Michael Jackson, primer artista con éxitos Top 10 en seis décadas

Michael Jackson ha establecido un nuevo récord de longevidad en la industria musical, convirtiéndose en el primer artista en la historia en colocar canciones en el Top 10 de la lista Billboard Hot 100 en seis décadas distintas. El logro fue consolidado gracias a su icónico tema “Thriller“, que resurgió en las listas de popularidad hasta alcanzar la décima posición en el conteo con fecha del 15 de noviembre.

El Rey del Pop, fallecido en 2009, ahora cuenta con éxitos en el Top 10 durante las décadas de 1970, 1980, 1990, 2000, 2010 y 2020. Con este hito, Jackson supera el récord que anteriormente ostentaba el cantante Andy Williams, quien había logrado esta hazaña en cinco décadas.

El regreso de “Thriller” a los primeros puestos fue impulsado principalmente por la temporada de Halloween. Durante la semana de seguimiento, del 31 de octubre al 6 de noviembre, la canción acumuló 14 millones de reproducciones oficiales en plataformas de streaming y alcanzó una audiencia de 9.3 millones en la radio, mientras que registró 3,000 descargas vendidas en Estados Unidos, según datos de Luminate.

Un Legado de Éxitos Ininterrumpido

La carrera de Michael Jackson en el Top 10 de Billboard como solista comenzó en noviembre de 1971 con su sencillo debut, “Got To Be There”. Desde entonces, ha acumulado un total de 30 canciones en el Top 10, incluyendo 13 números uno. Antes de este nuevo logro con “Thriller”, su última aparición en esta prestigiosa sección de la lista fue en 2018 como artista invitado en la canción “Don’t Matter to Me” del rapero Drake.

Es importante destacar que, si se considera su trabajo con The Jackson 5, su presencia en la cima de las listas se extiende incluso a una séptima década. El grupo, con un Michael Jackson de apenas 11 años, entró por primera vez al Top 10 en la última semana de 1969 con su éxito “I Want You Back”.

El Dominio de Michael Jackson Década por Década

Para dimensionar la magnitud de su carrera, a continuación se presentan algunos de sus éxitos más representativos que alcanzaron el Top 10 en cada una de las seis décadas:

  • Década de 1970: “Got To Be There”, “Rockin’ Robin”, “Ben”, “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, “Rock with You”.
  • Década de 1980: “Billie Jean”, “Beat It”, “Thriller”, “Bad”, “Man in the Mirror”.
  • Década de 1990: “Black or White”, “Remember the Time”, “In the Closet”, “You Are Not Alone”.
  • Década de 2000: “You Rock My World”.
  • Década de 2010: “Love Never Felt So Good” (con Justin Timberlake), “Don’t Matter to Me” (con Drake).
  • Década de 2020: “Thriller” (reingreso en 2025).

Además, “Thriller” también ha establecido otro récord para el artista, convirtiéndose en su canción con más semanas en la lista Hot 100, acumulando un total de 26 semanas. Con esto, supera a los clásicos “Billie Jean” y “Beat It”, ambos con 25 semanas de permanencia. El logro subraya la atemporalidad de su música y su capacidad para conectar con nuevas generaciones de oyentes. 

Causa de Muerte de Ace Frehley (KISS): Revelan Informe Oficial

El Médico Forense del Condado de Morris, en Nueva Jersey, ha publicado el informe oficial sobre la causa de muerte de Ace Frehley el legendario guitarrista y miembro fundador de KISS. El informe confirma que el icónico músico falleció a los 74 años el pasado 16 de octubre debido a lesiones por traumatismo contundente en la cabeza, producto de una caída accidental en su domicilio.

Según los detalles del reporte, obtenidos por el medio TMZ, el fallecimiento del guitarrista ha sido clasificado oficialmente como un accidente. La caída le provocó a Frehley una fractura de cráneo, un hematoma subdural (hemorragia cerebral) y, consecuentemente, un derrame cerebral. Tras el incidente, el músico fue puesto en soporte vital, pero no logró recuperarse.

La noticia de su deceso el mes pasado conmocionó al mundo de la música, generando una ola de tributos por parte de sus compañeros fundadores de KISS, Gene Simmons, Paul Stanley y Peter Criss, así como de decenas de músicos y millones de seguidores en todo el mundo que lamentaron la pérdida de uno de los guitarristas más influyentes del rock.

El Legado Inmortal de “The Spaceman”

Paul Daniel “Ace” Frehley no solo fue el guitarrista principal de KISS en su época dorada, sino también el arquitecto de un sonido que definió a la banda. Con su personaje “The Spaceman”, se convirtió en un ícono visual y sonoro. Su estilo de tocar, caracterizado por riffs potentes y solos melódicos y vibrantes, inspiró a incontables guitarristas, desde Dimebag Darrell de Pantera hasta Tom Morello de Rage Against the Machine.

Frehley fue el autor de algunos de los temas más emblemáticos de la banda, como “Cold Gin” y “Shock Me”, esta última inspirada en un incidente real en el que se electrocutó en el escenario. Su solo de guitarra en “Shock Me”, con la guitarra humeante, se convirtió en uno de los momentos más esperados de los espectaculares conciertos de KISS durante los años 70. Su álbum en solitario de 1978, lanzado simultáneamente con los de los otros miembros de la banda, fue el más exitoso de los cuatro, gracias en gran parte al éxito del sencillo “New York Groove”.

El Último Adiós y Homenajes Futuros

Una semana después de su fallecimiento, se llevó a cabo un servicio conmemorativo privado en Yonkers, al que asistieron los miembros fundadores sobrevivientes de KISS, seguido de un funeral en El Bronx. Estos eventos íntimos permitieron a sus seres queridos y compañeros de banda despedirse del músico.

El legado de Frehley continuará siendo celebrado. Se espera que la alineación más reciente de KISS, compuesta por Simmons, Stanley, Tommy Thayer y Eric Singer, rinda un homenaje especial al guitarrista durante el evento “KISS Kruise: Landlocked in Vegas”, una celebración de tres días que tendrá lugar este próximo fin de semana.

La muerte de Ace Frehley cierra un capítulo fundamental en la historia del rock. Su sonido, su imagen y su actitud rebelde no solo ayudaron a catapultar a KISS al estrellato mundial, sino que también dejaron una marca indeleble en el ADN de la música rock, asegurando que su influencia perdure por generaciones. 

The Eagles anuncia cierre de residencia en la Sphere

La legendaria banda de rock The Eagles ha anunciado la que será la última extensión de su exitosa residencia en la Sphere de Las Vegas, añadiendo cuatro fechas finales para marzo de 2026. Estos conciertos marcarán el cierre definitivo de su paso por el innovador recinto, como parte de su gira de despedida “The Long Goodbye”.

Las nuevas y últimas fechas programadas son el 20, 21, 27 y 28 de marzo de 2026. Con este anuncio, la banda ofrece una oportunidad final para que sus seguidores puedan presenciar su espectáculo en un formato completamente inmersivo y tecnológicamente avanzado. Estos conciertos se suman a los ya programados para enero y febrero del mismo año.

The Eagles, una de las bandas más influyentes en la historia del rock, continúa su gira de despedida con una alineación que incluye a los miembros históricos Don Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit, acompañados por Vince Gill y Deacon Frey, hijo del fallecido cofundador Glenn Frey, en un emotivo homenaje al legado de su padre.

Una Experiencia Tecnológica Inmersiva

La residencia de The Eagles en la Sphere no es un concierto tradicional. El recinto, famoso por su tecnología de punta, cuenta con una pantalla LED interior de 15,000 metros cuadrados que envuelve al público y un sistema de audio avanzado que permite crear una experiencia sonora y visual única. Este formato ha sido aclamado por la crítica y permite a la audiencia sumergirse en la música de la banda de una manera nunca antes vista, proyectando visuales espectaculares que acompañan sus grandes éxitos.

Los precios de los boletos inician en $175 dólares. De acuerdo con la cotización del día (10 de noviembre de 2025), que sitúa el tipo de cambio en aproximadamente 3,216 pesos mexicanos. La organización ha especificado que estos precios son “all-in”, lo que significa que ya incluyen impuestos y cargos por servicio.

Además, estarán disponibles paquetes VIP de edición limitada que ofrecen asientos premium, mercancía exclusiva, estacionamiento y otras amenidades para mejorar la experiencia del concierto.

El Largo Adiós de una Leyenda

La gira “The Long Goodbye” fue concebida como el capítulo final en la ilustre carrera de The Eagles, que abarca más de cinco décadas. La banda ha expresado su gratitud hacia sus seguidores por la lealtad a lo largo de los años y ha manifestado su deseo de despedirse mientras todavía pueden ofrecer un espectáculo de alta calidad.

Estas últimas fechas en la Sphere de Las Vegas representan no solo el fin de su residencia en la ciudad, sino también uno de los últimos actos de una de las carreras más exitosas y perdurables en la historia de la música. La oportunidad de escuchar en vivo clásicos como “Hotel California”, “Take It Easy” y “Desperado” en un entorno tan espectacular se perfila como un evento histórico para los amantes del rock.

Las mejores canciones de XTC

La influyente banda británica XTC vuelve a ser tema de conversación tras la publicación de un listado que recopila sus 20 mejores canciones. El análisis, realizado por el crítico Tim Peacock, destaca la trayectoria de una agrupación que, a pesar de su inmenso éxito con la crítica y un sonido inconfundible, optó por abandonar los escenarios en la cima de su popularidad para convertirse en una entidad puramente de estudio.

Con una carrera de casi 30 años, XTC dejó uno de los legados más sólidos e imitados del rock británico. Liderada por las dos plumas creativas de Andy Partridge (guitarra) y Colin Moulding (bajo), la banda surgió en la transición del punk al new wave, consolidando su propuesta con álbumes clave como Drums and Wires (1979) y Black Sea (1980).

El éxito masivo parecía inminente con el lanzamiento de English Settlement en 1982, que incluía el sencillo “Senses Working Overtime”. Sin embargo, fue durante esa gira que un episodio de pánico escénico agudo sufrido por Andy Partridge llevó a una decisión radical: la banda dejó de hacer giras permanentemente, un movimiento casi impensable para la industria de la época.

El Sonido de Swindon: Orgullo e Inspiración

Lejos de ser un obstáculo, su ciudad natal, Swindon —un centro industrial más conocido por su conexión con la Gran Western Railway que por su escena cultural—, se convirtió en una fuente constante de inspiración. Colin Moulding capturó la esencia obrera en “The Meeting Place”, donde se escucha el silbato que llamaba a los trabajadores a sus turnos en la fábrica de trenes.

Por su parte, Partridge exploró la vida suburbana en temas como “The Everyday Story Of Smalltown”, una crónica con referencias a elementos quintaesencialmente ingleses como la bebida de carne Oxo y las tensiones políticas entre conservadores y laboristas. El paisaje rural del oeste de Inglaterra también inspiró la portada de English Settlement y la melodía de “Chalkhills And Children”.

La Controversia como Motor Creativo

A lo largo de su carrera, XTC se encontró en repetidas ocasiones con la censura, a pesar de no adoptar una postura abiertamente contestataria como la de los Sex Pistols. Sus letras, cargadas de ingenio y dobles sentidos, generaron conflictos con las instituciones mediáticas.

  • “Statue Of Liberty”: La BBC prohibió la canción por la frase “In my fantasy, I sail beneath her skirt” (“En mi fantasía, navego bajo su falda”), considerándola inapropiada.
  • “Respectable Street”: A pesar de que Partridge grabó una versión editada para la radio, reemplazando palabras como “aborto” por “absorción”, la BBC la vetó por mencionar “centros de entretenimiento Sony”, lo que fue interpretado como patrocinio corporativo.
  • “Dear God”: Esta canción, que cuestiona la existencia de Dios desde la perspectiva de un agnóstico, se convirtió en un éxito inesperado en las radios universitarias de Estados Unidos, impulsando su perfil en Norteamérica a pesar de generar correo de odio hacia Partridge.
  • “Wrapped In Grey”: La decisión de su discográfica, Virgin Records, de retirar este sencillo justo antes de su lanzamiento provocó que la banda se declarara en huelga, negándose a grabar nuevo material hasta ser liberados de su contrato en 1998.

Dos Genios, un Legado

Si bien Andy Partridge fue el compositor principal, la contribución de Colin Moulding fue fundamental para definir el sonido y el éxito de XTC. Moulding fue el autor del primer gran éxito de la banda, “Making Plans For Nigel”, una crítica a los padres autoritarios que deciden el futuro de sus hijos. La canción se posicionó en el Top 20 del Reino Unido en 1979 y abrió las puertas del reconocimiento masivo.

Partridge, por su lado, demostró su habilidad para crear personajes complejos y narrativas provocadoras. En “No Thugs In Our House”, abordó la violencia y el racismo encubiertos en la vida suburbana, mientras que en “The Ballad Of Peter Pumpkinhead” creó una parábola sobre un héroe altruista que es destruido por el sistema. Esta última canción alcanzó una nueva popularidad cuando fue versionada por Crash Test Dummies para la banda sonora de la película Dumb & Dumber.El legado de XTC, distribuido en 12 álbumes de estudio, sigue resonando por su originalidad, complejidad melódica y letras inteligentes. Su decisión de enfocarse en el estudio les permitió experimentar sin límites, explorando desde texturas acústicas en “Ladybird” hasta atmósferas oníricas con el uso del Mellotron en “Seagulls Screaming Kiss Her, Kiss Her”, consolidando su estatus como verdaderos “capitanes de la industria” musical de Swindon.

El tráiler de “Michael” es el más visto de la historia

El primer tráiler del esperado biopic sobre Michael Jackson, “Michael”, ha destrozado récords, convirtiéndose en el avance de una película biográfica musical más visto de la historia en sus primeras 24 horas. La enorme expectación demuestra que el apetito del público por la historia del “Rey del Pop” es más grande que nunca.

Según un reporte de The Hollywood Reporter y estadísticas de la firma WaveMetrix, el tráiler acumuló más de 116.2 millones de vistas a nivel global en su primer día. Esta cifra no solo supera a cualquier otro biopic musical, sino que también lo convierte en el tráiler más visto en la historia del estudio Lionsgate.

La película, que se estrenará el 24 de abril de 2026, está protagonizada por el sobrino del cantante, Jaafar Jackson, en el papel principal, y cuenta con un elenco estelar que incluye al nominado al Oscar Colman Domingo como el patriarca Joe Jackson y a Miles Teller como el abogado John Branca.

Éxito Masivo en Medio de una Intensa Controversia

El récord del tráiler subraya el doble filo que acompaña al proyecto: un inmenso interés global y una intensa controversia sobre cómo se abordará el complejo legado del artista. La película ha sido criticada por Dan Reed, el director del documental Leaving Neverland, quien acusa al proyecto de “glorificar a un hombre que abusó de niños”. Reed afirmó haber leído un borrador del guion que desacreditaba a las presuntas víctimas.

Frente a estas críticas, el actor Colman Domingo ha defendido la película, afirmando que explorará al “ser humano complejo” detrás de la estrella y que “todos tienen una historia que contar”.

El proyecto, producido con la participación del patrimonio de Michael Jackson, también ha enfrentado rumores sobre posibles reescrituras para evitar temas controvertidos y la especulación de que podría dividirse en dos partes debido a la gran cantidad de material.

El tráiler se enfoca en celebrar el genio artístico de Michael Jackson, mostrando su icónico “moonwalk” y la creación de “Thriller”. Sin embargo, el debate sobre si la película será un homenaje honesto o una hagiografía autorizada sigue más vivo que nunca, asegurando que “Michael” será uno de los eventos cinematográficos más discutidos de los últimos años.

Mike Joyce de The Smiths no ha hablado con Morrissey en 33 años

Mike Joyce, el baterista de la legendaria banda The Smiths, ha revelado que no ha mantenido una conversación propiamente dicha con su ex-compañero, el enigmático vocalista Morrissey, en 33 años. La última vez que hablaron fue en un encuentro casual en 1992, cinco años después de la amarga separación de la banda.

La revelación se produjo en una nueva entrevista con el periódico The Guardian, en el marco de la promoción de su nuevo libro de memorias, “The Drums”. En la conversación, Joyce reflexionó sobre su compleja relación con el cantante y el infame juicio que dividió a la banda para siempre.

“Simplemente Acepté que Éramos Personas Muy Diferentes”

A pesar del distanciamiento y de las controvertidas opiniones políticas que Morrissey ha expresado en los últimos años, Joyce se negó a condenar a su ex-compañero. “Por lo que he podido deducir, ciertamente tiene una política muy diferente a la mía,” dijo Joyce. “Pero esa es su opinión. Simplemente parece estar muy enojado por muchas cosas.”

El baterista reconoció la dificultad que algunos fans tienen para separar al artista de su arte, pero adoptó una postura pragmática. “No quiero que suene como si no me gustara Morrissey. Era jodidamente genial. Un tipo muy divertido, con un humor mordaz,” recordó. “Pero era una relación muy inusual. Había una distancia. Simplemente acepté que éramos personas muy diferentes.”

La Demanda que Rompió la Banda para Siempre

Gran parte de esa distancia se originó en una disputa financiera. Solo Morrissey y el guitarrista Johnny Marr firmaron el contrato original de la banda, lo que significaba que Joyce y el bajista Andy Rourke no recibirían regalías a perpetuidad. Esto los llevó a presentar una demanda conjunta.

“Creo que sonaba como The Smiths por nosotros cuatro,” argumentó Joyce sobre su decisión de ir a juicio. “Solo quería lo que creía que se me debía y lo que era justo.” Rourke llegó a un acuerdo extrajudicial, pero Joyce continuó con el caso hasta 1996, ganando finalmente un millón de libras (aproximadamente 22 millones de pesos).

La batalla legal también causó un distanciamiento con Johnny Marr, con quien no volvió a hablar hasta el funeral del bajista Andy Rourke en 2023. “Fue bueno verlo. Porque no se trataba de casos judiciales o de quién hizo qué. Se trataba de Andy,” comentó sobre su reconciliación.

Joyce, quien admite que el juicio lo excluyó de cualquier posible reunión de la banda, se mantiene como el guardián de un ritmo que, junto a sus tres compañeros, definió el sonido de una generación.

Elton John interpreta “God Only Knows” en tributo a Brian Wilson

En uno de los momentos más emotivos de la noche, Sir Elton John rindió un sentido homenaje al fallecido genio de The Beach Boys, Brian Wilson, durante la ceremonia de inducción del Salón de la Fama del Rock and Roll de 2025. Elton interpretó una conmovedora versión de la obra maestra de Wilson, “God Only Knows”.

Antes de su actuación, John compartió una anécdota personal sobre su primer encuentro con el legendario músico, revelando la profunda admiración que siempre sintió por él.

“En 1970, cuando vine por primera vez a Los Ángeles, Danny Hutton de Three Dog Night nos llevó a mí y a Bernie Taupin a conocer a Brian Wilson, y yo estaba muerto de miedo,” recordó Elton. “Porque él era mi ídolo, mi mayor influencia a la hora de escribir canciones en el piano.”

Aunque para la interpretación no se sentó al piano, la voz de Elton John llenó el recinto, acompañado por una banda de lujo que incluía al aclamado productor Don Was en el contrabajo y al legendario baterista Kenny Aronoff.

Un Tributo a un “Gigante” de la Música

Brian Wilson, el cerebro creativo detrás del revolucionario álbum “Pet Sounds” y de los mayores éxitos de The Beach Boys, falleció el 11 de junio de 2025, a la edad de 82 años. Fue inducido al Salón de la Fama como miembro de la banda en 1988.

Este tributo no es la primera vez que Elton John expresa su devoción por Wilson. Tras su fallecimiento, John escribió en sus redes sociales: “Él fue la mayor influencia en mi composición; fue un genio musical y un revolucionario. Cambió los parámetros a la hora de escribir canciones y dio forma a la música para siempre. Un verdadero gigante.”*

La amistad entre ambos músicos fue profunda. Wilson cantó “Someone Saved My Life Tonight” en un concierto tributo a Elton en 2003, un momento que John describió como “extraordinario”. A su vez, Elton tocó en los álbumes en solitario de Wilson, y Brian cantó en el álbum de Elton, The Union.

La interpretación de “God Only Knows”, considerada por muchos como una de las canciones más hermosas jamás escritas, fue el cierre perfecto para honrar a un artista cuya complejidad y genialidad melódica abrieron el camino para que músicos como Elton John pudieran soñar en grande.

Cyndi Lauper ingresa al Salón de la Fama con un show estelar

En una noche cargada de emoción y música, la icónica Cyndi Lauper fue finalmente inducida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. La ceremonia no solo celebró su revolucionaria carrera, sino que también sirvió como un poderoso encuentro de generaciones, con la estrella emergente Chappell Roan a cargo del discurso de inducción y un escenario repleto de invitadas especiales.

Chappell Roan, quien ha citado a Lauper como una de sus mayores influencias, ofreció un emotivo discurso en el que elogió a la pionera de los 80 por ser una artista que mostró “el coraje que no solo crea arte increíble, sino que le da a todos los que lo experimentan el permiso de ser ellos mismos”.

Roan también compartió una anécdota personal: “A los 14 años, interpreté ‘True Colors’ en un concurso de talentos en mi pueblo… fue la primera vez que gané una competencia de canto.”

Una Actuación para la Historia

Fiel a su estilo, Lauper ofreció una actuación memorable que comenzó, precisamente, con una poderosa interpretación de “True Colors”. Acompañada por Gina Schock de The Go-Go’s en la batería, la cantante pidió al público que encendiera las luces de sus teléfonos, declarando: “Somos una comunidad de luz. No lo olviden, en caso de que todo se ponga muy oscuro.”

El escenario se llenó de estrellas para celebrar su legado. La cantante RAYE se unió a ella para un dueto en “Time After Time”, y luego Avril Lavigne apareció para una explosiva versión de “Girls Just Wanna Have Fun”. En un momento que resonó con fuerza, Lauper cambió la letra del estribillo final a “las chicas quieren tener derechos fundamentales”, recibiendo una ovación de pie.

“Mis Hombros son lo Suficientemente Anchos”

En su propio discurso de aceptación, una conmovida Cyndi Lauper agradeció a todos los que la ayudaron en su camino y reconoció a las mujeres que le abrieron paso. Luego, mirando a Chappell Roan, ofreció una de las frases de la noche: “Sé que me paro sobre los hombros de las mujeres que vinieron antes que yo, y mis hombros son lo suficientemente anchos para que las mujeres que vienen después de mí se paren sobre los míos.”

La inducción de Cyndi Lauper al Salón de la Fama es el reconocimiento definitivo a una artista que, con su música, su estilo y su activismo, redefinió lo que una estrella del pop podía ser, dejando un legado que sigue inspirando a una nueva generación.

Corona Capital: 15 Años definiendo la banda sonora de una generación

Hace 15 años, la Ciudad de México tenía una asignatura pendiente: un festival masivo dedicado exclusivamente al rock, el indie y la música alternativa internacional. En 2010, esa deuda fue saldada con la primera edición del Corona Capital. Hoy, tres lustros después, el festival no es solo un evento en el calendario; es un ritual generacional, un punto de encuentro cultural y uno de los festivales más influyentes del circuito global.

El Nacimiento de un Gigante

La primera edición, en 2010, fue una apuesta audaz. Con un solo día y un cartel encabezado por los legendarios Pixies, el festival se presentó como una alternativa al Vive Latino, enfocándose en el público que anhelaba ver en un mismo lugar a las bandas que dominaban la escena anglosajona. El éxito fue inmediato y sentó las bases para un crecimiento exponencial.

En sus primeros años, el Corona Capital se consolidó como el hogar del indie y el rock alternativo, trayendo por primera vez a México a bandas de culto y a leyendas que parecían inalcanzables. Nombres como Portishead, The Strokes y The Black Keys desfilaron por sus escenarios, consolidando su reputación.

La Era de las Leyendas y la Expansión

El verdadero punto de inflexión llegó cuando el festival expandió su ambición. Creció a dos, y eventualmente a tres días, y comenzó a atraer a los nombres más grandes de la historia del rock. Las presentaciones de The Cure, New Order, Nine Inch Nails y Foo Fighters no fueron solo conciertos; fueron eventos históricos que reunieron a múltiples generaciones de fanáticos.

El Corona Capital se convirtió en el lugar donde los íconos de los 80 y 90 demostraban su vigencia y donde las nuevas leyendas del siglo XXI se consagraban. Pasó de ser un festival de nicho a una cita obligada en el calendario musical internacional.

Más que un Festival, un Destino Turístico

Hoy, el Corona Capital es un fenómeno que trasciende la música. Se ha convertido en un motor turístico que atrae a visitantes de todo el mundo. Datos recientes indican que más del 40% de sus asistentes provienen de otros estados de la República o de otros países, convirtiendo a la Ciudad de México en un destino de peregrinación musical cada noviembre.

Su propuesta ha evolucionado para ofrecer una experiencia integral que incluye una curaduría gastronómica de primer nivel, instalaciones de arte y un compromiso con la sostenibilidad, respondiendo a las demandas de una audiencia global y sofisticada.

Para su 15ª edición, el festival no solo celebra un cartel impresionante, sino su propio legado. Se ha transformado en la “capital de los recuerdos” para miles de personas, un espacio donde la banda sonora de sus vidas cobra vida durante tres días mágicos. A 15 años de su inicio, el Corona Capital no solo trae la música del mundo a México; le muestra al mundo cómo México vive la música.

Paul McCartney envió un pañal sucio a un periodista

Una nueva y escandalosamente divertida anécdota de la historia del rock ha salido a la luz, revelando el lado más irreverente del usualmente diplomático Paul McCartney. Según un ex-compañero de banda, el legendario Beatle y su esposa, Linda, enviaron el contenido del pañal de su hija Stella a un periodista como venganza por una crítica deshonesta.

La historia es una de las joyas incluidas en el nuevo libro de historia oral, “Wings: The Story of a Band on the Run”, y es relatada por el baterista de Wings, Denny Seiwell.

Una Traición y una Venganza Inusual

A principios de los años 70, durante una gira de Wings, la banda fue acompañada por un periodista que había propuesto una historia sobre cómo era la vida familiar en la carretera. Paul y Linda viajaban con sus tres hijas, incluyendo a la entonces bebé Stella.

“Lo llevamos a la prueba de sonido. Lo dejamos estar en el backstage. Lo dejamos subir al autobús. Le permitimos ver cómo vivíamos,” recuerda Seiwell. Sin embargo, el periodista cometió un pecado capital: se fue antes del concierto.

La sorpresa llegó días después, cuando el mismo periodista publicó una reseña del show que no había visto. Y no solo eso, sino que fue una crítica brutalmente negativa.

“Lo destrozó,” relata Seiwell. “¡Todo! La forma en que vivíamos. La forma en que viajábamos. La forma en que sonábamos.” Ante tal deshonestidad, la familia McCartney decidió responder de una manera inolvidable.

Un “Regalo” Especial de Parte de Stella

“Stella era un bebé en ese momento. Así que Paul y Linda tomaron una de esas pequeñas jaboneras de plástico del hotel en el que estábamos, pusieron uno de los pañales sucios de Stella en la jabonera, la envolvieron y se la enviaron,” afirma el baterista.

Seiwell, sin remordimientos, concluye la anécdota con una carcajada: “Eso lo escucharon de mí. No me importa si quieren que se sepa o no. Pensé que era la respuesta perfecta para un grosero periodista británico.”

Aunque Paul McCartney aún no ha confirmado o negado la historia, la anécdota revela un lado poco conocido y ferozmente protector del hombre a menudo visto como el “Beatle amable”, demostrando que incluso las más grandes leyendas del rock no dudarán en ensuciarse las manos (literalmente) para defender su trabajo.