Billy Idol y The Warning tocan juntos “La Bamba” y “Twist and Shout”

El ícono del punk rock, Billy Idol, y el aclamado trío de hermanas regiomontanas, The Warning, protagonizaron uno de los momentos más explosivos y memorables en el especial de televisión “A Grammy Celebration of Latin Music”. Juntos en el escenario, interpretaron un enérgico popurrí que fusionó el clásico del rock en español “La Bamba” con el himno del rock and roll “Twist and Shout”.

Acompañado de su legendario guitarrista Steve Stevens, Idol demostró que su energía rebelde sigue intacta, en una colaboración que unió a dos generaciones y dos culturas del rock.

Una Fusión de Poder y Tradición

La actuación, que se transmitió anoche por CBS, comenzó con The Warning desatando una versión potente y llena de platillos de “La Bamba”, con la vocalista Daniela “Dany” Villarreal a la cabeza.

A mitad de la canción, Billy Idol irrumpió en el escenario, tomando el micrófono para cantar el coro de “Twist and Shout”, mientras las hermanas Villarreal le hacían coros. El popurrí continuó alternando entre ambas canciones, con un espectacular solo de guitarra de Steve Stevens en el medio.

Este fue uno de los momentos más rockeros de una noche que celebró la influencia de la música latina y que también contó con actuaciones de artistas como Andrea Bocelli, Laura Pausini y Jon Secada.

Un Puente Generacional y Cultural

La colaboración es un testimonio del increíble ascenso de The Warning, una banda que ha pasado de tocar en su sótano en Monterrey a compartir escenario con leyendas del rock. También cierra un año monumental para Billy Idol, quien fue nominado al Salón de la Fama del Rock & Roll y lanzó un nuevo álbum.

Por su parte, The Warning ha tenido un año de gran crecimiento, embarcándose en su propia gira como cabeza de cartel por Estados Unidos, tras abrir para artistas como Halsey. Esta colaboración con un ícono del calibre de Billy Idol consolida su estatus como una de las bandas de rock más emocionantes y con mayor proyección internacional del momento.

Mariah Carey gana demanda por “All I Want for Christmas Is You”

Mariah Carey ha salido victoriosa en la batalla legal por su himno navideño. Una jueza ha desestimado la demanda por infracción de derechos de autor contra su icónica canción “All I Want for Christmas Is You”, calificando las acusaciones como “carentes de mérito”.

Además, la jueza ordenó al demandante, el cantante de country Andy Stone, que pague a Carey $92,303.20 dólares (más de 1.6 millones de pesos) en sanciones, con el objetivo de disuadir futuras demandas “igualmente infundadas”.

Una Demanda Basada en “Clichés Navideños”

Andy Stone, quien actúa bajo el nombre de Vince Vance, demandó a Carey en 2023, alegando que la superestrella del pop había plagiado el título y el “estilo” de su propia canción de 1989, también llamada “All I Want for Christmas Is You”. Stone buscaba una compensación de al menos $20 millones de dólares.

Sin embargo, en su fallo, la jueza Monica Ramirez Almadini determinó que los abogados de Stone no lograron demostrar que las dos canciones fueran “sustancialmente similares”. En cambio, citó el testimonio de expertos que afirmaron que ambos temas simplemente compartían “clichés de canciones navideñas” que han estado presentes en la música durante décadas.

La Reina de la Navidad Reafirma su Trono

Esta victoria legal es la cereza del pastel en otro año de dominio absoluto para la canción. A principios de este mes, “All I Want for Christmas Is You” rompió el récord de todos los tiempos al convertirse en el sencillo número uno más duradero en la historia de la lista Billboard Hot 100, con un total de 20 semanas en la cima.

La canción, lanzada originalmente en 1994, ha demostrado una longevidad sin precedentes, regresando a la cima de las listas cada temporada navideña.

Mientras tanto, la batalla por el número uno de Navidad de este año en el Reino Unido fue ganada por Kylie Minogue con su nuevo sencillo “XMAS”, un hito que la convirtió en la primera artista femenina en solitario en encabezar las listas en cuatro décadas diferentes.

Con esta resolución judicial, el reinado de Mariah Carey como la indiscutible “Reina de la Navidad” queda, una vez más, libre de toda duda.

Vinnie Vincent, exguitarrista de KISS, vende nuevo sencillo por $225 dólares

Vinnie Vincent, el exguitarrista de KISS, ha desatado una intensa controversia al poner a la venta su nuevo sencillo en formato de CD por el exorbitante precio de $225 dólares (más de 4,100 pesos). Ante las críticas de los fans, el músico ha defendido su decisión con una serie de declaraciones audaces, comparando su música con “caviar o arte fino” y declarando que el concepto de “precio justo de mercado” es cosa del “pasado”.

El sencillo, titulado “Ride The Serpent” de su banda Vinnie Vincent Invasion, se está vendiendo como una “pieza de colección muy limitada” de 500 copias, cada una numerada y autografiada a mano por el propio Vincent.

“Bienvenidos a la Nueva Agenda”

En respuesta a las quejas por el alto precio, Vincent publicó una extensa declaración en la que no mostró ningún arrepentimiento. “Bienvenidos a la nueva agenda”, escribió. “Los artistas pueden y establecerán sus propios estándares y reglas para el precio de compra de su arte”.

El guitarrista, que formó parte de KISS de 1982 a 1984, argumentó que su precio inicial de $300 dólares era una medida para combatir a las “entidades piratas” que, según él, están “esperando como halcones para apoderarse de lo que sea que lance y piratearlo”.

Una Guerra contra los “Mocosos Autocomplacientes”

La defensa de Vincent se convirtió en una diatriba contra el estado actual de la industria musical, describiendo el panorama como un “páramo de Mad Max” para los artistas.

“Es el salvaje oeste para los artistas que no tienen protección contra los fans ladrones que descargan su música gratis”, afirmó. “Son víctimas de estafas masivas, reducidos a mendigar ‘me gusta’ y suscripciones de mocosos autocomplacientes que quieren su trabajo gratis“.

“Vale Cada Maldito Centavo”

Con una confianza inquebrantable, Vincent concluyó que su música es “intensamente deseada” y “vale cada maldito centavo”. Fue aún más allá, describiéndola como “la mejor droga de diseño del mercado” y “un subidón interminable de fuego puro corriendo por tus venas”.

Mientras Vinnie Vincent libra su propia batalla contra la industria, sus excompañeros de KISS han estado en el centro de su propia controversia, tras aceptar recientemente las medallas del Kennedy Center Honors de manos de Donald Trump, a pesar de las críticas pasadas del líder Paul Stanley hacia el presidente.

La polémica estrategia de Vinnie Vincent ha reabierto el debate sobre el valor del arte físico en la era del streaming y el precio que un artista puede (o debe) poner a su propia creación.

El genio que quiso ser The Beatles… y casi lo logra: Jeff Lynne

Hubo un hombre cuya ambición musical era tan grande que necesitaba una orquesta para hacerla realidad. Jeff Lynne, el genio creativo detrás de Electric Light Orchestra (ELO), no solo fue uno de los compositores más brillantes de los años 70, sino el arquitecto de un sonido único que fusionó el rock ‘n’ roll con la majestuosidad de la música clásica. Su misión: “continuar donde The Beatles lo dejaron”.

La historia de ELO es la historia de la visión de un hombre, una que nos llevó en un viaje sónico a bordo de una nave espacial, con violines y chelos como combustible.

La Nube Sónica de Birmingham

Surgida de las cenizas de la banda de rock psicodélico The Move, ELO nació a principios de los 70 con una idea revolucionaria: crear canciones de pop-rock que utilizaran una sección de cuerdas no como un adorno, sino como una parte integral de la banda.

Tras la salida de su cofundador, Roy Wood, Jeff Lynne tomó el control total, convirtiéndose en el compositor, productor, arreglista y vocalista principal. Lo que siguió fue una de las rachas creativas más impresionantes de la década.

La Conquista del Mundo: De ‘Eldorado’ a ‘Out of the Blue’

La era dorada de ELO, de mediados a finales de los 70, fue una avalancha de éxitos y álbumes conceptuales. Con discos como Eldorado, A New World Record y, sobre todo, el monumental álbum doble Out of the Blue (1977), la banda se convirtió en un fenómeno global.

Canciones como “Mr. Blue Sky”, “Evil Woman”, “Livin’ Thing” y “Telephone Line” dominaron las radios de todo el mundo. Su sonido era inconfundible: melodías Beatles-escas, armonías vocales exuberantes y capas de violines y chelos que creaban un sonido denso y cinemático.

Sus conciertos eran espectáculos de otra galaxia, famosos por su icónico escenario en forma de nave espacial y su deslumbrante uso de láseres, convirtiendo cada show en una experiencia inmersiva.

El Productor de Leyendas: The Traveling Wilburys y Más

Tras disolver ELO en los 80, Jeff Lynne se convirtió en uno de los productores más solicitados y respetados del mundo. Su momento cumbre llegó en 1988, cuando se unió a George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison para formar el supergrupo definitivo: The Traveling Wilburys.

Lynne no solo fue un miembro de la banda, sino el productor que definió su sonido. Su trabajo lo llevó a producir álbumes para sus compañeros de banda, incluyendo Cloud Nine de Harrison y Full Moon Fever de Petty. Incluso fue llamado por los Beatles sobrevivientes para producir sus “nuevas” canciones, “Free as a Bird” y “Real Love”.

El Regreso del Comandante: Jeff Lynne’s ELO

En la última década, el mundo ha sido testigo de un espectacular renacimiento. Bajo el nombre de Jeff Lynne’s ELO, ha regresado a los escenarios con giras masivas que han agotado estadios como Wembley y el Hollywood Bowl, demostrando que el apetito por su música es más grande que nunca.

El legado de Jeff Lynne es el de un genio obsesivo y un maestro artesano del sonido, un artista que tomó la plantilla del pop perfecto y la lanzó al espacio exterior.

Beyoncé se convierte en multimillonaria

Beyoncé no solo es una reina en el escenario, ahora también es una reina en el mundo de las finanzas. La superestrella global ha alcanzado oficialmente el estatus de multimillonaria (, con un patrimonio neto estimado en mil millones de dólares.

Según la revista Forbes, el salto definitivo a las diez cifras se produjo en diciembre de 2025, gracias al monumental éxito de su incursión en la música country con el álbum Cowboy Carter y la gira que lo acompañó, la más taquillera en la historia de ese género.

Con este hito, Beyoncé se une a un club extremadamente exclusivo, convirtiéndose en la quinta artista musical en alcanzar esta fortuna.

Los Pilares de un Imperio: Música y Giras

La base del imperio de Beyoncé sigue siendo su legendaria carrera musical. Con más de 120 millones de discos vendidos como solista y 60 millones con Destiny’s Child, es una de las artistas más vendedoras de todos los tiempos. Además, es la primera mujer en la historia en debutar sus ocho álbumes de estudio en el número uno de la lista Billboard 200.

Sus giras son eventos culturales que rompen récords. La “Renaissance World Tour” de 2023 recaudó más de $579 millones de dólares (más de 10.6 mil millones de pesos), convirtiéndose en una de las más taquilleras de la historia.

La Visionaria de los Negocios

Más allá de la música, Beyoncé ha demostrado ser una astuta empresaria. En 2008, fundó su propia compañía de entretenimiento, Parkwood Entertainment, con la que ha producido sus álbumes visuales, películas y giras, manteniendo un control creativo total.

Su imperio se ha expandido a la moda y la belleza con la línea de ropa deportiva Ivy Park y, más recientemente, su aclamada línea de cuidado capilar, Cécred. Este año también incursionó en el mundo de las bebidas alcohólicas con su marca de whisky, Sir Davis.

La artista ha explicado que su enfoque en los negocios es el mismo que en su música: priorizar la calidad del producto por encima de su imagen como celebridad. “Los hombres a menudo tienen el lujo de ser percibidos como los estrategas”, dijo a GQ. “Las mujeres […] son frecuentemente encasilladas como el rostro de la marca. Es importante para mí seguir tomando el mismo enfoque que he tomado con mi música”.

El Corazón de una Filántropa

En 2013, Beyoncé lanzó su fundación, BeyGOOD, que ha donado millones de dólares a diversas causas, desde becas para estudiantes hasta ayuda para crisis humanitarias como la crisis del agua en Flint y los recientes incendios en Los Ángeles.

“Ninguna Cantidad de Dinero Vale mi Paz”

A pesar de su monumental éxito, Beyoncé ha mantenido una postura humilde sobre su riqueza, priorizando siempre su familia y su bienestar.

“He hecho un esfuerzo extremo por mantenerme fiel a mis límites y proteger a mi familia y a mí misma”, ha declarado. “Ninguna cantidad de dinero vale mi paz”. 

Por qué David Bowie Odiaba “The Little Drummer Boy

Es uno de los duetos más extraños, improbables y conmovedores de la historia de la música: la leyenda del rock, David Bowie, y el crooner por excelencia, Bing Crosby, uniendo sus voces para el clásico navideño “Peace on Earth/Little Drummer Boy”. Sin embargo, esta colaboración icónica de 1977 estuvo a punto de no ocurrir, todo porque Bowie se negó rotundamente a cantar la canción original.

“Odio esa Canción”: la Condición de Bowie

La historia, revelada por los escritores del especial navideño de Crosby, Merrie Olde Christmas, es una fascinante mirada a la mente de un genio. El plan original era que ambas estrellas cantaran a dúo el clásico “The Little Drummer Boy”. La respuesta de Bowie fue tajante.

“Le dijimos a Bowie sobre el número, y él dijo: ‘No cantaré esa canción’“, recordó el escritor Larry Grossman. “Le preguntamos por qué, y él dijo: ‘Odio esa canción. Si tengo que cantar esa canción, no puedo hacer el show’“.

¿La única razón por la que Bowie aceptó participar en primer lugar? “Estoy haciendo este show porque mi madre ama a Bing Crosby“, confesó el rockero.

Una Solución Mágica en Menos de una Hora

Con Bowie a punto de abandonar el proyecto, los escritores tuvieron que pensar rápido. En un arranque de genialidad, decidieron escribir una contramelodía completamente nueva que pudiera entrelazarse con la original. Así nació “Peace on Earth”, la parte que Bowie canta mientras Crosby interpreta la melodía de “The Little Drummer Boy”.

“En menos de una hora, la teníamos escrita y pudimos presentársela de nuevo”, contó el coguionista Buz Kohan. “A Bing le encantó el desafío”. El resultado fue una pieza musical única, un diálogo entre dos generaciones y dos mundos que se fusionaron a la perfección.

Un Canto del Cisne Agridulce

La historia de este dueto tiene un final agridulce. El especial fue grabado en septiembre de 1977. Apenas cinco semanas después, Bing Crosby falleció de un ataque al corazón. El programa se emitió de forma póstuma, convirtiendo esta actuación en una de sus últimas apariciones grabadas y en una despedida inolvidable.

La canción fue lanzada como sencillo en 1982 y se convirtió en un éxito masivo, especialmente en el Reino Unido, donde alcanzó el número 3 de las listas. Hoy, “Peace on Earth/Little Drummer Boy” es un pilar de la temporada navideña, un testimonio de un encuentro improbable y de la magia que puede surgir cuando dos genios, por muy diferentes que sean, deciden hacer música juntos. 

Take That: Netflix Lanza el Primer Vistazo a su Nueva Docuserie

Netflix ha compartido el primer vistazo de su esperada docuserie sobre Take That, la icónica boyband británica. La serie, de tres partes y de duración limitada, se estrenará en la plataforma el próximo 27 de enero y promete ser la “historia definitiva y profundamente personal” del grupo.

La producción contará con 35 años de material de archivo inédito y nuevas entrevistas con los miembros actuales de la banda: Gary Barlow, Howard Donald y Mark Owen.

Una Historia de Altibajos Contada por Ellos Mismos

La sinopsis oficial promete un viaje íntimo a través de la carrera de una de las bandas más exitosas del Reino Unido. “Desde sus humildes comienzos como un quinteto formado en Manchester hasta convertirse en superestrellas del pop, revive la camaradería, el caos y la resiliencia que impulsaron su ascenso meteórico, su dramática separación y uno de los regresos más grandes en la historia de la música británica“, se lee en el comunicado.

El primer clip, compartido hoy, muestra a la banda tras bastidores antes de un concierto en los años 90, capturando la energía juvenil que los convirtió en un fenómeno.

El Contrapunto a la Versión de Robbie Williams

Esta docuserie llega poco más de un año después del estreno de Better Man, la película biográfica que narró la historia desde la perspectiva de Robbie Williams, el miembro que abandonó la banda en la cima de su fama.

Ahora, los fans tendrán la oportunidad de escuchar la historia contada desde el punto de vista de quienes se quedaron, ofreciendo un esperado contrapunto a uno de los dramas más sonados de la historia del pop.

El Futuro de la Banda

Lejos de vivir en el pasado, Take That sigue mirando hacia el futuro. La banda ya ha anunciado una nueva gira por el Reino Unido e Irlanda para 2026, demostrando que su legado sigue más vivo que nunca.Por su parte, Robbie Williams también se prepara para lanzar su nuevo álbum, BRITPOP, en 2026. Aunque sus caminos sigan separados, la historia de Take That es un capítulo fundamental del pop que esta docuserie promete explorar en toda su complejidad.

5 Leyendas del Rock Clásico que Podrían Hacer una “Gira de Eras”

El “Eras Tour” de Taylor Swift no fue solo la gira más exitosa de la historia; fue un concepto brillante: un viaje cronológico a través de la evolución de un artista. El fenómeno nos hizo preguntarnos: ¿qué leyendas del rock clásico podrían montar un espectáculo similar?

Para lograrlo, se necesitan varios ingredientes clave: longevidad, un legado inmenso, popularidad continua y un catálogo que muestre una clara evolución. Aquí presentamos a cinco actos cuyas carreras son tan ricas y diversas que su propia “Gira de Eras” sería un evento para la historia.

1. Paul McCartney

Pocos artistas tienen una historia tan vasta. La “Gira de Eras” de Sir Paul sería un viaje por la historia de la música popular. Comenzaría con la explosión pop de la Beatlemanía, para luego sumergirse en la revolución psicodélica de álbumes como Sgt. Pepper’s. La etapa final de The Beatles, con su rock más crudo, daría paso a la exitosa era de los 70 con Wings, para finalmente recorrer las décadas de su inagotable carrera en solitario. El único problema sería mantener el show por debajo de las cuatro horas.

2. The Rolling Stones

La historia de los Stones es la historia del rock ‘n’ roll. Su “Gira de Eras” comenzaría en sus raíces de blues-rock de los años 60, pasando por su breve pero fascinante desvío psicodélico. El clímax llegaría con la era dorada de 1968 a 1972, una avalancha de himnos inmortales de sus cuatro álbumes perfectos. La última parte celebraría la llegada de Ronnie Wood y la resiliencia de una banda que ha sabido adaptarse a cada década sin perder su esencia.

3. KISS

Pocas bandas tienen “eras” tan visuales y definidas. Su show comenzaría con el rock crudo y hambriento de sus inicios en Nueva York, seguido por la explosión de la KISSmanía que los convirtió en la “banda más caliente del mundo”. Un interludio podría explorar sus álbumes en solitario, para luego dar un salto a su controvertida pero exitosa era sin maquillaje de los 80, antes de culminar con el triunfal regreso de la formación original y su consolidación como leyendas inmortales.

4. AC/DC

La “Gira de Eras” de AC/DC sería un tributo a la resiliencia y a dos de las voces más grandes del rock. Podría comenzar con un guiño a sus primerísimos días, para luego sumergirse de lleno en la era de Bon Scott, un desfile de clásicos callejeros que culminaría con un emotivo “Highway to Hell”. Tras un apagón total, el show resurgiría con el sonido de las campanas de “Hells Bells”, dando inicio a la era de Brian Johnson y la interpretación completa de Back in Black, antes de recorrer los himnos que siguieron, desde “For Those About to Rock” hasta el renacimiento con “Thunderstruck”.

5. Genesis

El sueño más improbable, pero también el más ecléctico. Una “Gira de Eras” de Genesis sería un viaje a través de tres sonidos completamente distintos. Empezaría con la teatralidad del rock progresivo de la era de Peter Gabriel, con clásicos de The Lamb Lies Down on Broadway. Luego, veríamos la transición de la banda con Phil Collins tomando el micrófono, para finalmente explotar en la era del pop de estadio de los 80, con un desfile de éxitos de Invisible Touch. Un final de ensueño incluiría a los tres cantantes de la banda en el escenario para una última canción.

Álbumes Clásicos de 1986 que Cumplen 40 Años en 2026

El año 2026 marcará el 40º aniversario de 1986, un año verdaderamente sísmico en la historia de la música. Fue un período de una diversidad increíble, donde el hard rock dominaba las listas, el thrash metal explotaba en el underground, y el hip-hop comenzaba su ascenso imparable a la cima de la cultura pop.

Desde himnos de estadio hasta obras maestras del metal, recordamos 40 álbumes icónicos que celebran cuatro décadas de haber definido la banda sonora de toda una generación.

El Reinado del Hard Rock y el Glam Metal

1986 fue, sin duda, el año del rock de estadio. El género era un gigante comercial, y ninguna banda fue más grande que Bon Jovi. Su tercer álbum, Slippery When Wet, fue un fenómeno que vendió más de 15 millones de copias solo en EE.UU. y los convirtió en las mayores estrellas del planeta.

La escena del glam metal estaba en su apogeo, con álbumes debut de bandas como Poison (Look What the Cat Dragged In) y Cinderella (Night Songs), mientras que veteranos como Van Halen (con su primer disco con Sammy Hagar, 5150) y Journey (Raised on Radio) también lanzaron éxitos masivos.

El Año que Forjó al Thrash Metal

Para los fans de sonidos más agresivos, 1986 fue el año más importante en la historia del metal. Tres de los “Cuatro Grandes” del thrash lanzaron álbumes que son considerados hasta hoy como obras maestras absolutas y definitorias del género:

  • Metallica – Master of Puppets
  • Slayer – Reign in Blood
  • Megadeth – Peace Sells… but Who’s Buying?

Además, leyendas del heavy metal como Iron Maiden (Somewhere in Time) y Judas Priest (Turbo) experimentaron por primera vez con sintetizadores de guitarra, expandiendo los límites sónicos del género.

El Pop Inteligente y la Fusión de Sonidos

1986 no fue solo para los rockeros. Los veteranos del rock clásico y el pop entregaron algunos de los trabajos más aclamados de sus carreras. Peter Gabriel con So, Paul Simon con Graceland, Genesis con Invisible Touch y Steve Winwood con Back in the High Life dominaron las radios con un sonido sofisticado y maduro.

El genio de Minneapolis, Prince, también lanzó su ambicioso álbum Parade, la banda sonora de su película Under the Cherry Moon.

La Revolución del Hip-Hop

Quizás el desarrollo más significativo de 1986 fue el avance comercial masivo del hip-hop. Run-D.M.C. rompió las barreras entre el rock y el rap con su álbum Raising Hell, que incluía la icónica colaboración con Aerosmith, “Walk This Way”.

Poco después, los Beastie Boys lanzaron su álbum debut, Licensed to Ill, que se convirtió en el primer álbum de hip-hop en alcanzar el número uno en la lista de Billboard. Juntos, estos dos álbumes llevaron el género desde las calles de Nueva York a los hogares de todo el mundo.

Desde el pop-rock hasta el thrash, 1986 fue un año de una creatividad desbordante.

La Gira de Oasis fue la Segunda Más Taquillera de 2025 y Vendió Más Boletos que Beyoncé

La gira de reunión de Oasis no solo fue el evento más esperado del año, sino también uno de los más exitosos. Según los nuevos datos de la publicación especializada Pollstar, la gira “Live ’25” de la legendaria banda de Britpop fue la segunda más taquillera de 2025, recaudando la asombrosa cifra de $405.4 millones de dólares (más de 7.4 mil millones de pesos).

El primer lugar lo ocupó la gira “Cowboy Carter Tour” de Beyoncé, con $407.6 millones de dólares. Sin embargo, en una métrica que demuestra el masivo poder de convocatoria de Oasis, los hermanos Gallagher vendieron aproximadamente 630,000 boletos más que la superestrella del pop, con un total de 2.2 millones de entradas vendidas frente a los 1.6 millones de Beyoncé.

Un Regreso que Superó Todas las Expectativas

La gira de reunión de 41 fechas, que marcó la primera vez que la banda tocaba junta desde 2009, fue un fenómeno global que llevó a los íconos de Manchester a estadios de todo el mundo.

“Las ventas de boletos superaron con creces nuestras expectativas”, admitió el co-manager de la banda, Alec McKinlay, a Music Week.

Incluso Noel Gallagher, a menudo conocido por su estoicismo, confesó haberse sentido abrumado por la magnitud del regreso. “Subestimé groseramente en lo que me estaba metiendo”, dijo. “Después de unos cinco minutos, pensé: ‘Está bien, ¿puedo volver al camerino y empezar de nuevo?’. Mis piernas se habían convertido en gelatina a mitad de la segunda canción“.

¿Continuará la Gira? El Misterio Sigue

A pesar del éxito monumental, el futuro de la banda en vivo sigue siendo un misterio. Oficialmente, no hay conciertos confirmados para 2026. De hecho, el propio Liam Gallagher descartó recientemente cualquier actividad para el próximo año.

Sin embargo, las señales contradictorias continúan. Durante uno de los conciertos en Londres, Liam se dirigió a la multitud y prometió: “Nos vemos el año que viene”.

Por su parte, el co-manager de la banda ha sugerido que esta podría ser la última oportunidad de verlos en vivo, describiendo la gira como “la última vuelta”.

Mientras los fans esperan una confirmación, una cosa es segura: la gira de 2025 demostró que el apetito del mundo por el rock ‘n’ roll de Oasis es más grande que nunca.