Bob Weir, leyenda del rock, fallece tras una batalla contra el cáncer

Bob Weir, el legendario guitarrista, cantante y miembro fundador de la icónica banda Grateful Dead, ha fallecido a la edad de 78 años. Su familia anunció que el músico murió en paz el 10 de enero, rodeado de sus seres queridos.

En un emotivo comunicado, la familia reveló que Weir “luchó valientemente contra el cáncer como solo Bobby podía hacerlo”, pero lamentablemente “sucumbió a problemas pulmonares subyacentes”.

El último acto de resiliencia de un gigante del rock

La noticia de su fallecimiento llega meses después de que el músico diera un ejemplo extraordinario de resiliencia. Diagnosticado con cáncer en julio de 2025, Weir comenzó el tratamiento, pero semanas después, subió al escenario para tres noches históricas en el Golden Gate Park de San Francisco, celebrando los 60 años de música de Grateful Dead.

“Esas actuaciones, emotivas, llenas de alma y de luz, no fueron despedidas, sino regalos”, compartió su familia. “Otro acto de resiliencia. Un artista eligiendo, incluso entonces, seguir adelante bajo sus propios términos”.

El motor rítmico de Grateful Dead

Durante más de 60 años, Bob Weir fue una fuerza constante en la música estadounidense. Como miembro fundador de Grateful Dead, su rol iba mucho más allá del de un simple guitarrista rítmico. Su estilo complejo y melódico era el contrapunto perfecto para los solos de Jerry Garcia, creando el tejido sonoro sobre el que se construía la legendaria improvisación de la banda. Fue también la voz principal en clásicos como “Truckin'” y “Sugar Magnolia”.

“Durante más de 60 años, Bobby se echó a la carretera”, continúa el comunicado. “Un guitarrista, vocalista, contador de historias y miembro fundador de Grateful Dead, Bobby será por siempre una fuerza guía cuyo arte único reformó la música estadounidense”.

Inducido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1994, el legado de Weir es el de un innovador incansable y un músico dedicado a su arte hasta el final. Su familia concluye el mensaje con una despedida que captura su espíritu: “No hay un telón final aquí, en realidad. Solo la sensación de alguien que parte de nuevo… con una despedida que no es un final, sino una bendición”.

Robbie Williams habla de su futuro regreso a Take That

Robbie Williams ha reavivado las esperanzas de los fans de Take That en todo el mundo al declarar que está seguro de que “volverá a cabalgar” con la banda, aunque ha descartado participar en la próxima gira de reunión del grupo este año.

La icónica boy band británica, ahora un trío formado por Gary Barlow, Mark Owen y Howard Donald, anunció recientemente que revivirá su espectacular gira de 2009, The Circus Tour, para una serie de conciertos en 2026.

“Estoy seguro de que cabalgaremos de nuevo”

En una entrevista con BBC Radio 1, Williams, quien abandonó la banda en 1995 pero se ha reunido con ellos esporádicamente, confirmó que no se unirá a sus excompañeros en esta ocasión. “No por ahora”, sentenció cuando se le preguntó si participaría. “Estoy seguro de que cabalgaremos de nuevo, pero no está en mis planes en este momento”.

A pesar de la negativa para 2026, sus palabras abren la puerta a una futura reunión del quinteto original, o al menos del cuarteto que triunfó en 2010.

La gira que lo inspiró a volver

Irónicamente, fue precisamente la gira “The Circus” la que inspiró a Robbie a reunirse con la banda por primera vez para el exitoso álbum Progress. El cantante recordó cómo Gary Barlow le mostró una grabación del show.

“Gaz vino a mi casa en Los Ángeles y puso una copia del show”, relató. “Me quedé de pie, literalmente de pie, no me senté, y lo vi hechizado. Me encantó, y pensé: ‘Quiero volver'”.

Williams admitió que incluso consideró unirse para el show de Knebworth de esta nueva gira, pero finalmente decidió no hacerlo. La banda también confirmó que Jason Orange, quien dejó el grupo en 2014, tampoco participará.

Take That, por su parte, expresó su emoción por revivir una de sus giras más queridas, famosa por su producción teatral que incluía lanzallamas, zanqueros y un elefante mecánico gigante. “¡Ese momento ha llegado! Estamos muy emocionados de dar la bienvenida al público, antiguo y nuevo, al espectáculo de The Circus Live”, declararon.

Bob Weir: el último viaje de un guitarrista que convirtió la música en comunidad

Bob Weir se fue el 10 de enero de 2026, y con su partida la música perdió a una de sus figuras más discretas y esenciales. Tenía 78 años. Cofundador y pilar creativo de Grateful Dead, Weir fue el músico que sostuvo el pulso de una banda construida sobre el riesgo, la improvisación y la idea de la música como experiencia colectiva.

Cuando se unió a Grateful Dead en 1965 apenas tenía 17 años. Su juventud contrastaba con la ambición artística del grupo, pero muy pronto encontró su lugar. No fue un guitarrista rítmico convencional: desarrolló un lenguaje propio, lleno de acentos irregulares, silencios y armonías abiertas, que permitió que las largas improvisaciones respiraran y se expandieran. Esa forma de tocar se volvió parte inseparable del sonido Dead, una base flexible sobre la que todo podía suceder.

Además de su papel instrumental, Weir fue una voz fundamental en la composición del grupo. Firmó canciones que se volvieron emblemas, capaces de capturar tanto el espíritu contracultural como una mirada crítica y poética sobre Estados Unidos. En el escenario, su presencia equilibró al grupo: menos mística que la de Jerry Garcia, líder de The Grateful Dead, pero constante, firme y siempre orientada a sostener el viaje musical.

Tras la muerte de Garcia en 1995 y el final de Grateful Dead, Bob Weir se negó a convertir ese legado en una reliquia de museo. Continuó tocando, reorganizando el repertorio y llevándolo a nuevas generaciones. Fue el rostro más persistente de esa música que se resistía a desaparecer, participando en distintos proyectos y, ya en el siglo XXI, encabezando iniciativas como Dead & Company, con las que el cancionero Dead volvió a los grandes escenarios. En una etapa más íntima, exploró nuevas lecturas de esas canciones con Wolf Bros, mostrando una faceta madura, reflexiva y profundamente emocional.

Su vida personal vivió una transformación decisiva a finales de los años noventa con la llegada de Natascha Weir. Se conocieron en 1997, cuando él tenía 49 años y ella 18, una diferencia de edad que en su momento sorprendió, pero que terminó siendo un punto de equilibrio fundamental. Natascha apareció en un periodo de reconstrucción para Weir, después del final de Grateful Dead y de décadas marcadas por la carretera, los excesos y las pérdidas. Con ella encontró estabilidad, disciplina y una nueva manera de habitar el tiempo. El matrimonio y la llegada de sus hijas lo llevaron a cuidar su salud, a replantear prioridades y a construir un hogar como centro de su vida. Weir reconoció en distintas ocasiones que esa relación fue clave para ordenar su mundo y sostener su madurez personal y artística.

Su historia quedó retratada con honestidad en el documental The Other One: The Long Strange Trip of Bob Weir, (amplísimamente recomendable y que encuentras en Netflix), una mirada íntima a su recorrido vital, a su amistad con Garcia y al lugar que ocupó en una de las aventuras musicales más influyentes del siglo XX.

Bob Weir no fue el músico más ruidoso ni el más visible, pero sí uno de los más necesarios. Convirtió la guitarra en un puente, al concierto en ritual y al público en comunidad. Su legado no se mide solo en canciones, sino en la idea de que la música, cuando se comparte, puede ser un hogar. Se fue tras un viaje largo y extraño, y en ese camino dejó una huella imposible de borrar.

Hasta siempre querido Bob. 

PABLO EMILIO ISLAS MARQUEZ. 

Enero de 2026. 

¿Te acuerdas de estas canciones? Los 10 mejores ‘One-Hit Wonders’ de la historia

Fueron relámpagos en una botella, explosiones de creatividad que dominaron la radio y MTV para luego desaparecer. Son los “One-Hit Wonders”, artistas que, aunque solo tuvieron un gran éxito, nos dejaron canciones tan icónicas que han trascendido el tiempo. La década de los 80 fue la edad de oro de este fenómeno, y estos son algunos de los himnos inmortales que nos regaló.

10. Norman Greenbaum – ‘Spirit in the Sky’ (1970)
Con su riff de guitarra difuso y su temática gospel-rock, esta joya psicodélica es la única canción de los 70 en el top 10. Un clásico instantáneo que ha sido un éxito número uno en el Reino Unido en tres décadas diferentes con tres artistas distintos.

9. Eddy Grant – ‘Electric Avenue’ (1983)
Aunque la letra habla de disturbios raciales en Londres, su ritmo reggae irresistible y su coro pegajoso la convirtieron en un éxito mundial. Grant ya era una estrella en el Reino Unido, pero esta fue su única conquista de las listas estadounidenses.

8. Tommy Tutone – ‘867-5309/Jenny’ (1981)
La canción sobre un número de teléfono en la pared de un baño que causó que miles de personas con ese número recibieran llamadas incesantes. Aunque la historia de “Jenny” era ficticia, su impacto fue muy real.

7. Modern English – ‘I Melt With You’ (1982)
El himno definitivo del romance new wave. Con su atmósfera soñadora y su letra apocalípticamente romántica (“El futuro se abre…”), se convirtió en una de las canciones más definitorias y queridas de la década.

6. Dexys Midnight Runners – ‘Come On Eileen’ (1982)
Con su violín celta, sus overoles de mezclilla y su cambio de ritmo demencial, esta canción no se parecía a nada. Se convirtió en un número uno global y en el himno de fiesta por excelencia.

5. Nena – ‘99 Luftballons’ (1983)
Una canción sobre la guerra nuclear que se convirtió en un éxito pop mundial, cantada en alemán. Su melodía pegajosa y su mensaje anti-guerra la hicieron universal, con una igualmente exitosa versión en inglés.

4. Soft Cell – ‘Tainted Love’ (1981)
La prueba de que un cover puede superar al original. Tomaron una oscura canción de soul de los 60 y la convirtieron en un himno de synth-pop frío, siniestro y absolutamente irresistible.

3. Frankie Goes to Hollywood – ‘Relax’ (1983)
Prohibida por la BBC por su letra sexualmente explícita, la controversia solo sirvió para catapultarla al estrellato. Con su eslogan “Frankie Say Relax”, se convirtió en un ícono de la cultura de los 80.

2. a-ha – ‘Take On Me’ (1985)
El ejemplo perfecto del poder de MTV. La canción fracasó en su lanzamiento inicial, pero fue re-lanzada con un innovador video de animación a lápiz que la convirtió en un fenómeno global instantáneo.

1. The Buggles – ‘Video Killed the Radio Star’ (1979)
La canción que lo predijo todo. Profética en su letra sobre el cambio tecnológico en la música, se convirtió en un himno generacional cuando, el 1 de agosto de 1981, fue el primer video musical transmitido en la historia de MTV, cambiando la música para siempre.

El legado de Pat Benatar, la voz femenina que redefinió el rock

En la historia del rock, pocas figuras femeninas irrumpieron con la fuerza y la actitud desafiante de Pat Benatar. A finales de los 70 y principios de los 80, en un mundo dominado por hombres, ella se plantó en el escenario con una voz operística entrenada y un espíritu de luchadora callejera, creando himnos de empoderamiento que definieron a una generación.

Una voz de ópera con corazón de rock

Nacida como Patricia Andrzejewski, su trayectoria no fue la típica de una estrella de rock. Estudió para ser cantante de ópera, un entrenamiento que le dio un poder y un control vocal que la distinguían de sus contemporáneas. Pero su corazón estaba en el rock and roll, y fue esa fusión de técnica y furia lo que la convirtió en una fuerza imparable.

Su álbum debut de 1979, In the Heat of the Night, la presentó al mundo con el éxito “Heartbreaker”, una declaración de intenciones que mostraba a una mujer que no estaba dispuesta a ser una víctima en el juego del amor.

La alianza indestructible con Neil Giraldo

La historia de Pat Benatar es inseparable de la de Neil Giraldo. Él no era solo su guitarrista, era el arquitecto de su sonido. Giraldo, un innovador productor y compositor, fue quien le dio a las canciones de Benatar su filo de hard rock, creando los riffs inolvidables que complementaban a la perfección su poderosa voz.

Juntos formaron una de las alianzas creativas y románticas más sólidas de la música. Canciones como “Hit Me with Your Best Shot” se convirtieron en himnos de desafío, no solo en el amor, sino en la vida. La química entre ambos era tan potente que se casaron en 1982 y continúan grabando y girando juntos hasta el día de hoy.

La conquista de MTV

Pat Benatar fue una de las reinas indiscutibles de la era temprana de MTV. Mientras muchos artistas masculinos dominaban la rotación, ella rompió el molde con videos cinematográficos. El video de “Love Is a Battlefield” (1983) no era solo una actuación, era un cortometraje sobre una joven que huye de casa y lidera una rebelión. Su imagen de mujer fuerte e independiente se convirtió en un modelo a seguir para millones.

Inducida finalmente en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2022 junto a Giraldo, el legado de Pat Benatar es innegable. Abrió la puerta para incontables mujeres en el rock, demostrando que se podía ser poderosa, talentosa y estar al frente de una banda de rock sin pedir permiso a nadie.

La historia de perseverancia de David Bowie en el aniversario de su muerte

En el aniversario de su fallecimiento, el mundo recuerda a David Bowie como el ícono camaleónico, la superestrella que redefinió la música. Pero antes de Ziggy Stardust, del Duque Blanco y de los estadios llenos, hubo un joven artista llamado David Jones que, durante cinco largos años, no hizo más que fracasar. Su historia no es la de un éxito meteórico, sino la de una perseverancia inquebrantable.

Una colección de fracasos con nombres diferentes

La carrera de Bowie comenzó en 1964 con su sencillo debut, “Liza Jane”, bajo el nombre de Davie Jones and the King Bees. A pesar de la promoción en televisión, la canción fue un fracaso rotundo. Le siguió “I Pity The Fool” en 1965, esta vez como The Manish Boys y con un joven Jimmy Page en la guitarra. De nuevo, un fracaso. Un tercer intento, “You Got a Habit of Leaving”, como Davy Jones and the Lower 3rd, corrió la misma suerte.

A finales de 1965, la explosión de The Monkees y su cantante británico, Davy Jones, obligó al artista a tomar una decisión crucial: para evitar confusiones, adoptó el nombre con el que pasaría a la historia: David Bowie.

Nuevo nombre, mismos resultados

El cambio de identidad no trajo éxito inmediato. Su primer sencillo como David Bowie, “Can’t Help Thinking About Me” (1966), fue otro fracaso. Le siguieron “Do Anything You Say” y “I Dig Everything” ese mismo año, ambos ignorados por el público.

Su etapa en el sello Deram continuó la racha perdedora con “Rubber Band” y, más notablemente, con la extravagante canción de estilo infantil “The Laughing Gnome” en 1967. En total, en los primeros años de su carrera, Bowie lanzó casi una decena de sencillos bajo diferentes nombres y sellos. Ninguno entró en las listas de éxitos.

La perseverancia que encontró al Mayor Tom

Cualquier otro artista podría haberse rendido. Pero la fe de la industria en su potencial y, sobre todo, la propia determinación de Bowie, finalmente dieron frutos. En julio de 1969, cinco años después de su primer intento, lanzó Space Oddity. La canción, inspirada en la carrera espacial, capturó la imaginación del público y se convirtió en su primer éxito, alcanzando el Top 5 en el Reino Unido.

En el aniversario de su partida, recordar esta historia de tropiezos es el mejor tributo a su carácter. El genio de David Bowie no nació de la nada; se forjó en la frustración, el trabajo duro y una fe inquebrantable en su propia visión.

De “Maggie May” a los clásicos americanos: La increíble carrera de Rod Stewart

Este 10 de enero, el mundo de la música celebra el 81 cumpleaños de Sir Rod Stewart, una de las figuras más carismáticas, perdurables y exitosas de la historia del rock. Con una carrera que abarca más de cinco décadas, su legado se define por una voz única, una energía arrolladora en el escenario y un catálogo de canciones que han marcado a generaciones.

La voz que lo cambió todo

Antes que nada, está la voz. Esa inconfundible voz rasposa, cargada de alma y emoción, es su firma. Capaz de desgarrar en un himno de rock o de susurrar en una balada, la voz de Rod Stewart suena vivida y honesta. Es el instrumento que lo convirtió en una leyenda y que le permite, aún hoy, conectar de manera instantánea con quien lo escucha.

De las raíces del rock al estrellato mundial

Aunque muchos lo asocian con sus grandes éxitos pop, las raíces de Stewart están firmemente plantadas en el rock ‘n’ roll más puro. A finales de los 60, fue el vocalista de The Jeff Beck Group, junto a Ronnie Wood. Poco después, ambos se unieron a los miembros restantes de Small Faces para formar Faces, una de las bandas de rock más salvajes y queridas de los 70, un torbellino de boogie y camaradería.

Fue en paralelo a su tiempo en Faces que su carrera en solitario explotó. Con el álbum de 1971, Every Picture Tells a Story, Stewart se convirtió en una superestrella. El disco contenía “Maggie May”, una canción que él co-escribió y que se convirtió en su himno definitorio, una obra maestra de la narración folk-rock.

El maestro de la interpretación

Además de su talento como compositor, Stewart demostró ser un intérprete magistral, capaz de tomar canciones de otros artistas y hacerlas completamente suyas. Transformó baladas folk como “Reason to Believe” de Tim Hardin y “I Don’t Want to Talk About It” de Crazy Horse en himnos de rock universales.Desde el rock de estadio de los 70, pasando por la era disco y el pop de los 80, hasta su aclamada serie de álbumes The Great American Songbook, Rod Stewart ha demostrado una increíble capacidad de adaptación sin perder nunca su esencia. En su cumpleaños, celebramos al showman, al compositor y, sobre todo, al dueño de una de las voces más grandes que ha dado el rock.

‘Pump It’ de Black Eyed Peas supera los mil millones de streams en Spotify

El enérgico himno de 2005, Pump It, de Black Eyed Peas, ha alcanzado oficialmente la estratosférica cifra de mil millones de reproducciones en Spotify. Con este logro, la canción se une al exclusivo “Club del Billón” del grupo, convirtiéndose en su cuarto tema en superar esta marca, junto a los megaéxitos “I Gotta Feeling”, “Where Is The Love?” y “RITMO (Bad Boys For Life)”.

Lanzada como parte de su cuarto álbum de estudio, Monkey Business, “Pump It” se convirtió instantáneamente en un éxito global, pero la historia de su creación es tan fascinante como su ritmo.

El sample que nació de ‘Pulp Fiction’ y un error en Brasil

El corazón de “Pump It” es su inconfundible riff de guitarra surf-rock. Ese riff es una interpolación de la versión de 1962 de “Misirlou” del legendario guitarrista Dick Dale, una canción que Quentin Tarantino inmortalizó al usarla en la icónica secuencia de apertura de su película de 1994, Pulp Fiction.

Según el líder del grupo, will.i.am, el descubrimiento fue un feliz accidente. Durante un viaje a Brasil, compró un disco recopilatorio que no era el que buscaba. “Al principio, estaba enojado porque no era lo que quería comprar”, explicó. “Pero entonces, realmente, esa canción [‘Misirlou’] era genial. Dije: ‘Deberíamos hacer una canción como esta'”.

La inspiración lo golpeó de inmediato. “Arranqué la computadora e hice algunos beats en el tren. Luego tuvimos que volar a Tokio y ajusté el beat en el avión. Después grabé las voces en un parque en Tokio, y así es como grabamos la canción ‘Pump It’”.

La canción se convirtió en el cuarto éxito consecutivo del álbum en el Top 20 de Billboard. Su energía cruda y su conexión con la cultura pop la han mantenido vigente durante casi dos décadas, demostrando ser una de las favoritas del catálogo de la banda.

A pesar de la salida de Fergie en 2018 y la evolución de su sonido, el legado de los Black Eyed Peas de la década de 2000 sigue demostrando una increíble longevidad en la era del streaming.

Escucha ‘I Just Might’, la nueva canción de Bruno Mars para 2026

El rey del funk moderno ha vuelto oficialmente. Bruno Mars ha lanzado “I Just Might”, el primer sencillo de su esperado cuarto álbum de estudio, The Romantic, que saldrá a la venta el próximo 27 de febrero. La canción es un regreso a sus raíces, una irresistible pieza de funk y soul con un sabor retro que confirma que la espera ha valido la pena.

“Entraste con una vibra que nunca había visto / Si hablas como caminas, ven y háblame”, canta Mars en el seductor primer verso de la canción. El tema, perfecto para la pista de baile, está acompañado por un video musical inspirado en la estética de los años 70, donde cinco versiones de Bruno Mars forman una banda en un set de televisión de la vieja escuela.

Al anunciar su regreso, el artista declaró en sus redes sociales: “¡Es hora de la fiesta! El autoproclamado ‘Señor del Aura’ está de vuelta”.

El sonido de los 70 con un toque moderno

La producción de “I Just Might” cuenta con un nombre clave: D’Mile, el galardonado productor que fue fundamental en la creación del sonido de Silk Sonic, el aclamado dúo de Mars con Anderson .Paak. Su participación asegura la autenticidad del sonido retro y una calidad musical impecable, continuando la senda del exitoso An Evening With Silk Sonic.

Este sencillo es el primer material en solitario de Bruno Mars en casi una década, desde el lanzamiento de su monumental álbum de 2016, 24K Magic, que arrasó en los Premios Grammy.

El lanzamiento llega justo después de que Mars anunciara su masiva gira mundial de estadios, “The Romantic Tour”, que lo llevará por todo el mundo a partir de abril. Con un nuevo himno del funk ya sonando en la radio, todo está listo para que el 2026 sea, una vez más, el año de Bruno Mars.

La casa de la infancia de David Bowie será restaurada y abierta al público

La casa donde un joven David Jones soñó con convertirse en David Bowie será preservada y abierta al público. La organización benéfica Heritage of London Trust ha anunciado, en el día que habría sido el 79 cumpleaños del artista, que ha adquirido la propiedad para transformarla en un centro de inspiración para nuevas generaciones.

La modesta casa adosada, ubicada en el 4 de Plaistow Grove en Bromley, al sur de Londres, fue el hogar de Bowie entre los 8 y los 20 años (de 1955 a 1967). El proyecto, que se espera esté completado para finales de 2027, planea recrear el interior exactamente como era cuando el futuro “Starman” vivía allí.

Sin embargo, no será un museo estático. El objetivo principal es utilizar el espacio para impartir talleres creativos y de habilidades para jóvenes, sirviendo como una “base sólida para la próxima generación”.

El dormitorio que fue su “universo entero”

Geoffrey Marsh, co-curador de la aclamada exposición David Bowie Is, está colaborando en el proyecto y destacó la importancia del lugar en la formación del artista. “Fue en esta pequeña casa, particularmente en su diminuto dormitorio, donde Bowie evolucionó de un colegial suburbano ordinario a los inicios de un extraordinario estrellato internacional”, afirmó.

Marsh compartió una cita del propio Bowie que ilustra la importancia de ese espacio: “Pasé mucho tiempo en mi dormitorio. Realmente era mi universo entero. Tenía libros allí, mi música allí, mi tocadiscos. Para salir del mundo de mi habitación a la calle, tenía que pasar por esa tierra de nadie que era la sala de estar”.

El proyecto ya ha recibido un importante impulso con una donación de £500,000 (aproximadamente 11.2 millones de pesos) de la Jones Day Foundation.El anuncio llega en un momento de múltiples conmemoraciones para el artista, a solo dos días del décimo aniversario de su fallecimiento y coincidiendo con los 10 años de su álbum final, Blackstar. Para marcar su cumpleaños, su viuda, Iman, y su hija, Lexi, compartieron emotivos tributos en sus redes sociales, demostrando que su legado sigue más vivo que nunca.