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Sting revela por qué no dejará su fortuna a sus hijos: “Deben trabajar”

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El músico británico Sting reiteró recientemente su postura sobre la independencia financiera de sus seis hijos durante una entrevista televisiva. El exlíder de The Police afirmó que sus descendientes deben construir su propio camino profesional sin depender de su fortuna personal acumulada. El compositor destacó que decirle a un joven que no necesita trabajar representa una forma de negligencia que afecta su ética laboral y desarrollo. 

El artista explicó que ha financiado la educación y las necesidades básicas de su familia, pero insiste en la importancia de generar ingresos propios. Entre sus hijos se encuentran la actriz Mickey Sumner y los músicos Joe Sumner y Eliot Sumner, quienes desarrollan carreras independientes en la industria. El bajista confía en que esta exigencia fortalece la resiliencia y el carácter de los miembros de su núcleo familiar frente al futuro. 

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La trayectoria laboral previa a la fama mundial 

Antes de alcanzar el éxito masivo en la escena musical, Gordon Sumner desempeñó diversos oficios para sostenerse económicamente durante su juventud. El compositor trabajó en oficinas, sitios de construcción y como docente en un pequeño pueblo minero mientras participaba en agrupaciones locales de jazz. Estas experiencias formativas influyeron en su percepción del éxito, definiéndose actualmente como un músico profesional antes que como una estrella de rock convencional. 

A pesar de su filosofía austera, Sting percibe ingresos significativos por concepto de regalías, especialmente de la pieza Every Breath You Take. Se estima que esta canción genera anualmente cerca de 11 millones 660 mil pesos mexicanos en beneficios directos para el autor de la obra. Gran parte de esta suma proviene del uso de fragmentos del tema en la producción I’ll Be Missing You de Puff Daddy lanzada originalmente en 1997. 

Disputas legales con Stewart Copeland y Andy Summers 

La estabilidad financiera del músico enfrenta actualmente un proceso legal iniciado por sus antiguos compañeros en The Police en septiembre de 2025. Stewart Copeland y Andy Summers demandaron al bajista reclamando adeudos en regalías que oscilan entre 31 millones 800 mil pesos y 169 millones 600 mil pesos mexicanos. El conflicto legal cuestiona la distribución equitativa de los pagos generados por el catálogo histórico de la icónica agrupación británica. 

Informes recientes indican que Sting ha transferido más de 12 millones 614 mil pesos mexicanos a Copeland y Summers desde el inicio del litigio. Mientras se resuelve la disputa en los tribunales, el músico continúa con su gira internacional bajo el concepto de Sting 3.0 en formato de trío. El proyecto cuenta con la participación del guitarrista Dominic Miller y el baterista Chris Maas en escenarios de Estados Unidos y Europa. 

McCartney y Ringo Starr lanzan Home to Us: su primer dueto vocal histórico

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Paul McCartney presentó oficialmente su nuevo sencillo titulado Home to Us, una colaboración histórica que marca el primer dueto vocal completo con Ringo Starr. El tema forma parte de su próximo álbum de estudio, The Boys of Dungeon Lane, el cual llegará a las plataformas y tiendas el 29 de mayo de 2026. Esta pieza musical tuvo una escucha exclusiva el pasado 5 de mayo en los Abbey Road Studios, donde un grupo selecto de seguidores conoció los detalles de la producción directamente del músico británico. 

Andrew Watt asumió la producción integral de esta canción y del nuevo disco, tras haber trabajado previamente con figuras del rock de alto perfil. El origen del tema se remonta a una sesión de improvisación de Ringo Starr en el estudio de Watt durante el año 2024. McCartney compuso la estructura melódica a partir de las grabaciones de batería de Starr, convirtiéndolo en el único músico invitado para ese instrumento en todo el álbum. 

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El sonido de Liverpool con Chrissie Hynde y Sharleen Spiteri 

La instrumentación de la pista recae casi en su totalidad en el ex-Beatle, siguiendo la tradición multiinstrumentista de su álbum debut de 1970. Las voces secundarias cuentan con la participación de Chrissie Hynde, líder de The Pretenders, y Sharleen Spiteri, vocalista de la banda Texas. Ambas artistas aportan texturas vocales que refuerzan el carácter británico de la obra, bajo la dirección técnica de Watt en la mezcla final. 

La narrativa lírica de Home to Us funciona como una carta de agradecimiento al Liverpool de la posguerra donde crecieron ambos músicos. El texto describe las dificultades de barrios como Dingle, lugar de origen de Starr, y la identidad obrera que definió sus años de formación. McCartney decidió que las líneas vocales se alternaran entre él y Ringo durante toda la extensión de la pista, un formato inédito en sus grabaciones conjuntas previas. 

Detalles de The Boys of Dungeon Lane y el regreso al origen 

El video con la letra oficial ya se encuentra disponible en la plataforma YouTube, bajo la dirección creativa del estudio Trunk. Esta entrega sucede al primer adelanto del disco, Days We Left Behind, consolidando un enfoque introspectivo centrado en los recuerdos previos a la Beatlemanía. El álbum representa el decimonoveno trabajo de estudio en solitario del músico y su primer material inédito desde el lanzamiento de McCartney III en 2020. 

La agenda de los músicos muestra una etapa de alta productividad, pues Ringo Starr prepara simultáneamente el lanzamiento de su propio disco, Long Long Road. La colaboración en Home to Us cierra un ciclo emocional para los dos supervivientes de la banda más influyente de la historia. El listado de canciones de The Boys of Dungeon Lane incluye catorce temas que exploran la amistad y las vivencias junto a John Lennon y George Harrison. 

El error tipográfico que cambió el significado de Paint It Black

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En mayo de 1966, The Rolling Stones lanzaron Paint It Black, una pieza que transformó la dirección del rock psicodélico a nivel global. La canción alcanzó rápidamente la cima de las listas de popularidad en Estados Unidos y el Reino Unido, consolidando la faceta experimental de la banda. Este sencillo destacó por su atmósfera densa, alejándose de los ritmos de blues convencionales que definieron sus primeros álbumes de estudio bajo el sello Decca. 

Durante las sesiones de grabación en RCA Studios en Hollywood, el bajista Bill Wyman aportó una técnica inusual para fortalecer las bajas frecuencias. Wyman utilizó sus puños para tocar los pedales de un órgano Hammond, logrando una resonancia profunda que complementó la batería de Charlie Watts. Esta innovación técnica permitió que el tema adquiriera una densidad sonora única, marcando un precedente en la ingeniería de sonido de la época. 

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La integración del sitar y la visión de Brian Jones 

Brian Jones desempeñó un papel fundamental al introducir el sitar, inspirado por el interés contemporáneo de la música india en la escena británica. Jones aprendió a tocar el instrumento rápidamente y grabó el icónico riff melódico que guía toda la estructura rítmica de la pieza. Su capacidad para adoptar instrumentos exóticos permitió a la agrupación explorar texturas acústicas que los diferenciaron de sus competidores directos en el mercado internacional. 

La letra, escrita por Mick Jagger y Keith Richards, aborda temáticas de duelo, depresión y pérdida desde una perspectiva existencialista. Jagger utilizó metáforas cromáticas para describir la incapacidad de ver luz o color ante la muerte de un ser querido en el relato. A pesar de las interpretaciones posteriores que ligaron la canción a la Guerra de Vietnam, el enfoque original se centró estrictamente en un sentimiento de vacío emocional interno. 

La controversia tipográfica y su legado en la cultura pop 

Una decisión administrativa de Decca Records generó confusión al incluir una coma innecesaria en el título oficial del sencillo original. El tema se registró inicialmente como Paint It, Black, lo que provocó debates innecesarios sobre supuestas interpretaciones raciales que la banda desmintió. Keith Richards aclaró posteriormente que el signo de puntuación fue un error tipográfico de la discográfica y no una elección artística deliberada por parte de los músicos. 

El legado de esta composición se expandió décadas después a través de su uso frecuente en bandas sonoras de películas y series de televisión. Producciones como Full Metal Jacket y Westworld han utilizado la melodía para subrayar momentos de alta tensión dramática o caos visual en pantalla. Actualmente, la pieza se mantiene como un elemento esencial en el repertorio en vivo de sus giras, acumulando miles de millones de reproducciones en plataformas digitales. 

El secreto detrás del solo de ‘Hotel California’: ¿Por qué es el mejor de la historia?

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La composición final de Hotel California destaca por su duelo de guitarras de dos minutos de duración, ejecutado por Don Felder y Joe Walsh. Este segmento musical cerró el álbum homónimo de Eagles lanzado en diciembre de 1976, bajo la producción de Bill Szymczyk. La pieza transformó la estructura de las baladas de rock de la época al otorgar un protagonismo absoluto a la narrativa instrumental sobre la lírica.

Don Felder concibió la progresión armónica y la base rítmica en una grabadora de cuatro pistas antes de presentarla al resto de la agrupación. Durante las sesiones de grabación en los Criteria Studios de Miami, el productor insistió en que el solo mantuviera la esencia de la maqueta original. Esta decisión técnica aseguró que la improvisación de Walsh se alineara con la estructura melódica previamente establecida por Felder.

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El diálogo armónico entre Don Felder y Joe Walsh

La ejecución técnica del solo se caracteriza por una serie de arpegios y un intercambio de frases melódicas que los músicos denominaron como un diálogo. Don Felder utilizó una guitarra Gibson Les Paul de 1959, mientras que Joe Walsh empleó una Fender Telecaster para generar un contraste de texturas sonoras. La precisión en las armonías finales consolidó a esta dupla como uno de los ensambles de cuerdas más influyentes de la década de los 70.

El proceso de grabación requirió que ambos guitarristas se enfrentaran cara a cara en el estudio para lograr la sincronización de las notas dobladas. Esta técnica de armonía dual permite que dos melodías distintas se complementen sin perder la claridad rítmica de la canción. La complejidad de la ejecución ha convertido a este pasaje en una pieza de estudio fundamental para los guitarristas de diversas generaciones a nivel mundial.

Diversas publicaciones especializadas, como Guitarist y Rolling Stone, han posicionado a este solo dentro de los cinco mejores de la historia del rock. Su relevancia radica en la capacidad de mantener un equilibrio entre la complejidad técnica y la accesibilidad melódica para el público masivo. La obra permitió que Eagles obtuviera el premio Grammy a la Grabación del Año en 1978, consolidando su éxito comercial internacional.

Cuatro décadas después de su lanzamiento, la secuencia final de Hotel California permanece como un estándar de excelencia en la producción discográfica. La influencia de este solo se extiende hasta el rock contemporáneo, siendo objeto de análisis en instituciones académicas de música. Su permanencia en las estaciones de radio de formato Classic Rock asegura la vigencia de un legado que definió la identidad sonora de una era.

Los duetos de rock más poderosos de los años 80

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La década de los 80 representó una etapa de sinergia creativa sin precedentes dentro de la industria discográfica global. Grandes figuras del rock unieron sus talentos para producir composiciones que dominaron las listas de popularidad durante años. Estas alianzas permitieron la fusión de estilos diversos, desde el rock progresivo hasta el pop sintético, generando un impacto cultural que continúa resonando en las nuevas generaciones de oyentes.

Un ejemplo fundamental de este periodo es Under Pressure, pieza grabada por Queen y David Bowie en 1981. La sesión de grabación ocurrió en Suiza de forma espontánea, surgiendo de una improvisación rítmica entre los integrantes de la banda y el solista británico. La línea de bajo ejecutada por John Deacon estableció un estándar sonoro que permitió a la canción alcanzar el número uno en el Reino Unido.

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Himnos inmortales nacidos de colaboraciones estelares

Stevie Nicks impulsó su carrera solista con el tema Leather and Lace, donde contó con la participación de Don Henley, líder de Eagles. La canción integró el álbum Bella Donna de 1981 y destacó por el contraste armónico entre la voz rasposa de Nicks y la calidez melódica de Henley. El sencillo obtuvo una recepción comercial masiva, consolidando a ambos artistas como referentes del rock suave estadounidense.

La unión entre Philip Bailey y Phil Collins resultó en el éxito internacional Easy Lover durante el año 1984. Collins asumió roles de productor, baterista y vocalista, logrando una amalgama entre el soul de Earth, Wind & Fire y el rock contemporáneo. El video musical, que mostraba los procesos detrás de cámaras, se convirtió en uno de los materiales visuales más difundidos por la cadena MTV.

La sinergia creativa entre las leyendas del rock

Tom Petty and the Heartbreakers colaboraron estrechamente con Stevie Nicks en la grabación de Stop Draggin’ My Heart Around. Este tema funcionó como el primer sencillo oficial de la cantante fuera de Fleetwood Mac, alcanzando el tercer puesto en las listas estadounidenses en 1981. La composición aportó una estructura de guitarras sólida que definió el sonido del rock de estadios de principios de la década.

El legado de estas colaboraciones radica en la capacidad de los músicos para trascender sus géneros individuales y atraer a audiencias masivas. Los registros históricos confirman que estos duetos no solo impulsaron la venta de discos, sino que también elevaron los estándares de producción en el estudio. Actualmente, estas piezas mantienen niveles altos de reproducción digital y forman parte esencial del catálogo del rock clásico.

Barry Manilow cancela más conciertos: Todo sobre su estado de salud actual

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El cantante estadounidense Barry Manilow confirmó la cancelación de sus presentaciones programadas para el mes de mayo en Las Vegas. El intérprete recibió instrucciones de su equipo médico para extender su periodo de reposo mientras continúa el tratamiento contra el cáncer de pulmón. Esta decisión afecta directamente la continuidad de su residencia artística, la cual se mantiene pausada desde principios de año. 

El artista de 82 años de edad no ha realizado apariciones en vivo desde que se hizo público su diagnóstico en diciembre de 2025. A pesar de la interrupción en su agenda, la oficina del cantante reporta que el proceso clínico se encuentra bajo control. Manilow ha utilizado sus plataformas digitales para mantener informados a sus seguidores sobre los ajustes necesarios en su calendario profesional. 

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El progreso médico y la espera por la recuperación total 

El compositor de éxitos como Copacabana compartió que sus estudios más recientes muestran avances significativos gracias a una rutina de entrenamiento físico. Sus especialistas destacaron la mejora en su condición general, aunque determinaron que aún no cuenta con la resistencia necesaria para un espectáculo completo. El músico admitió que la espera por su recuperación definitiva ha resultado un proceso complejo a nivel personal. 

La patología fue detectada en una etapa temprana, lo que permite un pronóstico favorable para el retorno a los escenarios. Durante una entrevista reciente, el intérprete manifestó que la inactividad representa un desafío debido a su disciplina de trabajo constante. Los médicos establecieron un protocolo de vigilancia estricto para asegurar que el retorno a la actividad no comprometa su estado de salud a largo plazo. 

Planes para el retorno internacional y la residencia en julio 

La producción del artista confirmó que Barry Manilow proyecta retomar sus conciertos durante el mes de junio en el Reino Unido. Estas fechas en arenas británicas marcarán su regreso oficial a los eventos masivos tras varios meses de ausencia. El cantante expresó su entusiasmo por reencontrarse con su audiencia europea antes de volver a sus compromisos habituales en territorio estadounidense. 

La residencia en el Westgate Las Vegas Resort & Casino tiene previsto reanudar sus funciones a partir del mes de julio. Este recinto funciona como la base operativa principal para el intérprete, quien considera este lugar como su segundo hogar profesional. Los seguidores que contaban con entradas para las fechas canceladas deberán seguir los lineamientos oficiales para la reprogramación de sus accesos. 

¿El adiós de Sting? El músico revela por qué no piensa en el retiro a los 74 años

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Gordon Sumner, conocido mundialmente como Sting, manifestó su intención de mantenerse activo en la industria del entretenimiento de forma indefinida. Durante una entrevista para la cadena CBS, el exintegrante de The Police bromeó sobre su incapacidad para concebir el concepto de vacaciones o descanso prolongado. El músico de 74 años aseguró que no ha desarrollado la habilidad de permanecer inactivo mientras cuente con las condiciones físicas para trabajar.

El artista británico se encuentra actualmente promocionando la gira 2026 de su obra de teatro musical titulada The Last Ship. En esta producción, el cantante asume el papel de Jackie White, un capataz de astilleros que refleja parte de la historia personal del autor. La trama se sustenta en las experiencias de infancia de Sting en Wallsend, Inglaterra, donde creció rodeado de la industria de la construcción naval.

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El legado de The Police y la transición de Sting hacia el teatro musical

Sting reflexionó sobre su transición del género pop hacia la narrativa teatral, enfatizando que no siente remordimientos por este cambio en su trayectoria. El intérprete de Roxanne señaló que su etapa como estrella juvenil respondió a un momento específico de su vida y apariencia física. Sin embargo, puntualizó que su identidad creativa actual se ha expandido para evitar quedar definido únicamente por sus éxitos de la década de los años 80.

El compositor destacó que su carrera musical es solo una parte de su existencia y busca explorar nuevas formas de expresión artística a sus siete décadas de edad. La obra The Last Ship cuenta con música y letras de su autoría, integrando elementos de su herencia cultural británica. El proyecto busca dignificar el oficio de los trabajadores de los astilleros mediante una estructura sonora que combina el drama con arreglos instrumentales complejos.

La colaboración con Shaggy y el estreno en el Metropolitan Opera House

La producción de 2026 incluye la participación especial del músico de reggae Shaggy, quien interpreta el papel de Ferryman. Sting elogió la capacidad actoral de su colaborador, con quien ha trabajado previamente en proyectos discográficos como el álbum 44/876. Por su parte, Shaggy reconoció que el liderazgo del músico británico fue fundamental para aceptar el reto de participar en una puesta en escena de esta magnitud.

El estreno de The Last Ship se llevará a cabo en el Metropolitan Opera House de la ciudad de Nueva York el próximo 9 de junio. Esta serie de presentaciones marca uno de los hitos más relevantes para el ensamble creativo liderado por el ganador del Grammy. La vigencia de Sting en los escenarios internacionales refuerza su estatus como una de las figuras más disciplinadas y prolíficas de la música contemporánea anglosajona.

Paul McCartney revela colaboración con Ringo Starr y estrellas del rock británico

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El músico británico Paul McCartney reveló los detalles de su primera colaboración vocal formal con Ringo Starr, titulada Home to Us. Esta pieza formará parte de su próximo material de estudio, The Boys of Dungeon Lane, cuyo lanzamiento está programado para el 29 de mayo. McCartney compartió la primicia durante una sesión de escucha exclusiva para seguidores realizada en los emblemáticos estudios Abbey Road en Londres. 

La canción representa un hito histórico, ya que es la primera vez que ambos exintegrantes de The Beatles intercambian líneas vocales de forma alternada en un dueto. Además de su aportación en la voz, Ringo Starr se encargó de la batería, siendo el único músico invitado en ese instrumento dentro de todo el álbum. La producción del tema estuvo a cargo de Andrew Watt, quien ha colaborado estrechamente con McCartney en sus proyectos más recientes. 

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Una narrativa sobre sus raíces y humildes comienzos en Liverpool 

McCartney explicó que compuso Home to Us con la historia personal de Starr en mente, centrándose en el concepto de superación desde la escasez. La letra hace referencia directa a The Dingle, el barrio de Liverpool donde creció el baterista y las dificultades que enfrentó durante su juventud. Para el compositor, era fundamental capturar la esencia de aquel entorno que, a pesar de ser complejo, ambos consideran su hogar de origen. 

El proceso creativo inició cuando Starr grabó una pista de batería básica que McCartney utilizó para estructurar la melodía y la armonía. Originalmente, el baterista solo grabó unas líneas para el coro, pero tras una llamada de McCartney, ambos decidieron repartirse la letra completa. El resultado final es una conversación melódica que resalta la química profesional que los músicos han mantenido por más de seis décadas en la industria. 

Colaboradores de lujo: Chrissie Hynde y Sharleen Spiteri 

Para enriquecer la textura sonora del tema, McCartney invitó a dos figuras destacadas del rock y el pop alternativo para realizar los coros. Chrissie Hynde, líder de The Pretenders, y Sharleen Spiteri, vocalista de la banda Texas, aceptaron participar tras ser contactadas personalmente por el músico. El autor buscaba un contraste de voces femeninas que aportaran una atmósfera cálida a la narrativa sobre la nostalgia y la pertenencia. 

The Boys of Dungeon Lane estará disponible en formatos físicos de disco compacto y vinilo, así como en todas las plataformas digitales de reproducción. Este lanzamiento consolida el legado de McCartney como un artista prolífico que continúa explorando nuevas fronteras creativas en su séptima década de trayectoria. Los seguidores de la música de los años 80 y 90 encontrarán en esta colaboración un puente sonoro entre el rock clásico y la producción contemporánea. 

El camino de Billy Idol: ¿Por qué merece estar en el Salón de la Fama?

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Billy Idol, figura central de la generación de MTV y pionero del punk rock comercial, consolidó su candidatura al Salón de la Fama del Rock & Roll tras décadas de trayectoria. El artista británico inició su carrera en la escena punk de Londres con la banda Generation X antes de trasladarse a Nueva York para buscar el éxito masivo. Su estilo fusionó la actitud rebelde del género con ganchos melódicos del pop y elementos de la música electrónica. 

La carrera solista de Idol despegó definitivamente con su álbum debut homónimo en 1982 y la explosión mediática de Rebel Yell en 1983. Durante esta etapa, su colaboración con el guitarrista Steve Stevens definió el sonido de una era marcada por la estética visual de los videos musicales en alta rotación. La industria musical y diversos críticos especializados han resaltado su papel como puente entre la subcultura y el éxito global. 

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El legado de Generation X y la explosión solista en MTV 

El proceso de inducción al Salón de la Fama requiere que hayan transcurrido al menos 25 años desde el primer lanzamiento comercial del artista nominado. Billy Idol cumplió este requisito técnico en 2006, aunque su primera nominación oficial llegó años después, generando debates sobre su impacto cultural duradero. El músico ha mantenido una actividad constante en los escenarios internacionales y una base de seguidores leales durante los últimos cuarenta años. 

En enero de 2023, Idol recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, un reconocimiento que precedió su entrada a las boletas de votación de la institución en Cleveland. Este tipo de distinciones institucionales suelen funcionar como catalizadores para el ingreso definitivo a la organización que preserva la historia del rock. La influencia de su imagen y sonido permanece vigente en las nuevas generaciones de artistas de rock alternativo y pop contemporáneo. 

Nominaciones y reconocimientos en la industria del rock internacional 

La discografía de Idol incluye himnos generacionales como Dancing with Myself, White Wedding y Eyes Without a Face. Estas composiciones permitieron que el rock mantuviera su relevancia en las listas de popularidad frente al auge del sintetizador durante la década de los años 80. Su capacidad para reinventarse se reflejó en lanzamientos recientes como los EPs The Roadside y The Cage, producidos bajo estándares sonoros modernos. 

El ingreso al Salón de la Fama del Rock & Roll representa el máximo reconocimiento para un músico en la industria discográfica anglosajona. Para Billy Idol, este camino simboliza la validación de una carrera que desafió las convenciones del punk tradicional para abrazar el espectáculo masivo. El artista continúa realizando giras mundiales, demostrando que su energía escénica permanece intacta ante audiencias de diversas edades y nacionalidades. 

The Eagles extienden su residencia en el Sphere: Nuevas fechas para 2026

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La agrupación The Eagles anunció una nueva serie de fechas para su residencia en el Las Vegas Sphere. El grupo programó seis conciertos adicionales que se llevarán a cabo durante los meses de septiembre y noviembre de 2026. Esta decisión responde a la alta demanda de su espectáculo inmersivo en el recinto tecnológico de Nevada. 

Las presentaciones recientemente confirmadas se realizarán durante tres fines de semana específicos. La primera etapa ocurrirá los días 18 y 19 de septiembre, seguida por funciones el 13 y 14 de noviembre. Finalmente, la banda cerrará este ciclo los días 27 y 28 de noviembre, aprovechando la infraestructura visual avanzada del complejo. 

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El regreso de The Eagles al escenario tecnológico de Las Vegas 

La banda integra estas funciones dentro del marco de su gira de despedida titulada The Long Goodbye. Actualmente, los músicos ejecutan una serie de conciertos en estadios bajo el nombre de Act III en diversas ciudades. La residencia en el Sphere se ha consolidado como un eje fundamental de su actividad en vivo durante la presente década. 

La producción visual de estos eventos fue diseñada específicamente para maximizar las capacidades de la pantalla LED interna del recinto. El repertorio se apoya en los éxitos clásicos de la agrupación con arreglos sonoros optimizados para la acústica del lugar. Los integrantes mantienen la alineación que ha recorrido diversos territorios internacionales en años recientes. 

El cierre definitivo de la trayectoria de la banda en 2026 

Don Henley, miembro fundador de la agrupación, realizó declaraciones sobre el futuro inmediato del proyecto musical. Henley sugirió que la trayectoria de The Eagles probablemente concluirá de forma definitiva hacia finales de 2026. Estas nuevas fechas en Las Vegas se perfilan como parte de los compromisos finales de su retiro de los escenarios. 

Durante el presente mes, el grupo continuará con su itinerario de presentaciones en estadios fuera de la ciudad de Nevada. El enfoque del espectáculo se mantiene en la revisión histórica de su discografía desde la década de los años 70. Las funciones confirmadas para el otoño refuerzan la relevancia de su música en el contexto del rock clásico contemporáneo.