“Hit Me with Your Best Shot”: la canción que consagró a Pat Benatar y por qué decidió dejar de cantarla

En el otoño de 1980, la compañía discográfica Chrysalis Records publicó Hit Me with Your Best Shot*, el segundo sencillo del álbum *Crimes of Passion de Pat Benatar. La canción fue escrita por el compositor canadiense Eddie Schwartz, quien concibió la frase central y la estructura melódica tras participar en un seminario terapéutico en Toronto donde se utilizaban almohadas para liberar tensiones físicas y emocionales. 

Al escuchar la maqueta preliminar de Schwartz, el guitarrista y director musical Neil Giraldo reestructuró la pista para dotarla de un enfoque de hard rock directo. Giraldo añadió un riff de apertura enérgico y un solo melódico conciso, articulando la batería de Myron Grombacher con la producción técnica del ingeniero estadounidense Keith Olsen en los estudios Sound City de Los Ángeles. 

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El primer ingreso al Top 10 de Billboard y el éxito de Crimes of Passion 

La potencia vocal de Benatar, formada previamente en la ópera clásica y el teatro musical, aportó una actitud desafiante que convirtió la metáfora del cuadrilátero en un himno de resistencia sentimental. El sencillo escaló hasta la novena posición del Billboard Hot 100 a finales de 1980, marcando el primer ingreso de la cantante neoyorquina dentro de las diez canciones más vendidas de Estados Unidos. 

La repercusión radial del corte impulsó las ventas de Crimes of Passion, producción que alcanzó el segundo casillero del Billboard 200 y superó los cuatro millones de ejemplares despachados en Norteamérica. Dicho desempeño comercial le valió a Benatar su primer premio Grammy en 1981 en la categoría de Mejor Interpretación Vocal de Rock Femenina. 

El retiro del tema de sus conciertos y su legado cultural 

A pesar de consolidarse durante décadas como la pieza más solicitada por su audiencia en eventos masivos, Benatar decidió retirar la canción de sus recitales en 2022. La intérprete explicó que tomó la determinación en señal de respeto hacia los familiares y víctimas de los tiroteos masivos en Estados Unidos, señalando la imposibilidad ética de pronunciar el título sobre el escenario con un tono festivo. 

Con certificaciones de disco de Platino por la RIAA e ingresos regulares en bandas sonoras cinematográficas y videojuegos, la grabación de 1980 consolidó la presencia femenina en la radio de rock de estadios. A más de cuatro décadas de su edición original, “Hit Me with Your Best Shot” permanece como la obra que definió la proyección internacional de Pat Benatar. 

Cómo David Lee Roth convirtió a Van Halen en un fenómeno de estadio

A comienzos de la década de 1970 en Pasadena, California, los hermanos Eddie y Alex Van Halen alquilaban un sistema de amplificación sonora por diez dólares por noche a un joven cantante local llamado David Lee Roth. Para evitar los costos recurrentes de renta del equipo, los músicos incorporaron a Roth como vocalista principal de su proyecto, que en aquel momento operaba bajo el nombre de Mammoth. 

Fue el propio cantante quien sugirió formalmente rebautizar el conjunto con el apellido familiar de los hermanos fundadores, argumentando que poseía una sonoridad potente similar a Santana. Durante su residencia en clubes nocturnos del Sunset Strip como Gazzarri’s, Roth desarrolló una rutina escénica inspirada en el vodevil, la comedia física estadounidense y las artes marciales. 

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El contraste entre la técnica de Eddie y la teatralidad escénica 

La dinámica en directo del cuarteto se estructuró a partir de dos polos complementarios sobre el escenario. Mientras Eddie Van Halen concentraba la atención técnica mediante innovaciones de guitarra como el tapping y el uso del trémolo, Roth asumía el rol de maestro de ceremonias, ejecutando saltos con patadas en el aire desde la tarima de batería y monólogos cómicos dirigidos al público. 

En el plano vocal y lírico, el cantante aportó gritos agudos característicos y letras enfocadas en el ocio juvenil y las fiestas californianas en cortes como “Ain’t Talkin’ ‘bout Love” y “Dance the Night Away”. Esta fórmula visual y auditiva aseguró su primer contrato con Warner Bros. Records en 1977 tras ser observados por el productor Ted Templeman y Gene Simmons de Kiss. 

La era dorada de MTV y la separación de 1985 

La consolidación de esta faceta teatral alcanzó su punto culminante en 1984 con el despegue de la cadena MTV. Los videoclips promocionales de “Jump”, “Panama” y “Hot for Teacher” mostraron la personalidad histriónica y coreográfica de Roth, impulsando al álbum 1984 a vender más de diez millones de copias certificadas con estatus de disco de Diamante en Estados Unidos. 

Las crecientes diferencias creativas sobre el uso de sintetizadores y el rumbo de la banda derivaron en la salida de Roth en abril de 1985 para emprender su trayectoria solista con el álbum Eat ‘Em and Smile. Pese a los cambios de vocalista posteriores con Sammy Hagar y Gary Cherone, los primeros seis álbumes grabados con “Diamond Dave” permanecen como el periodo fundacional de la imagen pública de Van Halen. 

Por qué Richie Sambora dejó Bon Jovi: la historia de la ruptura que cambió a la banda 

El 2 de abril de 2013, horas antes de iniciar una presentación en Calgary, Canadá, el guitarrista Richie Sambora abandonó sorpresivamente la gira Because We Can Tour de Bon Jovi. Jon Bon Jovi comunicó la ausencia a la audiencia desde el escenario aludiendo a razones personales no especificadas, recurriendo de urgencia al músico de sesión Phil X para asumir las partes de guitarra solista en el resto de los recitales programados. 

La salida repentina concluyó de forma abrupta una sociedad compositiva de treinta años que había dado origen a piezas como “Livin’ on a Prayer”, “Wanted Dead or Alive” e “It’s My Life”. Aunque versiones de prensa especularon sobre disputas financieras o enfrentamientos directos, ambos protagonistas aclararon posteriormente que la desvinculación se gestó sin una discusión verbal explícita entre las partes. 

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Motivos familiares, desgaste físico y declaraciones cruzadas 

En entrevistas posteriores y en la serie documental Thank You, Goodnight: The Bon Jovi Story, Sambora explicó que su prioridad era atender la crianza de su hija adolescente Ava y desintoxicarse tras tres décadas continuas de giras internacionales. El instrumentista argumentó que el calendario exhaustivo de conciertos resultaba incompatible con su vida familiar tras enfrentar problemas de adicción a finales de la década del 2000. 

Por su parte, Jon Bon Jovi admitió haber resentido la forma en que ocurrió el abandono del puesto sin previo aviso al equipo técnico y a los seguidores con boletos adquiridos. Pese a las declaraciones públicas divergentes, el vocalista ratificó de manera formal a Phil X como integrante oficial en 2016 para la grabación del álbum This House Is Not for Sale, consolidando la reestructuración de la alineación. 

El reencuentro en el Salón de la Fama y la relación actual 

La única reunión pública de la dupla ocurrió el 14 de abril de 2018 en Cleveland, Ohio, durante la ceremonia de inducción de Bon Jovi al Salón de la Fama del Rock and Roll. En aquella velada, Sambora subió al escenario para interpretar las cuatro canciones del repertorio conmemorativo junto a sus antiguos compañeros, compartiendo micrófonos sin confirmar un regreso permanente a las actividades de estudio. 

Más de una década después de aquella noche en Canadá, ambos músicos mantienen un contacto intermitente pero distante, descartando proyectos conjuntos a corto plazo mientras Jon Bon Jovi atiende procesos de rehabilitación vocal. La separación de Sambora permanece como el cambio estructural más relevante en la trayectoria de Bon Jovi tras consolidar ventas superiores a 130 millones de discos a escala global. 

Cómo Eddie Van Halen grabó el solo de “Beat It” sin cobrar un centavo

En el verano de 1982, el productor discográfico Quincy Jones contactó telefónicamente a Eddie Van Halen para invitarlo a colaborar en el álbum Thriller de Michael Jackson. Al atender la llamada, el guitarrista creyó que se trataba de una broma pesada de un desconocido e insultó al interlocutor en dos ocasiones antes de que Jones lograra acreditar su identidad formal ante la bocina. 

Aprovechando que sus compañeros de banda se encontraban fuera de Los Ángeles, Van Halen aceptó acudir a las sesiones sin consultar al vocalista David Lee Roth, quien mantenía una estricta política interna contra las colaboraciones individuales externas. El músico asistió a los estudios con su ingeniero de confianza, Donn Landee, para revisar la pista base de “Beat It”. 

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Modificación de la cinta original y la respuesta de Michael Jackson 

Tras escuchar la maqueta preliminar con los arreglos de Steve Lukather y Jeff Porcaro, Van Halen solicitó autorización para reestructurar la sección intermedia donde debía ingresar la guitarra. Junto a Landee, cortó y empalmó físicamente la cinta analógica para alterar la progresión armónica y abrir espacio a un pasaje solista de mayor extensión técnica. 

Al llegar al estudio, Jackson escuchó las modificaciones introducidas a la mezcla y aprobó de inmediato los cambios estructurales, agradeciendo la iniciativa del instrumentista por elevar la dinámica del tema. En apenas veinte minutos, el guitarrista grabó dos tomas improvisadas con su Frankenstrat, provocando incluso que uno de los monitores de audio del estudio comenzara a emitir humo por la sobrecarga. 

Ausencia de pago y el impacto global en Billboard 

A pesar del potencial comercial del lanzamiento, Van Halen declinó recibir pagos de honorarios o regalías por su participación, aceptando únicamente dos cajas de cerveza y una mención de agradecimiento informal. El guitarrista argumentó que consideraba la grabación como un simple favor entre colegas, buscando además evitar disputas contractuales con su propio sello discográfico, Warner Bros. Records. 

Lanzada en febrero de 1983 como tercer corte de Thriller, “Beat It” escaló hasta la primera posición del Billboard Hot 100 y obtuvo dos premios Grammy, consolidando el cruce entre el público del rock de radio y el pop bailable. Cuatro décadas después de aquella sesión en California, la pista permanece como una de las intervenciones solistas más reproducidas y estudiadas en la historia de la música grabada. 

¿Use Your Illusion II era realmente el mejor de los dos discos?

En 1991, el sello Geffen Records coordinó el lanzamiento simultáneo de Use Your Illusion I y Use Your Illusion II de Guns N’ Roses. En su primera semana en las tiendas de discos de Estados Unidos, la segunda entrega se impuso comercialmente al debutar en la primera posición del Billboard 200 con 770 mil copias vendidas, mientras que la primera placa se posicionó en el segundo casillero con 685 mil unidades. 

La ventaja inicial de Use Your Illusion II derivó en gran medida del arrastre previo de “You Could Be Mine”, corte promocional lanzado en junio de aquel año como tema principal del largometraje Terminator 2: Judgment Day. Además, el repertorio integró piezas ya familiares para el público como la versión de “Knockin’ on Heaven’s Door” de Bob Dylan y el corte pacifista “Civil War”. 

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Diferencias sonoras y el peso de las composiciones extensas 

En el plano compositivo, la crítica especializada distinguió perfiles temáticos contrastantes entre ambos volúmenes. Mientras el primer disco conservó la agresividad directa del hard rock tradicional en temas como “Right Next Door to Hell” y “Perfect Crime”, el segundo volumen exploró narrativas de corte sociopolítico y arreglos experimentales en piezas como “Locomotive” y “Breakdown”. 

La confrontación estética se concentró en sus dos obras de mayor duración instrumental. Use Your Illusion I cimentó su recepción en la orquestación y el solo de guitarra de “November Rain”, mientras que Use Your Illusion II presentó “Estranged”, composición de más de nueve minutos estructurada por Axl Rose y Slash a partir de transiciones de piano y guitarras melódicas sin estribillo fijo. 

Recepción crítica y el balance final de ventas 

La inclusión de temas controversiales como “Get in the Ring”, donde Rose atacó nominalmente a editores y periodistas de revistas musicales, generó discrepancias entre los cronistas de la época. Sin embargo, analistas discográficos destacaron la aportación de Izzy Stradlin como vocalista principal en “14 Years” y el balance armónico aportado por los teclados de Dizzy Reed. 

A largo plazo, el comportamiento en el mercado equiparó el desempeño de ambas producciones, obteniendo cada una la certificación séxtuple de Platino por la RIAA al rebasar siete millones de copias en Estados Unidos. Tres décadas y media después de su llegada a los anaqueles, la preferencia entre ambos álbumes permanece dividida entre la inmediatez guitarrera del primer tomo y la complejidad lírica del segundo. 

Retro Active: el disco de Def Leppard que reunió canciones que habían quedado en el camino

Publicado el 5 de octubre de 1993 bajo el sello Mercury Records, Retro Active representó un proyecto de archivo para Def Leppard. Tras completar la extensa gira del álbum Adrenalize, el quinteto británico decidió reunir lados B, pistas descartadas y maquetas acumuladas entre 1984 y 1993, buscando ofrecer material a sus seguidores sin someterse a los prolongados periodos de grabación que caracterizaban sus obras previas. 

El detonante del lanzamiento ocurrió durante el verano de 1993, cuando la versión acústica de “Two Steps Behind” fue incluida en la banda sonora de Last Action Hero, película protagonizada por Arnold Schwarzenegger. El impacto del tema en las estaciones de radio impulsó a Joe Elliott y Phil Collen a entrar a los estudios Wisseloord de Hilversum y Bow Lane de Dublín para completar las piezas restantes. 

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El homenaje póstumo a Steve Clark y el debut de Vivian Campbell 

El material discográfico reunió por única ocasión grabaciones de tres guitarristas clave en la historia del grupo. La producción integró tomas de guitarra póstumas de Steve Clark en cortes como “Fractured Love” y “Desert Song”, esta última rescatada de las sesiones originales de Hysteria (1987), donde Elliott registró la pista vocal definitiva años después de que fuera compuesta como un borrador instrumental. 

Al mismo tiempo, el disco significó la primera aparición formal en un álbum de estudio para Vivian Campbell, quien se había incorporado a la formación en 1992 tras el fallecimiento de Clark. Campbell registró guitarras acústicas y coros en las nuevas mezclas de “Miss You in a Heartbeat”, balada que ingresó al Top 40 del Billboard Hot 100 junto a “Two Steps Behind”. 

La portada de Charles Allan Gilbert y balance comercial 

La identidad gráfica del empaque se basó en la ilustración victoriana All Is Vanity de Charles Allan Gilbert, creando una ilusión óptica donde una mujer frente a un tocador dibuja un cráneo humano. Esta imagen ilustró un repertorio que también incluyó una versión de “Action”, corte original de Sweet, y una relectura de “Ride into the Sun”, pieza perteneciente a su primer EP independiente de 1979. 

En términos comerciales, la placa discográfica ingresó en el sexto puesto del UK Albums Chart en el Reino Unido y en el noveno escalafón del Billboard 200 en Estados Unidos, obteniendo la certificación de disco de Platino por la RIAA. A más de tres décadas de su edición, Retro Active permanece como el documento que cerró la etapa de producción clásica de Def Leppard a comienzos de los años noventa. 

“Welcome to the Jungle”: la historia detrás de la canción que presentó a Guns N’ Roses al mundo

Registrada como el corte de apertura del álbum debut Appetite for Destruction (1987), la canción “Welcome to the Jungle” de Guns N’ Roses sintetizó el entorno urbano y las asperezas de la vida callejera en Los Ángeles. La base instrumental surgió a partir de una secuencia de guitarra estructurada por Slash en el sótano de su casa materna antes de consolidarse en un ensayo conjunto con el bajista Duff McKagan. 

La letra fue escrita por Axl Rose durante una estancia en Seattle, inspirada en una advertencia callejera recibida años atrás al llegar a la estación de autobuses de Nueva York. Aquella frase, pronunciada por un transeúnte local con las palabras “You’re in the jungle, baby; you’re gonna die”, proveyó el concepto central sobre los contrastes y hostilidades que presentaban las grandes urbes estadounidenses. 

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El proceso de grabación en estudio quedó a cargo del productor Mike Clink en las instalaciones de Rumbo Recorders en Canoga Park, California. Clink utilizó capas de guitarras distorsionadas tocadas por Slash e Izzy Stradlin para generar un efecto de eco creciente, complementado por el patrón rítmico percusivo aportado por el baterista Steven Adler. 

La difusión audiovisual del tema dependió de una gestión directa de David Geffen, fundador del sello discográfico, quien negoció con la cadena MTV la transmisión de su videoclip oficial un domingo a las cuatro de la madrugada. El material, dirigido por Nigel Dick, generó una alta demanda de llamadas de televidentes que forzó su programación continua en horarios estelares. 

Aunque debutó en las listas británicas a finales de 1987, el tema detonó su impacto comercial en Estados Unidos al año siguiente tras el éxito masivo de “Sweet Child o’ Mine”. Relanzado como sencillo en territorio norteamericano, el corte alcanzó la posición número 7 en el Billboard Hot 100 en diciembre de 1988, acumulando desde entonces certificaciones multiplatino de la RIAA. 

A lo largo de las décadas, la pieza trascendió el catálogo del hard rock para integrarse en bandas sonoras de producciones cinematográficas y transmisiones de ligas deportivas como la NFL. Tras casi cuarenta años de su lanzamiento, la pista permanece como la introducción habitual de Guns N’ Roses en sus presentaciones de estadios internacionales. 

VAN HALEN REVIVE SU ETAPA CON SAMMY HAGAR EN “THE COLLECTION II”

La etapa de Van Halen con Sammy Hagar vuelve a cobrar protagonismo con “The Collection II”, una nueva caja recopilatoria que reúne los cuatro álbumes de estudio que la banda lanzó durante esta segunda etapa, además de una selección de rarezas grabadas entre 1989 y 2004.

El material incluye versiones recientemente remasterizadas de “5150” (1986), “OU812” (1988), “For Unlawful Carnal Knowledge” (1991) y “Balance” (1995). Los cuatro álbumes alcanzaron consecutivamente el número uno del Billboard 200, convirtiendo a la era de Sammy Hagar en uno de los periodos más exitosos en la historia de Van Halen.

Esta etapa comenzó con “5150”, el primer disco de Van Halen con Hagar como vocalista. El álbum fue seis veces platino en Estados Unidos y produjo clásicos como “Dreams”, “Love Walks In” y “Why Can’t This Be Love”. Dos años después llegó “OU812”, cuatro veces platino, con éxitos como “Finish What Ya Started” y “When It’s Love”.

En 1991, “For Unlawful Carnal Knowledge” debutó también en el número uno y permaneció tres semanas en esa posición. El álbum le dio a Van Halen su primer Grammy en la categoría de Hard Rock/Heavy Metal y produjo canciones como “Poundcake”, “Top Of The World” y “Right Now”.

La etapa continuó con “Balance”, publicado en 1995 y último álbum de estudio de Van Halen con Sammy Hagar. También debutó en el número uno, superó los tres millones de copias vendidas y recibió una nominación al Grammy por “The Seventh Seal”.

“The Collection II” concluye con “Studio Rarities 1989-2004”, una colección de ocho grabaciones que reúne lados B, temas de bandas sonoras y material que había aparecido anteriormente en distintas ediciones.

Entre las rarezas se encuentran “Crossing Over”, lado B de “Can’t Stop Lovin’ You”; la versión de “A Apolitical Blues” de Little Feat; el instrumental “Baluchitherium”; y “Humans Being” y “Respect The Wind”, temas incluidos en la banda sonora de “Twister”.

También aparecen “It’s About Time”, “Up For Breakfast” y “Learning To See”, canciones grabadas durante la reunión de Van Halen con Sammy Hagar en 2004.

Todo el material fue masterizado directamente de las cintas maestras originales bajo la supervisión de Donn Landee, ingeniero que trabajó durante décadas con la banda.

“The Collection II” funciona además como continuación de “The Collection”, lanzada en 2015 y dedicada a los seis álbumes de estudio de la primera etapa de Van Halen, cuando David Lee Roth estaba al frente de la banda.

Cómo un teclado prestado dio origen a “The Final Countdown”, el clásico de los 80

El vocalista Joey Tempest creó el icónico riff de “The Final Countdown” a principios de los años ochenta sin anticipar su alcance global. Durante su etapa universitaria, el músico tomó prestado un sintetizador Korg Polysix de su compañero Mic Michaeli para experimentar con nuevos sonidos. En esa sesión nocturna construyó un bucle de teclado de un minuto de duración inspirado en el estilo de bandas como UFO e Iron Maiden. Tempest guardó la maqueta durante varios años antes de mostrarla al resto de la agrupación sueca Europe. 

Cuando el grupo preparaba su tercer álbum de estudio en 1985, el bajista John Levén sugirió desarrollar una canción completa a partir de aquel fragmento de teclado. La banda diseñó la pista con una duración superior a los cinco minutos con el objetivo exclusivo de abrir sus conciertos. El guitarrista John Norum mostró escepticismo inicial debido al protagonismo de los sintetizadores sobre las guitarras eléctricas. Sin embargo, Tempest defendió la visión del tema hasta lograr su inclusión en las sesiones de grabación. 

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El origen de The Final Countdown y su impacto en el rock de los 80 

La letra de la pieza tomó inspiración directa de la clásica composición “Space Oddity” de David Bowie. La historia relata un viaje espacial de no retorno hacia el planeta Marte, combinando el dramatismo lírico con arreglos épicos. Para la versión definitiva en el estudio, el tecladista Mic Michaeli combinó las capas de un sintetizador Roland JX-8P con un módulo Yamaha TX-816 para obtener el timbre potente del intro. La discográfica Epic Records identificó el potencial comercial de la obra y presionó para lanzarla como primer sencillo del disco en 1986. 

El lanzamiento de la pista provocó un impacto inmediato en las estaciones de radio y en las listas de éxitos de todo el mundo. El sencillo alcanzó la posición número uno en 25 países, convirtiendo a Europe en un fenómeno de la música internacional de forma instantánea. El video musical, grabado durante sus presentaciones en la ciudad de Solna, recibió rotación masiva en la cadena MTV. La melodía inicial se transformó rápidamente en un referente sonoro utilizado en eventos deportivos y producciones audiovisuales. 

El legado mundial de Europe y su himno definitivo 

La canción transformó la dinámica de la banda sueca al llevar su sonido desde el circuito del hard rock nórdico hasta los grandes estadios internacionales. A pesar de los temores iniciales sobre la recepción del público rockero, la combinación de sintetizadores y solos de guitarra definió el estilo del rock de arenas. La pista sirvió como punto de partida para una gira mundial masiva que consolidó el álbum del mismo nombre como un éxito de ventas. Décadas después, el grupo continúa utilizando la pieza como el cierre indispensable de sus presentaciones. 

La obra de Joey Tempest permanece como uno de los riffs más reconocibles en la historia de la música popular. Su influencia trascendió generaciones al ser adoptada por la cultura pop como el tema definitivo para momentos de tensión y celebración. El cantante ha señalado en diversas entrevistas que la composición superó cualquier expectativa previa de la alineación. El catálogo del conjunto conserva este himno como la demostración clara del poder creativo que puede surgir de un simple teclado prestado. 

Def Leppard lanza “Rejoice”: Escucha su nueva canción antes de la residencia en Vegas

Las leyendas británicas del hard rock, Def Leppard, han lanzado este jueves 22 de enero su nuevo sencillo titulado “Rejoice”. Este lanzamiento llega como un regalo anticipado para sus seguidores, apenas unos días antes de que la banda inicie su esperada residencia en la ciudad de Las Vegas. El tema marca el primer material original del grupo desde 2024 y promete evocar la época dorada de su sonido característico.

El regreso al sonido de Hysteria

Musicalmente, “Rejoice” ha sido descrita por la crítica y la propia banda como una pieza sólida de “arena rock”, diseñada para ser coreada por multitudes. La producción y los arreglos remiten directamente a la estética sonora de Hysteria, el álbum seminal de 1987 que catapultó a Def Leppard al estrellato global.

Para la audiencia de Stereo Cien, este sencillo representa un retorno a las raíces: guitarras procesadas, coros masivos y una base rítmica contundente. El guitarrista Phil Collen describió la canción como “hard rock para nosotros”, destacando que posee “un poco más de empuje (oomph) que las cosas que hemos estado haciendo por un tiempo”.

Un proceso creativo inverso: La letra primero

La composición de “Rejoice” siguió un camino poco convencional para el grupo. Según relató el vocalista Joe Elliott en un comunicado de prensa, la inspiración nació de la narrativa lírica antes que de la música. “Le dije a Phil [Collen] un día: ‘Tengo esta idea para una letra donde el narrador está en el fondo absoluto y quiere elevarse a un nivel superior. ¿Tienes alguna pieza musical que pueda coincidir con eso?'”, explicó Elliott.

La respuesta de Collen fue inmediata. El guitarrista ya tenía un riff y una estructura en mente que encajaban perfectamente con la visión de Elliott. “Tenía este riff, esta idea para una canción desde hace un tiempo, así que cuando Joe vino a mí, creé este loop de batería con un sonido tribal y encajó perfectamente con este otro arreglo que tenía”, detalló Collen.

El proceso se completó con la intervención del productor e ingeniero de confianza de la banda, Ronan McHugh, quien pulió el loop de batería y los sonidos para darle cohesión. “Todo comenzó a cuajar y simplemente sonó como un cántico poderoso”, añadió el guitarrista.

Residencia en el Caesars Palace

El lanzamiento de este sencillo funciona como el preludio ideal para la residencia de conciertos que la banda ofrecerá en el Caesars Palace de Las Vegas. El ciclo de presentaciones comenzará el próximo martes 3 de febrero de 2026 y se extenderá hasta el 28 de febrero.Estos shows prometen ser un recorrido exhaustivo por su catálogo, celebrando casi cinco décadas de trayectoria. Con “Rejoice”, Def Leppard demuestra que, a pesar de los años, su capacidad para crear himnos de rock optimista y energético sigue intacta, ofreciendo a sus fans una nueva razón para celebrar antes de que las luces de Las Vegas se enciendan.