De su estatura en las películas de The Beatles a Bob Dylan: las revelaciones de Paul McCartney con Amy Poehler 

Durante una conversación de más de una hora en el programa digital Good Hang with Amy Poehler, Paul McCartney abordó aspectos íntimos de su vida personal y su trayectoria artística. Acompañado en un segmento por su hija Stella McCartney, el compositor británico compartió recuerdos sobre su primera esposa, Linda McCartney, detallando su estricto compromiso con el vegetarianismo y su compasión hacia los animales en su entorno familiar. 

En el plano profesional, el músico reafirmó su admiración por sus antiguos compañeros de The Beatles, reconociéndose como un seguidor continuo del catálogo que construyó en la década de 1960. Al respecto, declaró: “Soy un fanático de The Beatles. Escucho algo que hicimos, recuerdo haberlo escrito con John y pienso: ‘Vaya, tuve mucha suerte de sentarme a escribir con alguien y que ese fuera John Lennon’”. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: La dinastía de Paul McCartney: Todo sobre los ocho nietos de la leyenda de The Beatles

Crítica a la música actual y el temor de llamar a Bob Dylan 

Al evaluar las tendencias del pop contemporáneo, McCartney ironizó sobre las coreografías breves de las redes sociales imitando los movimientos de TikTok. Aunque calificó positivamente a figuras como Billie Eilish, expresó su distanciamiento con las canciones de desamor actuales: “Muchas canciones en estos días son sobre rupturas amorosas, ¡y yo estoy casado! En aquellos tiempos, solía desear haber escrito ‘Just the Way You Are’ de Billy Joel”. 

Consultado sobre posibles colaboraciones pendientes con leyendas de su generación, el autor admitió su deseo de trabajar formalmente con Bob Dylan, aunque confesó una reticencia personal para concretar el contacto: “¡Estoy demasiado nervioso para llamarlo por teléfono!”. Asimismo, relató que suele escuchar The Beatles Channel en la radio satelital de su automóvil, admitiendo con humor que en ocasiones no logra recordar títulos específicos de temas secundarios que él mismo grabó. 

 El reclamo a Sam Mendes por su estatura en el cine 

Uno de los momentos más comentados de la entrevista se centró en la representación física de su persona en las próximas películas biográficas dirigidas por Sam Mendes. McCartney manifestó su inconformidad con la escala de altura que el cine ha mostrado históricamente entre él y John Lennon, recordando que en la cinta Nowhere Boy (2009) lo presentaron erróneamente más bajo y débil físicamente frente a su compañero. 

El músico relató que tras revisar una fotografía del rodaje recreando el cruce peatonal de Abbey Road con el actor Paul Mescal interpretándolo, le escribió directamente al director: “Le envié un mensaje de texto a Sam: ‘¡No hagas esto! Dijiste que no lo harías’”. El cineasta británico le aseguró que la discrepancia visual respondía únicamente a la postura del paso al caminar y le envió posteriormente una captura rectificada donde ambos lucen con la misma altura. 

Yesterday: la canción grabada por un solo Beatle que llegó al número uno de Billboard

En octubre de 1965, la balada “Yesterday” de The Beatles alcanzó el primer lugar en el listado Billboard Hot 100 de Estados Unidos, posición en la que permaneció durante cuatro semanas consecutivas. La melodía surgió en la mente de Paul McCartney durante un sueño en la residencia de la familia Asher en Londres, quien utilizó la letra provisional “Scrambled Eggs” mientras corroboraba que no se tratara de una composición ajena preexistente. 

Durante más de un año, McCartney mostró la estructura de acordes a diversos músicos y al productor George Martin para confirmar su originalidad. La letra definitiva fue completada durante unas vacaciones en Portugal en mayo de 1965, estructurando una reflexión sobre la pérdida y el arrepentimiento que contrastaba con las canciones de rock and roll del catálogo temprano del cuarteto. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Los managers más influyentes de la historia del rock: El poder detrás del escenario

La sesión sin la banda y el arreglo de cuarteto de cuerdas 

La grabación se realizó el 14 de junio de 1965 en los estudios de Abbey Road, marcando la primera ocasión en que un solo integrante de The Beatles grabó una pista oficial. Con John Lennon, George Harrison y Ringo Starr ausentes de la instrumentación, McCartney registró su voz y una guitarra acústica Epiphone Texan, complementadas por un cuarteto de cuerdas clásico sugerido y arreglado por George Martin. 

La naturaleza acústica de la pieza generó reticencias inmediatas dentro del conjunto británico, cuyos miembros consideraron que una balada de cámara no correspondía a su imagen pública. Por este motivo, la banda vetó su lanzamiento como sencillo comercial en el Reino Unido, incluyéndola únicamente como corte secundario en la cara B del álbum Help!, editado en agosto de 1965. 

El lanzamiento de Capitol Records y el récord de versiones 

La filial estadounidense Capitol Records desatendió las reservas del grupo y publicó el tema como sencillo en septiembre de 1965 con “Act Naturally” en el lado B. El corte ascendió rápidamente en las estaciones de radio norteamericanas, desplazando a las producciones de pop bailable y despachando más de un millón de copias en sus primeras cinco semanas de circulación. 

A seis décadas de su llegada a la cima de Billboard, la obra figura en el Libro Guinness de los Récords como una de las composiciones con mayor número de versiones grabadas en la historia, superando las dos mil doscientas interpretaciones. La decisión de McCartney de prescindir de la instrumentación eléctrica abrió el camino para la experimentación orquestal de The Beatles en sus álbumes posteriores. 

5 canciones de John Lennon que marcaron su vida tras el fin de The Beatles

Con motivo del natalicio de John Lennon el 9 de octubre, el repaso de su catálogo posterior a la separación de The Beatles revela una constante búsqueda de honestidad personal. Publicada en el álbum John Lennon/Plastic Ono Band (1970), la desgarradora “Mother” inauguró esta etapa solista, utilizando técnicas de la terapia del grito primal del psicólogo Arthur Janov para procesar el abandono de sus padres durante su infancia en Liverpool. 

En ese mismo disco debut independiente apareció “God”, corte donde el compositor británico enumeró una lista de figuras religiosas, políticas y culturales en las que dejaba de creer. La frase central “I don’t believe in Beatles, I just believe in me” funcionó como la declaración definitiva con la que cortó de raíz el vínculo identitario con su pasado en el cuarteto de Liverpool. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Elton John y John Lennon: La colaboración que revivió un clásico de The Beatles

El manifiesto pacifista de Imagine y la colaboración con Elton John 

En 1971, Lennon presentó “Imagine”, corte principal de su segundo trabajo de estudio registrado en los estudios de Tittenhurst Park junto al productor Phil Spector. Inspirada en poemas del libro Grapefruit de Yoko Ono, la composición se posicionó en el número tres del Billboard Hot 100, consolidándose en las décadas posteriores como una de las piezas más difundidas en eventos humanitarios internacionales. 

Tras mudarse a Nueva York y atravesar el periodo de separación temporal conocido como el “fin de semana perdido”, el músico publicó en 1974 “Whatever Gets You Through the Night”. El tema contó con la voz y el piano de Elton John, convirtiéndose en el único sencillo en solitario que alcanzó el número uno de ventas en Estados Unidos durante la vida de Lennon. 

El retiro doméstico en el Dakota con Watching the Wheels 

La quinta pieza definitoria de su catálogo tardío fue “Watching the Wheels”, compuesta durante su retiro voluntario de cinco años de los estudios de grabación entre 1975 y 1980. La lírica respondió a las críticas de la prensa por su decisión de recluirse en el edificio Dakota de Manhattan para dedicarse por completo al cuidado de su hijo Sean. 

Lanzada póstumamente como sencillo de Double Fantasy en 1981 tras su asesinato en diciembre de 1980, la pista cerró el testimonio biográfico de un creador que antepuso la estabilidad familiar a las demandas comerciales. Cuarenta y seis años después de su última sesión de estudio, estas cinco composiciones preservan la cronología de su evolución artística individual. 

Hold the Line: el riff de piano que lanzó al estrellato a Toto en 1978 

En octubre de 1978, la discográfica Columbia Records publicó Hold the Line, el primer sencillo del álbum debut homónimo de Toto. La composición fue estructurada por el tecladista David Paich, quien concibió la progresión rítmica al piano combinando tresillos continuos de música clásica con acordes pesados de hard rock mientras ensayaba en su casa de Los Ángeles. 

Integrada por reconocidos músicos de sesión que habían grabado previamente con figuras como Steely Dan, Boz Scaggs y Sonny & Cher, la banda reunió a Jeff Porcaro en la batería, Steve Lukather en la guitarra eléctrica, Bobby Kimball en la voz principal, David Hungate en el bajo y Steve Porcaro en los sintetizadores. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: ¿Cómo un documental de televisión inspiró el mayor éxito de Toto en 1982?

El patrón de Jeff Porcaro y el rango vocal de Bobby Kimball 

La base rítmica de la pista dependió de la técnica percusiva sincopada de Jeff Porcaro, quien adaptó un compás de shuffle acelerado para sostener los cortes de guitarra distorsionada de Lukather. El solo de guitarra principal se grabó en una sola sesión de estudio, utilizando capas superpuestas de amplificadores para dotar de resonancia y ataque a la melodía. 

En el plano vocal, Bobby Kimball ejecutó líneas con un registro agudo de gran exigencia técnica para enunciar el estribillo “Hold the line, love isn’t always on time”. La frase tomó como inspiración las pausas en las llamadas telefónicas de la época combinadas con metáforas deportivas sobre mantener la resistencia frente a situaciones adversas. 

Entrada al Top 5 de Billboard y certificaciones de platino 

La respuesta comercial fue inmediata en el mercado norteamericano, escalando hasta la quinta posición del Billboard Hot 100 a comienzos de 1979 y vendiendo más de dos millones de copias físicas. En el Reino Unido, la pieza alcanzó el casillero número 14 del UK Singles Chart, consolidando la rotación del grupo en estaciones de radio de formato orientado a álbumes de rock. 

El éxito de este corte inaugural facilitó que el álbum debut de Toto alcanzara la certificación de doble disco de Platino por la RIAA y una nominación al premio Grammy como Mejor Artista Nuevo. A casi cinco décadas de su lanzamiento, “Hold the Line” permanece como la pieza que transformó a un colectivo de músicos de estudio en uno de los referentes del rock clásico de estadios. 

Brian May anuncia el fin definitivo de las giras de Queen tras 50 años de carrera

En una entrevista concedida al periódico británico The Times, Brian May confirmó que Queen no volverá a realizar giras internacionales. El guitarrista de 79 años reveló que adoptó esta determinación hace dieciocho meses tras experimentar el fallecimiento de un amigo cercano durante un recorrido por Estados Unidos, momento en el que constató la imposibilidad de abandonar temporalmente la producción para atender su vida privada. 

Respecto a las exigencias de los traslados continuos, May puntualizó: “Me encanta tocar, me encanta viajar, pero la compensación es sacrificar tu libertad. Tengo esposa, nietos y mucha astrofísica que quiero hacer, así que estoy pensando que tal vez 50 años son suficientes”, marcando una postura más concluyente que las declaraciones emitidas a comienzos de año. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: ¿Freddie Mercury escribió “Crazy Little Thing Called Love” pensando en Elvis?

El cierre del Rhapsody Tour y la colaboración con Adam Lambert 

El proyecto Queen + Adam Lambert permanece sin actividad sobre los escenarios desde la conclusión del Rhapsody Tour, cuyo recital final tuvo lugar en Tokio en febrero de 2024. Aquella fecha marcó el punto de cierre para una alianza en directo que comenzó formalmente en 2011, tras la muerte de Freddie Mercury en 1991 y el retiro del bajista John Deacon a finales de los noventa. 

Aunque el músico descartó emprender giras en foros masivos de Norteamérica o Europa, aclaró que la decisión no implica la disolución artística del proyecto ni su alejamiento definitivo de los recintos de entretenimiento. De acuerdo con el guitarrista, la prioridad actual se orienta a explorar formatos de exhibición alternativos junto al baterista Roger Taylor. 

Espectáculos inmersivos y reservas sobre la inteligencia artificial 

Entre las posibilidades técnicas que evalúa la banda figura el desarrollo de un espectáculo inmersivo inspirado en Sphere, el domo multimedia de Las Vegas. May detalló que diseñó un bosquejo de producción tras visitar dicho recinto, buscando una propuesta diferente al concepto de avatares digitales utilizado en producciones como ABBA Voyage. 

No obstante, el instrumentista manifestó reparos técnicos frente al uso de inteligencia artificial en la reconstrucción visual: “Creo que una experiencia inmersiva todavía está en las cartas y podría conquistar el tiempo y el espacio, pero actualmente no se puede hacer sin IA y tengo serias dudas sobre eso”. Con estas declaraciones, el cuarteto británico da por concluido medio siglo de giras tradicionales por estadios. 

Bajo, batería y guitarra: Sting amplía su gira en formato de trío por Norteamérica

El músico británico Sting confirmó una nueva serie de conciertos en Norteamérica bajo el concepto Sting 3.0 para el otoño de 2026. Acompañado por el guitarrista Dominic Miller y el baterista Chris Maas, el compositor iniciará su recorrido el 5 de octubre en Vancouver, sumando presentaciones en urbes como Mineápolis, San Luis, Tampa y una residencia de ocho noches en el Brooklyn Paramount de Nueva York. 

La gira incorporará como acto de apertura a Fiction Plane, proyecto encabezado por su hijo Joe Sumner. El itinerario destaca por el retorno del bajista al escenario del Théâtre St-Denis en Montreal, recinto canadiense donde ofreció su primer recital en esa ciudad al frente de The Police hace casi cinco décadas. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Sting afirma que la inteligencia artificial no es competencia para los músicos humanos

Formato sonoro de Sting 3.0 y alineación en vivo 

El formato de trío prescinde de secciones de viento y coristas para centrarse en versiones despojadas del catálogo de The Police y su trayectoria solista. La dinámica instrumental recae en los arreglos de guitarra desarrollados por Dominic Miller durante más de tres décadas de colaboración, complementados por la percusión de Chris Maas. 

Entre las piezas habituales del repertorio en directo figuran títulos históricos como “Roxanne”, “Message in a Bottle”, “Fields of Gold” e “Englishman in New York”. La reducción de la plantilla sobre el escenario replica la cadencia acústica de sus primeras etapas en clubes de rock a finales de los años setenta. 

Regalías de The Police y acuerdos financieros 

Este anuncio de presentaciones en directo sucede tras darse a conocer la resolución de pagos de derechos derivados del repertorio clásico de The Police. Documentos revelados este año confirmaron que Sting desembolsó más de 14.4 millones de pesos mexicanos en regalías a sus antiguos compañeros de banda, el baterista Stewart Copeland y el guitarrista Andy Summers. 

Dicho pago respondió a una querella legal presentada formalmente en septiembre de 2025 respecto al reparto de ingresos procedentes de reediciones y transmisiones digitales del catálogo. Tras solventar las diferencias financieras, el vocalista británico mantiene su calendario activo en arenas y auditorios internacionales durante el cierre de 2026. 

Rod Stewart anuncia su última gira internacional para 2027

El cantante británico Rod Stewart anunció de manera oficial su última gira de conciertos, programada para desarrollarse a lo largo de 2027. A través de un mensaje en video difundido en sus canales oficiales de redes sociales, el vocalista de 81 años confirmó el cierre definitivo de sus presentaciones masivas en formato de estadio y arena tanto en Norteamérica como en Europa. 

En su comparecencia audiovisual, el músico señaló textualmente: “Damas y caballeros, después de mucha deliberación y tristeza, tengo que anunciar… el próximo año será mi última gira para siempre. No me estoy retirando. Pero esta será la última gira de rock ‘n’ roll”, puntualizando su intención de mantener actividades en estudio o presentaciones en recintos de formato reducido. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Rod Stewart cancela su gira por Estados Unidos y México tras procedimiento cardíaco

Antecedentes médicos y reprogramación en Estados Unidos 

El anuncio sucede a la suspensión de su itinerario en 2026, periodo en el que Stewart canceló su residencia en Las Vegas y postergó fechas programadas en Estados Unidos debido a una intervención coronaria para la colocación de un stent en agosto. Tras completar el procedimiento médico, el intérprete reorganizó su agenda para solventar los compromisos pendientes con el público estadounidense. 

La serie de presentaciones de 2027 comenzará en marzo con cuatro fechas en ciudades estadounidenses como Savannah, Biloxi, Hollywood y St. Augustine. De forma complementaria, el cantante sumó dos recitales de cierre en el emblemático recinto al aire libre Red Rocks Amphitheatre en Morrison, Colorado, agendados para los días 2 y 3 de septiembre. 

Tramo europeo y participación de Howard Jones 

La etapa principal por territorio europeo iniciará el 23 de abril en la 3Arena de Dublín, Irlanda, concluyendo el 24 de julio en la ZAG Arena de Hannover, Alemania. El recorrido contempla recitales en foros de alta capacidad como The O2 Arena en Londres, Co-Op Live en Manchester, Uber Arena en Berlín y escenarios históricos como la Pula Arena en Croacia. 

Para las fechas agendadas en arenas del Reino Unido, la producción contará con el cantautor y tecladista de synthpop Howard Jones en calidad de acto de apertura. Con este itinerario internacional, el exintegrante de Faces y The Jeff Beck Group culminará seis décadas continuas de giras internacionales dentro del circuito del rock. 

Back to the Light: el álbum con el que Brian May inició su carrera solista tras Queen

Publicado el 28 de septiembre de 1992 bajo el sello Parlophone, Back to the Light representó el primer álbum solista de larga duración de Brian May. Las sesiones de grabación se iniciaron en 1988 en sus estudios privados de Allerton Hill, Surrey, en un periodo marcado por su separación conyugal, el fallecimiento de su padre Harold May y la posterior muerte de Freddie Mercury en noviembre de 1991. 

El proyecto implicó para el guitarrista la asunción formal del rol de vocalista principal y productor en la totalidad de las pistas, dejando atrás su desempeño exclusivo como instrumentista en Queen. Para este material, May estructuró canciones que abordaron el duelo personal y la reconstrucción anímica a través de su distintivo sonido en la guitarra Red Special. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Freddie Mercury: El perfeccionismo extremo que definió el sonido de Queen

El impacto de Driven by You y el tributo en Wembley 

El primer adelanto promocional, “Driven by You”, fue concebido originalmente para una campaña de la automotriz Ford y debutó en las listas británicas a finales de 1991, alcanzando la sexta posición del UK Singles Chart. Poco después, en abril de 1992, May presentó en directo “Too Much Love Will Kill You” ante más de 70 mil asistentes durante el concierto homenaje a Freddie Mercury en el estadio de Wembley. 

Tras dicha presentación multitudinaria, la versión en sencillo de “Too Much Love Will Kill You” escaló hasta el quinto lugar en el Reino Unido y se hizo acreedora al premio Ivor Novello a la Mejor Canción. El repertorio del disco integró además temas como “Resurrection” —pieza colaborativa con el baterista Cozy Powell— y el tema instrumental “Last Horizon”. 

Formación de The Brian May Band y giras internacionales 

Para trasladar el álbum a los escenarios mundiales, el guitarrista fundó The Brian May Band, convocando al bajista Neil Murray, al tecladista Spike Edney, al guitarrista Jamie Moses y al baterista Cozy Powell. El ensamble recorrió recintos de Norteamérica, Europa y Japón entre 1992 y 1993, participando adicionalmente como acto de apertura en las fechas de estadio del Use Your Illusion Tour de Guns N’ Roses. 

El material discográfico alcanzó el puesto número 6 en las listas británicas y obtuvo certificaciones de oro por sus volúmenes de venta física en Europa. Casi tres décadas después de su publicación original, la obra fue reeditada en 2021 dentro de la serie conmemorativa Brian May Gold Series, preservando su estatus como el debut solista que definió la carrera individual del músico británico. 

A subasta la cinta maestra del video descartado de Bruce Springsteen para “Dancing in the Dark”

La plataforma Wax Poetics abrió una subasta benéfica para ofertar la cinta maestra original en formato U-matic de tres cuartos de pulgada con la versión descartada del videoclip de “Dancing in the Dark”. El material de 18 minutos, registrado en 1984 durante la era del álbum Born in the U.S.A., contiene cuatro interpretaciones completas que nunca fueron transmitidas de manera oficial. 

La pieza perteneció durante más de cuatro décadas al archivo privado de Al Teller, expresidente de Columbia Records. El lote incluye una placa conmemorativa rubricada por Bruce Springsteen por la venta de 20 millones de copias del disco; además, el total recaudado hasta el 22 de octubre se canalizará a organizaciones dedicadas al financiamiento de programas de educación musical pública. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Bruce Springsteen: el disco que cambió para siempre su carrera

El rodaje rechazado de Jeff Stein frente a la versión de Brian De Palma 

La dirección de aquella filmación original estuvo a cargo de Jeff Stein, realizador del documental The Kids Are Alright de The Who. El planteamiento visual ubicaba a Springsteen en un entorno oscuro y austero, sin la presencia de su grupo y con una única intervención en pantalla del saxofonista de la E Street Band, Clarence Clemons, hacia el cierre de la pista. 

Al revisar el corte, Teller y el representante Jon Landau decidieron cancelarlo al considerar que el concepto visual no correspondía a la producción musical de la canción. Esta determinación derivó en la contratación inmediata del cineasta Brian De Palma, quien trasladó el rodaje al Saint Paul Civic Center de Minnesota junto a 200 extras y convocó a una entonces debutante Courteney Cox. 

Archivo histórico de estudio y planes discográficos 

Teller conservó la grabación en su archivo tras el descarte y descubrió recientemente la existencia de las tres tomas adicionales que integran la cinta. Aunque fragmentos de baja resolución circularon previamente en redes y plataformas digitales, el lote en puja representa la única copia maestra de primera generación proveniente de los archivos corporativos de la disquera. 

De forma paralela a esta subasta, Bruce Springsteen reveló que se encuentra preparando dos álbumes de estudio de manera simultánea. El cantante estadounidense confirmó la finalización de una de las grabaciones, aunque priorizará la salida de un segundo proyecto temático que marcará su primera entrega de composiciones inéditas desde el lanzamiento de Letter to You en 2020. 

Foreigner celebrará 50 años de trayectoria con un concierto en el Auditorio Nacional en 2027

Foreigner incluyó a la Ciudad de México dentro de su gira conmemorativa por medio siglo de trayectoria, confirmando una presentación en el Auditorio Nacional para el miércoles 3 de marzo de 2027 a las 21:00 horas. La fecha marcará el regreso del ensamble británico-estadounidense a los escenarios de la capital mexicana tras su reciente ingreso formal al Rock & Roll Hall of Fame. 

El proceso de boletaje contempla una fase inicial de preventa exclusiva para miembros del club de seguidores a partir del miércoles 23 de septiembre, mientras que la venta general al público abrirá el viernes 25 de septiembre a través del sistema de taquillas del inmueble y canales digitales. El recital formará parte del tramo latinoamericano de su gira internacional de aniversario. 

TAMBIÉN PUEDES LEER: Foreigner celebra 50 años: La banda extiende su gira mundial con más de 90 conciertos

Repertorio histórico y cifras de ventas globales 

El repertorio del espectáculo abarcará composiciones de alta difusión radial internacional como I Want to Know What Love Is, Waiting for a Girl Like You, Hot Blooded, Cold as Ice y Feels Like the First Time. El catálogo de la formación acumula más de 80 millones de copias vendidas a escala internacional, con más de 38 millones de unidades certificadas en el mercado discográfico de Estados Unidos. 

La lista de interpretaciones integrará piezas de rock como Urgent, Juke Box Hero y Double Vision, obras compuestas desde su fundación en Nueva York en 1976 por el guitarrista Mick Jones. El origen de su nombre respondió a la composición multinacional de sus fundadores, al contar con integrantes que resultaban extranjeros dependiendo de la ciudad en la que se presentaban. 

Ingreso al Salón de la Fama del Rock y rescates de archivo 

En 2024, la institución con sede en Cleveland formalizó la inducción de Foreigner al Rock & Roll Hall of Fame, reconociendo su impacto en el formato de rock melódico y pop rock. Para acompañar dicha distinción, los administradores del catálogo publicaron la canción inédita Turning Back The Time, corte registrado originalmente durante sesiones de grabación en 1996. 

La presentación programada en el recinto de Paseo de la Reforma reunirá cinco décadas de grabaciones de estudio en una sola velada de concierto. Con este espectáculo en la Ciudad de México, el conjunto refrenda la vigencia de su repertorio ante audiencias de diversas generaciones en foros de gran capacidad.