedio que lanzarla como sencillo. La canción se disparó al número uno en el Reino Unido, donde permaneció durante nueve semanas.

El Nacimiento del Videoclip Moderno

Ante el éxito inminente y para evitar tener que presentarse en el programa Top of the Pops, la banda decidió filmar un video promocional. Dirigido por Bruce Gowers y filmado en solo cuatro horas con un presupuesto mínimo, el video de “Bohemian Rhapsody” no solo fue innovador; prácticamente inventó el formato del video musical moderno.

La icónica apertura, con los cuatro miembros en la oscuridad recreando la portada de su álbum Queen II, estableció una estética visual que sería imitada durante décadas. El video demostró que una canción podía ser una experiencia audiovisual completa, sentando las bases para el auge de MTV años más tarde.

Un Legado que Renace con Cada Generación

“Bohemian Rhapsody” no es solo una pieza de museo. Es un himno que se niega a envejecer. Tras la muerte de Freddie Mercury en 1991, la canción volvió al número uno en las listas. Un año después, una nueva generación la descubrió gracias a la inolvidable escena de la película “El Mundo de Wayne” (Wayne’s World), que la catapultó de nuevo a la cima de la popularidad en Estados Unidos.

A 50 años de distancia, “Bohemian Rhapsody” sigue siendo un testamento a la audacia artística. Es la prueba de que romper las reglas, cuando se hace con genialidad, no solo crea un éxito, sino una pieza de arte inmortal que seguirá resonando por generaciones.

La historia detrás del video “Zombie” de The Cranberries

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“Zombie”, el himno inmortal de The Cranberries, es una de las canciones de protesta más poderosas de los años 90. Ahora, un nuevo featurette de Vevo Footnotes desvela los secretos detrás de su icónico y desgarrador video musical, revelando la inspiración, los riesgos de su filmación y el legado de un grito que sigue resonando.

El tema, lanzado como el primer sencillo de su segundo álbum de 1994, “No Need to Argue”, marcó un giro abrupto en el sonido de la banda. Dejando atrás el pop de guitarras melódicas de su debut, The Cranberries adoptó un sonido más pesado y distorsionado, canalizando la furia del grunge para abordar el conflicto de Irlanda del Norte, conocido como “The Troubles”.

Un Grito Contra la Violencia: El Origen de la Canción

La fallecida vocalista Dolores O’Riordan explicó en su momento que la canción fue una reacción directa a la violencia. “Me sentí provocada a escribir la canción porque no estaba contenta con el hecho de que personas inocentes estuvieran siendo asesinadas,” declaró, una cita que recupera el nuevo documental. La letra fue específicamente inspirada por el atentado del IRA en Warrington en 1993, donde dos niños perdieron la vida.

El guitarrista Noel Hogan añade en el featurette que el cambio de sonido fue una progresión natural. “Nos volvimos mucho más pesados en vivo,” explica, justificando la intensidad sónica de la canción.

Filmando en el Corazón del Conflicto: La Visión de Samuel Bayer

Para un tema tan potente, necesitaban un video a la altura. La banda reclutó a Samuel Bayer, el director que acababa de definir la estética de una generación con el video de “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana. Bayer decidió filmar en las calles de Belfast, en el corazón del conflicto, para capturar la tensión real de la ocupación militar británica.

El featurette revela una anécdota escalofriante del rodaje: en una memorable escena, un soldado británico apuntó su arma directamente a la cámara. Bayer cuenta que el soldado se relajó al saber que estaban filmando un video para The Cranberries, pero aun así, les ordenó que se fueran.

El video intercala estas imágenes documentales con las ahora icónicas tomas de una Dolores O’Riordan pintada de oro, rodeada de querubines, una poderosa metáfora visual de las víctimas inocentes.

El Legado de un Clásico Atemporal

El video fue un éxito masivo en MTV, pero la canción también dominó la radio. “Nos dijeron que es la canción más reproducida en la radio alternativa en la historia de Estados Unidos,” comentó O’Riordan en 1994.

El bajista Mike Hogan resume el impacto duradero del proyecto: “Todavía puedo recordar haber hecho un video tan genial y ver el impacto que tuvo, y todavía tiene, en la gente.” “Zombie” no es solo una canción; es un documento histórico y el testamento inmortal de la voz y la conciencia de Dolores O’Riordan.

La película de terror de 14 minutos que cambió la música para siempre

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Antes del 2 de diciembre de 1983, un video musical era poco más que un clip promocional. Después de esa noche, podía ser una obra de arte cinematográfica. Esa fue la noche en que MTV estrenó “Thriller” de Michael Jackson, un cortometraje de 14 minutos que no solo redefinió una industria, sino que se incrustó para siempre en el ADN de la cultura pop global.

El video no fue una idea del sello discográfico; fue una visión del propio Jackson. Fascinado por la película de terror de 1981, “Un Hombre Lobo Americano en Londres”, el “Rey del Pop” decidió que no quería un simple video, quería un cortometraje de terror. Para ello, reclutó al director de esa misma película, John Landis.

Una Producción Cinematográfica sin Precedentes

Con un presupuesto de 500,000 dólares (casi 9 millones de pesos actuales), una cifra astronómica para la época, la producción fue tratada como una película de Hollywood. Para las transformaciones y el maquillaje de los zombis, se contrató al legendario artista de efectos especiales Rick Baker, quien acababa de ganar un Oscar por su trabajo con Landis.

El resultado fue una pieza narrativa con una trama, diálogos y efectos especiales que nunca se habían visto en un video musical. La historia, que sigue a Michael y su novia (interpretada por Ola Ray) en una cita que se convierte en una pesadilla, es un homenaje al cine de terror de los años 50. La icónica voz en off del legendario actor de terror Vincent Price añadió una capa de autenticidad y escalofrío.

El Impacto que Sacudió al Mundo

Pero el verdadero momento cumbre es la coreografía de los zombis. La imagen de Michael Jackson liderando a un ejército de muertos vivientes en una rutina de baile sincronizada es una de las más icónicas de la historia. La secuencia no solo era visualmente espectacular, sino que demostraba el genio de Jackson como intérprete y coreógrafo.

El impacto del estreno de “Thriller” fue inmediato y devastador. MTV, que en ese entonces todavía tenía reticencias a programar artistas negros, transmitió el video sin cesar, a veces dos veces por hora, debido a la abrumadora demanda del público. El video revitalizó las ventas del álbum “Thriller”, que ya llevaba un año en el mercado, devolviéndolo al número uno de las listas y consolidándolo como el álbum más vendido de todos los tiempos.

Además, “Thriller” creó un nuevo producto: el documental “detrás de cámaras”. “The Making of Michael Jackson’s Thriller” se convirtió en el VHS musical más vendido de la historia, demostrando que el público estaba tan fascinado con el “cómo” como con el “qué”.

“Thriller” no es solo un video musical; es un evento cultural que rompió barreras raciales, fusionó el cine con la música y estableció un nuevo estándar de ambición artística que, décadas después, sigue siendo inalcanzable.

The Cars lanzará reedición de 40 aniversario de ‘Heartbeat City’

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Para celebrar el 40º aniversario de su álbum más exitoso comercialmente, ‘Heartbeat City’, la legendaria banda de new wave The Cars ha anunciado una masiva reedición de lujo. El set, que saldrá a la venta el 31 de octubre, constará de cuatro CDs y un LP, ofreciendo una inmersión total en la era que los consolidó como superestrellas de la era MTV.

Lanzado en 1984, Heartbeat City se convirtió en uno de los álbumes más populares de la banda, alcanzando el número 3 en las listas de éxitos gracias a sencillos inmortales como “You Might Think” y la balada icónica “Drive”. El álbum fue un fenómeno, en gran parte gracias a sus innovadores videos musicales, que tuvieron una rotación masiva en MTV.

De hecho, el video de “You Might Think” ganó el primer premio a Video del Año en la historia de los MTV Video Music Awards.

Tesoros Inéditos y un Concierto Legendario

La nueva edición de lujo va mucho más allá del álbum original. Los cuatro CDs están repletos de material extra, incluyendo lados B, remixes, versiones primerizas, demos y mezclas alternativas de las canciones del disco. Muchas de estas pistas son completamente inéditas.

El plato fuerte para los coleccionistas es el cuarto disco, que contiene la grabación completa de un concierto en The Summit, en Houston, del 11 de septiembre de 1984. Aunque este show fue lanzado en su momento en VHS y LaserDisc, esta será la primera vez que estará disponible en formato de CD, permitiendo a los fans disfrutar del poderoso directo de la banda en su apogeo.

La Banda Sonora de la Era MTV

Heartbeat City representó la culminación de la fusión perfecta entre el rock de guitarras de Ric Ocasek y el sonido de los sintetizadores que definió los 80. La producción pulida de Robert John “Mutt” Lange (el mismo de Bryan Adams y Def Leppard) le dio a la banda un sonido listo para la radio y para la televisión.

Esta reedición no solo celebra un álbum, sino un momento cultural en el que la música y la imagen se unieron para crear íconos. Es una oportunidad única para redescubrir la genialidad de una de las bandas más innovadoras e influyentes de la era del new wave.