La poderosa protesta de Björk: Retira toda su música de Israel

La icónica artista islandesa Björk se ha convertido en la figura de más alto perfil en unirse a la campaña de boicot musical “No Music for Genocide” (No a la Música para el Genocidio), haciendo que su catálogo completo de música no esté disponible en los servicios de streaming de Israel.

Con esta acción, el catálogo de la cantante ahora se encuentra geo-bloqueado en el país. Björk se suma así a un creciente movimiento de artistas que han tomado la misma medida, incluyendo a Massive Attack, Hayley Williams de Paramore, Japanese Breakfast y Fontaines D.C., entre cientos de otros músicos.

La iniciativa, según su sitio web oficial, es una respuesta a la situación en Gaza, Cisjordania y a las políticas de apartheid dentro de Israel, así como a los “propios lazos de la industria musical con las armas y los crímenes contra la humanidad”.

Una Postura Coherente con su Activismo Pasado

Aunque Björk no ha emitido una declaración formal sobre su participación en el boicot, su postura no es una sorpresa. La artista ha mostrado su apoyo a Palestina en el pasado. En noviembre de 2023, publicó en Instagram unos mapas que mostraban los cambios territoriales a lo largo de los años.

La cantante también ha sido históricamente crítica con el modelo de negocio de las plataformas de streaming. En una ocasión, calificó a Spotify como “probablemente lo peor que le ha pasado a los músicos”, una declaración que añade una capa adicional de coherencia a su decisión de utilizar estas mismas plataformas como herramienta de protesta.

Un Movimiento Creciente en la Industria

La adhesión de una artista del calibre y la influencia de Björk le da una visibilidad sin precedentes a la campaña “No Music for Genocide”, y podría animar a otros grandes nombres a unirse. La medida recuerda a los boicots culturales que se llevaron a cabo en el pasado contra el apartheid en Sudáfrica, utilizando el poder blando del arte para ejercer presión política.

Este acto de protesta llega en un momento de gran actividad creativa para Björk, quien a principios de este año estrenó su película de concierto, Cornucopia, en cines de todo el mundo. 

Subastan lentes de John Lennon de su “Lost Weekend”

Un par de los icónicos lentes redondos de John Lennon, saldrán a subasta el próximo mes. Los lentes, usados por el ex-Beatle durante su famoso “Fin de Semana Perdido”, se espera que alcancen un precio de hasta $396,000 dólares (más de 7.3 millones de pesos).

Los lentes son uno de los lotes principales de la “Music Memorabilia Live Auction” de la casa de subastas Propstore en Londres. Este par en particular tiene una historia única: son los lentes que Lennon llevaba puestos la noche del 12 de marzo de 1974, cuando tuvo un altercado en el famoso club Troubadour de Los Ángeles con el comediante Tom Smothers.

El “Fin de Semana Perdido”: Una Época de Excesos y Creatividad

El “Lost Weekend” fue un período de 18 meses, entre 1973 y 1975, en el que John Lennon se separó de su esposa, Yoko Ono, y se mudó a Los Ángeles. Esta etapa estuvo marcada por excesos y fiestas con otras estrellas de rock, pero también fue un período de inmensa creatividad en el que grabó tres álbumes.

Las gafas, con sus cristales tintados y su prescripción, se convirtieron en un símbolo de esa era en particular. Son, sin duda, uno de los objetos personales más reconocibles de la memorabilia de Lennon.

Una Subasta de Tesoros del Rock

La subasta de Propstore no solo incluirá este icónico par de gafas. También se pondrán a la venta otros objetos de gran valor para la historia de la música, como guitarras usadas en el escenario, letras manuscritas y artefactos personales de leyendas del rock.

Esta venta ofrece a los coleccionistas una rara oportunidad de poseer no solo un objeto que perteneció a un ícono, sino una pieza que fue testigo de uno de los capítulos más salvajes y fascinantes de la historia del rock and roll. 

‘Don’t Go Breaking My Heart’ de Elton John supera los mil millones de reproducciones

Casi 50 años después de su lanzamiento, el icónico dueto de Elton John y Kiki Dee, “Don’t Go Breaking My Heart”, ha demostrado su inmortalidad al unirse al prestigioso “Club de los Mil Millones” de Spotify. La alegre canción de 1976 ha superado la asombrosa cifra de mil millones de reproducciones en la plataforma de streaming, un hito que reafirma su lugar en el corazón de múltiples generaciones.

El tema, que fue un éxito número 1 en todo el mundo, fue escrito por Elton y su inseparable colaborador, Bernie Taupin, bajo los curiosos seudónimos de “Ann Orson” y “Carte Blanche”. Originalmente, la canción fue concebida como un dueto con la legendaria Dusty Springfield, pero finalmente fue la cantante británica Kiki Dee quien prestó su voz, creando una química perfecta y atemporal.

Un Éxito que no Pertenecía a Ningún Álbum

Curiosamente, “Don’t Go Breaking My Heart” nunca fue incluida en un álbum de estudio original de Elton John, a pesar de haber sido grabada durante las sesiones de su disco de 1976, Blue Moves. Fue lanzada únicamente como sencillo, una estrategia que demostró ser un éxito rotundo.

La canción se convirtió en el primer sencillo número 1 en el Reino Unido tanto para Elton John como para Kiki Dee, donde permaneció en la cima durante seis semanas. En Estados Unidos, fue el sexto número 1 para Elton. El éxito fue tal que en 1976, John y Taupin recibieron el prestigioso premio Ivor Novello a la Mejor Canción Musical y Lírica.

Un Clásico con Múltiples Vidas

A lo largo de los años, “Don’t Go Breaking My Heart” ha sido celebrado y reinventado en numerosas ocasiones.

  • En 1977, Elton John la interpretó en un memorable episodio de ‘The Muppet Show’ junto a Miss Piggy.
  • En 1985, Kiki Dee se unió a Elton en el escenario del histórico concierto Live Aid para una interpretación inolvidable.
  • En 1994, una nueva versión en colaboración con la drag queen RuPaul y producida por el genio del disco, Giorgio Moroder, se convirtió en un éxito en las pistas de baile.

El logro de los mil millones de streams demuestra que, sin importar la década, la alegría contagiosa de este dueto sigue rompiendo corazones (de la mejor manera posible).

Brian May confirma conversaciones para un show de Queen en la Esfera de Las Vegas

La legendaria banda Queen podría ser la próxima en tomar el escenario más avanzado tecnológicamente del mundo. El guitarrista Brian May ha confirmado que la banda está “teniendo conversaciones” sobre una posible residencia en la Esfera de Las Vegas.

En una nueva entrevista con Rolling Stone, May reveló que quedó “impresionado” tras asistir a uno de los conciertos de la residencia de los Eagles en el innovador recinto, lo que le hizo pensar inmediatamente en el potencial para un espectáculo de Queen.

“No Creo que Hayamos Terminado”

La encarnación actual de la banda, Queen + Adam Lambert, con los miembros clásicos May y Roger Taylor junto al carismático vocalista, ha estado de gira con éxito durante más de una década.

En la misma entrevista, el baterista Roger Taylor aseguró a los fans que la banda no tiene planes de retirarse. “No creo que hayamos terminado. Y no creo que vayamos a decir, ya sabes, ‘gira de despedida final’ o lo que sea. 

El significado de ‘Abbey Road’ y su legado en la música

Un 26 de septiembre de 1969, The Beatles lanzaron en el Reino Unido el que sería, para todos los efectos, su gran testamento musical: ‘Abbey Road’. Aunque técnicamente Let It Be se publicaría después, este fue el último álbum que la banda grabó junta, y lo hicieron con la conciencia de que estaban creando su despedida.

En las entrevistas para el proyecto Anthology, Paul McCartney y Ringo Starr confirmaron que, aunque nunca lo dijeron explícitamente, todos sentían que este sería el final. Por ello, decidieron dejar de lado sus amargas diferencias y, en palabras de ellos, “retirarse con la frente en alto”. El resultado es una de las obras más pulidas, innovadoras y emocionalmente resonantes de la historia del pop.

El Brillo Definitivo de George Harrison

Abbey Road es, en muchos sentidos, el álbum donde George Harrison finalmente se consolidó como un compositor a la par de Lennon y McCartney. El disco incluye dos de sus creaciones más inmortales: la majestuosa balada “Something”, que Frank Sinatra llegó a calificar como “la mejor canción de amor de los últimos 50 años” y que se convirtió en su primer sencillo en el lado A; y la radiante y optimista “Here Comes The Sun”, una oda a la esperanza escrita en el jardín de su amigo Eric Clapton.

La Obra Maestra del Lado B: Un Collage Sónico

Si el lado A del álbum es una colección de rock y pop perfecto, el lado B es una de las proezas más audaces de la historia de la grabación. Se trata de un largo medley de ocho canciones cortas e interconectadas, una idea impulsada por Paul McCartney y el productor George Martin que funciona como una sinfonía pop.

Este collage sónico, que va de “You Never Give Me Your Money” a la majestuosa tríada final de “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” y “The End”, es un cierre épico no solo para un álbum, sino para la carrera de la banda más importante de todos los tiempos. La frase final, cantada por McCartney, es la despedida perfecta: “Y al final, el amor que tomas es igual al amor que haces”.

El Cruce Peatonal Más Famoso del Mundo

Por supuesto, es imposible hablar de Abbey Road sin mencionar su icónica portada. La simple imagen de los cuatro Beatles cruzando la calle frente a los estudios de EMI se ha convertido en una de las fotografías más famosas y parodiadas de la historia, transformando un simple cruce peatonal en un lugar de peregrinación para fans de todo el mundo. 

Bad’ de Michael Jackson: El primer álbum con cinco sencillos número uno

Un día como hoy, 26 de septiembre, pero de 1987, Michael Jackson comenzó un dominio de seis semanas en la cima de las listas de álbumes de Estados Unidos con ‘Bad’. El lanzamiento no era solo un disco más; era la respuesta a la pregunta más grande de la música pop en ese momento: ¿cómo se puede superar el fenómeno cultural de Thriller?

Lanzado casi cinco años después de su predecesor, Bad llegó con una presión monumental. Thriller no solo había sido un éxito, había redefinido la industria. En lugar de intentar replicar la fórmula, Jackson optó por una evolución audaz, presentando una imagen más dura, callejera y desafiante, y un sonido que consolidó su estatus como el indiscutible “Rey del Pop”.

Una Nueva Imagen y la Revolución del Videoclip (Otra Vez)

La era Bad fue una declaración visual tan potente como la musical. Atrás quedaba el joven de la chaqueta roja de “Thriller”; en su lugar, teníamos a un artista vestido de cuero y hebillas. Para el video de la canción principal, Jackson reclutó nada menos que al legendario director Martin Scorsese para crear un cortometraje de 18 minutos, elevando una vez más el video musical a una forma de arte cinematográfico.

Esta nueva estética, más agresiva y confrontacional, se convirtió en un pilar de la cultura pop de finales de los 80.

El Álbum de los Cinco Números Uno

El éxito comercial de Bad fue, sencillamente, abrumador. Se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, con ventas estimadas entre 30 y 45 millones de copias en todo el mundo.

Pero su logro más impresionante fue en las listas de sencillos. Bad se convirtió en el primer álbum en la historia en producir cinco sencillos número 1 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos:

  1. “I Just Can’t Stop Loving You”
  2. “Bad”
  3. “The Way You Make Me Feel”
  4. “Man in the Mirror”
  5. “Dirty Diana”

Este récord demostró la increíble profundidad y calidad del álbum, y cimentó un hito que pocos artistas han podido igualar desde entonces.

El Legado de un Rey Indiscutible

Aunque la sombra de Thriller era gigantesca, Bad demostró que el talento de Michael Jackson no era un golpe de suerte. Fue la confirmación de que era la fuerza creativa más dominante de su generación, un artista capaz de evolucionar, de romper sus propios récords y de seguir dictando el ritmo de la cultura global. 

Roxy Music lanzará cinco álbumes más en formato SHM-CD

La legendaria banda de art-rock Roxy Music ha anunciado la segunda fase de su campaña de reediciones en formato de alta fidelidad. Cinco álbumes más de su aclamado catálogo serán lanzados por primera vez en SHM-CD (Super High Material CD) el próximo 14 de noviembre.

Esta nueva tanda se centra en la segunda etapa de la banda, abarcando su transición del glam rock a la sofisticación del pop de los 80. Los álbumes que recibirán este tratamiento de lujo son:

  • ‘Viva! Roxy Music’ (1976)
  • ‘Manifesto’ (1979)
  • ‘Flesh + Blood’ (1980)
  • ‘Avalon’ (1982)
  • ‘Heart Still Beating’ (1990)

Estos lanzamientos se unen a sus primeros cinco discos, que ya fueron reeditados en este formato, completando así una colección definitiva para los audiófilos.

¿Qué es el SHM-CD? El Formato para los Más Exigentes

El formato SHM-CD, cada vez más popular entre los artistas de legado, ofrece una calidad de sonido superior. A diferencia de los CDs normales, están hechos de un material de mayor pureza, desarrollado para las pantallas LCD, lo que permite que los datos se graben con una precisión microscópica mayor. El resultado, según los expertos, es un sonido más limpio, brillante y completo. Fabricados en Japón en lotes pequeños, son un verdadero artículo de colección.

Del Glam a la Elegancia de los 80

Esta segunda tanda de reediciones documenta una de las evoluciones más fascinantes de la historia del pop. Si los primeros álbumes de Roxy Music eran una explosión de art-rock y glamour, discos como ‘Manifesto’ y, sobre todo, la obra maestra ‘Avalon’, los consolidaron como los arquitectos de un pop sofisticado, elegante y melancólico que definiría la estética sonora de los años 80.

La influencia de Avalon en particular es inmensa, y esta reedición promete ofrecer la versión con el sonido más puro de un álbum que ya era perfecto.

Un Empaque de Lujo para Coleccionistas

Al igual que en la primera tanda, cada uno de los SHM-CDs vendrá en un empaque de papel que replica la portada original del LP, incluyendo la clásica tira de papel japonesa “obi-strip”, un detalle muy apreciado por los coleccionistas.

Oasis lanza la versión “unplugged” de ‘Morning Glory’

Oasis ha compartido un nuevo adelanto de la esperada reedición del 30º aniversario de su segundo y monumental álbum, ‘(What’s the Story) Morning Glory?’. Se trata de una versión “unplugged” de la canción que da título al disco, una toma acústica y despojada que ofrece una nueva perspectiva a un clásico del rock.

La reedición completa, que celebra el icónico álbum de 1995, se lanzará el próximo viernes 3 de octubre. Incluirá un disco adicional con cinco canciones en formato acústico, producidas y mezcladas por el propio Noel Gallagher. Previamente, la banda ya había adelantado la versión “unplugged” de “Acquiesce”.

Ahora, con “Morning Glory”, los fans pueden disfrutar de la crudeza y la melodía de una de sus canciones más enérgicas, en un formato que resalta la calidad de la composición. Las otras canciones que recibirán este tratamiento son “Cast No Shadow”, “Wonderwall” y “Champagne Supernova”.

Una Gira de Reunión para la Historia

El lanzamiento de esta reedición se enmarca en la masiva y exitosa gira de reunión de la banda, “Live ’25”. Después de concluir su etapa norteamericana con dos apoteósicos conciertos en la Ciudad de México a principios de este mes, la banda regresará a Londres este fin de semana para dos shows más en el estadio de Wembley.

La gira ha sido un fenómeno cultural, atrayendo no solo a millones de fans, sino también a celebridades como Paul McCartney, Billie Eilish y Dave Grohl, quienes han sido vistos disfrutando de sus conciertos en Los Ángeles.

Del Escenario al Estudio, Celebrando un Legado

Las versiones originales de estas canciones “unplugged” han sido una parte fundamental del setlist de la gira “Live ’25”. Ahora, los fans podrán disfrutar de estas reinterpretaciones en formato de estudio, ofreciendo una nueva forma de conectar con un álbum que definió a una generación.

Como parte de la celebración de la gira, la banda también ha estado lanzando grabaciones oficiales en vivo de diferentes ciudades, manteniendo a los fans constantemente enganchados. Con esta reedición y una gira que sigue rompiendo récords, 2025 se ha consolidado como el año del gran regreso de Oasis.

Nace la hija de Rihanna

La superestrella mundial Rihanna y el rapero A$AP Rocky le han dado la bienvenida a su primera hija. La cantante anunció la feliz noticia a través de su cuenta de Instagram, compartiendo una tierna fotografía de ella y la recién nacida vistiendo atuendos rosas a juego.

En la publicación, la artista también reveló el nombre y la fecha de nacimiento de la bebé: “Rocki Irish Mayers, 13 de septiembre de 2025”, escribió, acompañando el texto con un emoji de un lazo rosa.

La pequeña Rocki es la tercera hija de la poderosa pareja, uniéndose a sus hermanos mayores, RZA, de tres años, y Riot, de dos. Con su llegada, el deseo del rapero de tener una niña finalmente se ha cumplido.

Un Anuncio Fiel a su Estilo

Rihanna reveló su tercer embarazo de la manera más espectacular posible: en la alfombra roja de la Met Gala el pasado mes de mayo, consolidando su estatus como un ícono de la moda y la maternidad.

La llegada de Rocki marca un nuevo y emocionante capítulo para una de las familias más influyentes de la cultura pop, una pareja que ha sabido equilibrar sus exitosas carreras en la música y los negocios con una vida familiar que, aunque privada, comparten con sus fans en los momentos más especiales.

Subastan la guitarra que Liam Gallagher destruyó en la separación de Oasis

El instrumento que simboliza el violento final de Oasis, la guitarra que Liam Gallagher destruyó en una pelea con su hermano Noel la noche en que la banda se separó, saldrá a subasta. La Gibson ES-355 de 1960, propiedad de Noel, se espera que alcance una cifra de hasta 500,000 libras (aproximadamente 11.2 millones de pesos).

La guitarra, rota en pedazos durante la infame pelea entre los hermanos en el backstage de su último concierto en París en 2009, es una pieza tangible de la historia del rock and roll. Su venta es parte de la “Music Memorabilia Auction” de la casa de subastas Propstore, que se llevará a cabo en Londres los días 23 y 24 de octubre.

Pero esa no es la única joya de Oasis que estará disponible. La guitarra acústica Takamine con la que Noel Gallagher grabó el himno generacional “Wonderwall” también saldrá a la venta, con un precio estimado de hasta 400,000 libras (unos 9 millones de pesos).

Un Evento Cronometrado con la Gira de Reunión

La subasta, que incluirá más de 100 objetos de Oasis, ha sido programada para coincidir con la histórica gira de reunión “Live ’25”, ofreciendo a los fans una oportunidad única de poseer un pedazo de la leyenda en un momento de máxima euforia.

“La subasta de Oasis es un punto culminante, perfectamente sincronizada con el regreso de la banda al escenario”, comentó Mark Hochman, especialista de Propstore. “Ofrece a los fans una oportunidad única en la vida de poseer una pieza tangible de su perdurable historia”.

Tesoros de Lennon y Otras Leyendas

Para demostrar la magnitud del evento, la subasta también incluirá otros objetos de valor incalculable. Entre ellos, un par de gafas de John Lennon, usadas durante su famoso “fin de semana perdido” en los años 70, que se espera alcancen hasta 300,000 libras (casi 6.8 millones de pesos). También habrá artículos de Michael Jackson, Elvis Presley y David Bowie.

El segundo día de la subasta, el 24 de octubre, será una celebración en línea dedicada exclusivamente a Oasis, consolidando la importancia de la banda en el panteón de los grandes del rock.