En los premios People’s Choice Awards de este año, Shania Twain recibió el premio al ícono de la música. “¿Estoy soñando? Muchas gracias por otorgarme este premio y destacar mi trabajo por tener un impacto significativo”, dijo al aceptar su premio de manos del presentador Billy Porter. “No sé si eso es lo correcto para decir, pero siempre es mi deseo inspirar a la gente con mi música. Siempre extraño a mi madre en estos momentos de mi vida. Le hubiera encantado ver a su pequeña vivir este momento en este momento. Pero mis fans, mis amigos, mi equipo, ustedes son los que realmente llenan ese espacio… Pero estás aquí conmigo, estás celebrando, estamos celebrando juntos, y me has hecho sentir amado y especial durante toda mi vida laboral. Siempre te estaré agradecida por eso”.
Twain, también subió al escenario en la entrega de premios para interpretar una mezcla de sus grandes éxitos, incluida su nueva canción “Waking Up Dreaming”, que se incluirá en su próximo álbum de 2023, Queen of Me. La cantante anunció el álbum en octubre. Además, la reina del country pop se embarcará en una gira mundial.
Iggy Pop ha dicho que nunca volverá al escenario debido a que ahora está “demasiado viejo”. El ícono de la música habló con la revista inglesa NME y dijo que ya no es viable como un hombre de 75 años.
Pop confirmó que no se lanzará desde el escenario: “Dejé el proscenio varias veces si la multitud era demasiado aburrida para animarlos, pero la mayoría de las veces no tuve que hacerlo. No volveré a hacer las inmersiones, me las he arreglado para sobrevivir en su mayor parte y estoy demasiado desvencijado para eso ahora”.
También habló sobre Taylor Hawkins elogiando el “estilo increíble” y el “color” que el difunto baterista de Foo Fighters aportó a su próximo álbum, ‘Every Loser’: “Taylor llegó con un estilo increíble”, recordó el artista. Pop elogió a los numerosos músicos que contribuyeron al nuevo disco, que saldrá el 6 de enero de 2023, incluidos Chad Smith de Red Hot Chili Peppers y el exguitarrista Josh Klinghoffer, el bajista de Guns N’ Roses Duff McKagan, Travis Barker de Blink 182, Pearl El guitarrista de Jam Stone Gossard y Dave Navarro y Eric Avery de Jane’s Addiction.
Un conjunto de estrellas llamado Band Aid lanzó el clásico navideño instantáneo “Do they know it’s christmas?” en diciembre de 1984. La sesión de grabación tuvo lugar solo una semana antes del lanzamiento del sencillo benéfico y fue organizada por el cantante de Boomtown Rats Bob Geldof y Midge Ure de Ultravox. Coescribieron la canción y también estuvieron entre los 37 artistas que actuaron.
Otros colaboradores incluyeron a Bono y Adam Clayton de U2, Sting, Phil Collins, Duran Duran, George Michael y Boy George. Impresionantemente, la influencia de la celebridad continuó en el lado B del sencillo, ya que Paul McCartney y David Bowie grabaron mensajes hablados para el proyecto.
“Do they know it’s christmas?” se convirtió en el sencillo más vendido en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido, antes de ser finalmente superado por “Candle in the Wind 1997” de Elton John. Se vendieron millones de copias en todo el mundo, con un estimado de $ 24 millones de dólares recaudados para combatir la hambruna en Etiopía. A menudo, los críticos la descartan y la critican por iniciar la moda de los sencillos benéficos de celebridades, pero la canción sigue siendo un elemento básico.
Para algunos participantes, “Do they know it’s christmas?” fue solo otro punto culminante en su larga e impresionante carrera. Para otros, fue el último momento en el centro de atención musical antes de que las cosas se derrumbaran. A continuación, te contamos qué fue de algunos de los artistas que aparecen en este emblemático tema:
Bono (U2)
U2 todavía estaba en ascenso cuando Bono y Adam Clayton contribuyeron a “Do They Know It’s Christmas?” Lanzaron The Joshua Tree tres años después de este sencillo benéfico, anunciando triunfalmente su llegada como la banda más grande del mundo. U2 continuó lanzando música y haciendo giras en las décadas siguientes, vendiendo más de 175 millones de álbumes. Fuera de la música, Bono también hizo del trabajo humanitario un componente clave de su vida. Puso su considerable celebridad detrás de causas como Amnistía Internacional, la investigación del SIDA, los esfuerzos de ayuda en África y, más recientemente, reuniendo apoyo para Ucrania en su guerra con Rusia. Las memorias de Bono Surrender: 40 Songs, One Story llegaron en 2022 y se estructuraron en torno a canciones de toda su carrera.
Adán Clayton (U2)
Al igual que Bono, Adam Clayton continuó ininterrumpidamente como miembro de U2. Fuera del grupo, trabajó con muchos otros artistas a lo largo de los años, incluidos Robbie Robertson y Steve Van Zandt. Clayton y su compañero de banda de U2, Larry Mullen, grabaron una nueva versión del tema de Mission: Impossible en 1996 para la película del mismo nombre. La canción alcanzó el puesto número 7 en el Billboard Hot 100, obteniendo dos nominaciones al Grammy. Más recientemente, Clayton lanzó Team Adam, una organización dedicada a ayudar a los músicos a recuperarse de la adicción. Se convirtió en padre en el 2017, cuando Clayton y su esposa Mariana le dieron la bienvenida al mundo a su hija Alba.
Phil Collins
Para 1984, Phil Collins se había establecido como la voz de Genesis y como un prolífico artista solista. Lanzó No Jacket Required aproximadamente dos meses después de participar en “Do They Know It’s Christmas?” y el tercer álbum en solitario de gran éxito de Collins alcanzó el estado de ventas de diamante. Disfrutó de las alturas duales de una carrera en solitario y al frente de una de las bandas más populares del mundo durante los años 80 y 90. Luego reclamó un Premio de la Academia en 1999, llevándose a casa un trofeo a la Mejor Canción Original por “You’ll Be in My Heart” de Tarzán. Los problemas de salud comenzaron a afectar a Collins en la década de 2000, incluidas las infecciones virales, la pérdida temporal de sensibilidad en las manos, la depresión, la adicción al alcohol y la diabetes. Su regreso tardío a la actuación incluyó la gira en solitario con el nombre travieso “Not Dead Yet” en 2017, y una serie de fechas de despedida con Genesis a partir de 2021.
Sting (The Police)
Sting todavía era miembro de The Police en 1984, pero la escritura estaba en la pared. Cantó en “Do they know it’s christmas?” sin los demás, mientras preparaba su álbum debut en solitario, The Dream of the Blue Turtles. Stewart Copeland y Andy Summers también buscaban proyectos externos. La ruptura de The Police finalmente se hizo oficial en 1986, y la estrella solista de Sting brillaría intensamente en unos 15 álbumes. Ha ganado casi una docena de premios Grammy individuales, ha sido honrado por los gobiernos de Estados Unidos y el Reino Unido, lanzó un musical de Broadway y continuó su gira por todo el mundo.
George Michael
George Michael todavía era miembro de Wham! cuando participó en la canción y saldría como artista en solitario tres años más tarde gracias a la fuerza de Faith. El LP vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo, generó cuatro sencillos No. 1 y se llevó a casa Álbum del Año en los Grammy. Desafortunadamente, la carrera de Michael no estuvo a la altura de las elevadas expectativas establecidas por Faith, y luchó contra el abuso de sustancias durante muchos años. Michael murió a la edad de 53 años el día de Navidad de 2016.
Bob Geldof
El líder de Boomtown Rats, Bob Geldoff, cofundó Band Aid y fue una de las fuerzas impulsoras detrás del tema. El éxito del sencillo benéfico inspiró a Geldof a continuar impactando positivamente al mundo a través de varios esfuerzos musicales. Eso condujo a Live Aid, el evento mundial de conciertos sin precedentes en 1985. Décadas más tarde, Geldof lanzó Live 8, con 10 conciertos en todo el mundo para ayudar a recaudar fondos para quienes luchan en África. Más recientemente, Geldof organizó y actuó en el evento benéfico Night for Ukraine. De alguna manera, también encontró tiempo para grabar, lanzando un puñado de álbumes en solitario después de “Do They Know It’s Christmas?”
Simon Le Bon, Nick Rhodes, Andy Taylor, John Taylor, Roger Taylor (Duran Duran)
Duran Duran estaban en la cima del mundo en el momento del lanzamiento de la canción. El segundo álbum de la banda, Rio de 1982, había sido un éxito rotundo, generando las exitosas canciones “Hungry Like the Wolf” y “Rio”. Seven and the Ragged Tiger mantuvieron los buenos tiempos en 1983, cuando “Union of the Snake”, “New Moon on Monday” y “The Reflex” se convirtieron en éxitos Top 10. Duran Duran continuó como una de las bandas más grandes de los 80, tocando para llenar estadios en todo el mundo y vender millones de discos. El teclista Nick Rhodes es el único miembro continuo desde la formación de la banda en 1978. El líder Simon Le Bon, quien se unió en 1980, también ha lanzado trabajos en solitario ocasionales y ha hecho varias apariciones especiales. El bajista John Taylor partió en 1997 para seguir una carrera en solitario antes de reunirse en 2001. El baterista Roger Taylor se retiró en 1985 en busca de una vida más tranquila en la Inglaterra rural. No volvió a la música hasta 1997, inicialmente incursionando en el baile y la música electrónica antes de volver a unirse. Duran Duran en 2001. El guitarrista Andy Taylor se fue en 1986, regresó en 2001 y luego salió nuevamente en 2006. Estaba programado para unirse a Duran Duran en el escenario para su incorporación en 2022 al Salón de la Fama del Rock & Roll, pero en cambio continuó batalla contra el cáncer de próstata.
Midge Ure (Ultravox)
Compañero organizador de Geldof para la canción fue Midge Ure, líder del grupo británico de new wave Ultravox. Él coescribió y produjo la sesión, y Geldof admitió abiertamente que este proyecto de caridad nunca se habría concretado sin la participación de Ure. Trabajaron juntos muchas veces a lo largo de los años, ya que Ure también estuvo involucrado con Live Aid y Live 8. Ultravox se separó en 1987 pero volvieron a estar juntos entre 2008 y 2013. Ure formó parte de la formación reunida, que realizó una gira por Europa y lanzó un nuevo LP, Brill!ant. Su carrera en tándem en solitario continuó durante décadas con unos ocho álbumes, incluido Orchestrated de 2017.
Chris Cross (Ultravox)
Ure se mantuvo involucrado con la música y la filantropía después de la ruptura de Ultravox, mientras que el bajista Chris Cross pasó a una industria completamente nueva. Anteriormente había estudiado psicoterapia, una carrera a la que regresó después de la separación. Cross se convirtió en psicoterapeuta y consejero antes de suspender brevemente su práctica para unirse a Ultravox para su reunión.
Rick Parfitt y Francis Rossi (Status Quo)
Status Quo comenzó su gira de despedida en abril de 1984, pero la participación de Rick Parfitt y Francis Rossi en “Do They Know It’s Christmas?” mostró un vínculo musical se mantuvo. La banda terminó tocando Live Aid de 1985, reorganizando la formación y lanzando In the Army Now. Status Quo luego se mantuvo más o menos activo, incluso después de la muerte de Parfitt en 2016, quien pasó 39 años en la banda y ayudó a escribir algunas de sus canciones más conocidas. Rossi permaneció como el único miembro continuo de Status Quo. Su autobiografía I Talk Too Much llegó en 2019, el mismo año en que Status Quo lanzó el LP Backbone.
Boy George (Culture Club)
Culture Club fue uno de los grupos más grandes del pop, dirigidos por el cantante andrógino Boy George, obtuvieron una variedad de éxitos a principios de los años 80, incluidos “Do You Really Want to Hurt Me”, “I’ll Tumble 4 Ya” y “Karma Chameleon”. Sin embargo, su racha no duraría, ya que la adicción a las drogas hundió a Boy George en un lugar oscuro. Las cosas tocaron fondo en 1986 cuando el amigo músico Michael Rudetsky fue encontrado muerto de una sobredosis en la casa de Boy George. El cantante ingresó a rehabilitación y luego lanzó una carrera en solitario en los años 90. Culture Club se reunió en 1998, luego volvió a reunirse de forma intermitente durante los años siguientes. Boy George continuó teniendo problemas legales, incluido un arresto en 2007 por agresión y encarcelamiento falso de un modelo masculino, pero, sin embargo, se convirtió en un personaje habitual de los reality shows, apareciendo en The New Celebrity Apprentice, The Voice Australia y I’m a Celebrity.
Martin Kemp, John Keeble, Tony Hadley, Steve Norman y Gary Kemp (Spandau Ballet)
Spandau Ballet parecía ser el próximo acto a punto de apoderarse del mundo cuando la nueva ola estaba en su apogeo comercial a principios de los años 80. Sus dos primeros álbumes produjeron numerosos éxitos Top 10 en el Reino Unido y luego su tercero, True de 1983, conquistó América con éxito. Su canción principal alcanzó el puesto número 4 en el Billboard Hot 100 y luego “Gold” alcanzó el puesto 29. A pesar de este impulso, Spandau Ballet nunca volvió a tener éxito en las listas estadounidenses. Hicieron una pausa en 1990, solo unos meses después de lanzar Heart Like a Sky, y finalmente se separaron. El guitarrista Gary Kemp y el hermano bajista Martin Kemp se dedicaron a la actuación. El vocalista Tony Hadley se convirtió en solista y el baterista John Keeble permaneció en su banda de acompañamiento. El saxofonista Steve Norman se mudó a España y se involucró en la creciente escena de la música electrónica. Hadley, Norman y Keeble luego demandaron a Gary Kemp en 1999 por regalías no pagadas, pero el caso fue desestimado. Spandau Ballet se reunió para hacer una gira una década después y finalmente lanzó Once More, su primer álbum en 20 años. Hadley partió en 2017 para centrarse en el trabajo en solitario, y Spandau Ballet volvió a hacer una pausa.
“Heaven is a Place on Earth” de Belinda Carlisle, alcanzó el número en diciembre de 1987, y fue el sencillo más icónico de la década. Su carrera en la música había comenzado una década antes, cuando firmó como baterista de los Germs, solo para contraer mononucleosis y no poder tocar con el icónico grupo punk de Los Ángeles. No siendo alguien a quien la desgracia detenga, resurgió casi de inmediato, esta vez como vocalista y miembro fundadora de la banda seminal de mujeres The Go-Go’s en 1978.
A menudo se les recuerda como una banda de power-pop de la nueva ola, los Go-Go surgieron inicialmente de una escena mucho más arenosa. Carlisle se había criado en circunstancias difíciles en el Valle de San Fernando, al norte de Los Ángeles, y la ética sin límites del sonido punk que llegaba a Estados Unidos desde Inglaterra la atraía, al igual que al resto del grupo.
En ese entonces, ella y la guitarrista Jane Wiedlin “vivían en una comuna de punk-rock en un antiguo edificio de apartamentos en Hollywood”, tocando en lugares sórdidos y notorios como Whiskey a Go Go y Masque, dijo Carlisle a Vulture en 2021. Se destacaron como un grupo exclusivamente femenino que se abrió camino a través de una escena musical dominada por hombres. “Nos divertimos mucho; era un club de chicas”, dijo en 2021: “No se permitían chicos, no novios.”
En 1981, los Go-Go’s abrían para The Police cuando su álbum debut, Beauty and the Beat, obtuvo doble platino y encabezó las listas estadounidenses durante seis semanas. Se convirtieron en estrellas, al mismo tiempo que sirvieron de inspiración para las chicas de todo el mundo: The Go-Go’s fue la primera banda exclusivamente femenina en tener un álbum que encabezó las listas de éxitos y sigue siendo la única que escribe sus propias canciones y toca sus propios instrumentos para lograr esa hazaña.
Sin embargo, su carrera inicial se detuvo en 1985 y los Go-Go se separaron. Carlisle se embarcó en una carrera en solitario, y su primer álbum, Belinda, funcionó bien. Fue certificado oro y el primer sencillo, “Mad About You”, alcanzó el número 3 en las listas. Pero Carlisle aún no era un nombre familiar, a pesar de liderar una de las bandas más importantes de la década y lograr el éxito con el que la mayoría de los músicos solo pueden soñar.
Todo eso cambia con el lanzamiento en septiembre de 1987 de “Heaven is a Place on Earth”, el primer sencillo de su segundo álbum, Heaven on Earth. El sencillo llegó a la cima de las listas de Estados Unidos un par de meses más tarde, luego llegó a la cima de las listas de éxitos en el Reino Unido en enero y repitió la hazaña en numerosos países de todo el mundo. De repente, la canción estaba en la radio en todas partes y Carlisle protagonizaba un video musical dirigido por la actriz Diane Keaton. Todo sucedió tan rápido que se conmovió con su esposo “si era real o si estaba soñando”, dijo en la autobiografía de 2010 Lips Unsealed. “Parecía un error”.
Sin embargo, como le recordó su esposo, Carlisle estaba allí porque había trabajado duro durante años. Es evidente en la canción que la envió al estrellato. “Heaven is a Place on Earth” sigue siendo la canción característica de Carlisle, y con razón. Es uno de los mejores éxitos No. 1 de los años 80. “Heaven is a Place on Earth” ilustra cómo los mejores artistas de la época se abrieron camino a través de escenas y géneros para crear obras maestras del pop.
Aparentemente, ninguna era ha generado tantas maravillas de un solo éxito como los años 80. Muchos factores contribuyeron a la explosión. Los avances tecnológicos, especialmente los sintetizadores electrónicos, dieron a los jóvenes artistas la oportunidad de entrar en la planta baja de un sonido completamente nuevo. Los actos internacionales, especialmente los de toda Europa, se distribuyeron al mercado estadounidense más que nunca. Mientras tanto, los sellos discográficos estaban inundados de dinero, lo que resultó en que muchos artistas firmaran contratos de grabación antes de que siquiera hicieran demostraciones.
Si bien este entorno ayudó a muchas bandas nunca antes escuchadas a alcanzar el estrellato repentino, a menudo fue fugaz. A continuación, destacamos algunos one hit wonders de los años 80 y echamos un vistazo a lo que han hecho desde su breve éxito en las listas. Algunos artistas han seguido teniendo carreras largas e influyentes, incluso después de que su tiempo en el centro de atención mundial se desvaneciera. Otros decidieron cambiar completamente de trayectoria profesional, incluido un artista que luego tuvo éxito como director ejecutivo de Silicon Valley.
El éxito: “Whip It”
Devo es, sin duda, un acto influyente en la historia de la música, cuyas contribuciones van mucho más allá del éxito en las listas de éxitos. Dicho esto, es un poco sorprendente que la banda haya obtenido solo un éxito en el Top 20, “Whip It” de 1980, mientras que temas tan conocidos como “Freedom of Choice”, “Working in a Coal Mine” y “Beautiful World” no lograron llegar al Top 40 de Billboard Hot 100.
¿Dónde están ahora?
Mark Mothersbaugh ha disfrutado de una larga y exitosa carrera como compositor de cine y televisión. Sus créditos incluyen 13 años, y tres películas teatrales, para la serie animada Rugrats, así como la banda sonora de Thor: Ragnarok. El hermano y compañero de banda Bob Mothersbaugh ha colaborado con Mark en muchos de sus proyectos televisivos, incluida la carrera de Rugrats. Mientras tanto, el bajista de Devo, Gerald Casale, quien dirigió muchos de los videos musicales de su banda, se aventuró a dirigir. Ha estado detrás de la cámara para videos de Rush, Soundgarden, Foo Fighters y A Perfect Circle. El hermano de Casale, Bob, que tocaba teclados en Devo, murió en 2014 debido a una insuficiencia cardíaca. El baterista de la banda, Alan Meyers, murió el año anterior. Los miembros sobrevivientes de Devo todavía tocan juntos ocasionalmente. La banda ha sido nominada para el Salón de la Fama del Rock & Roll varias veces, pero aún no ha sido consagrada.
Cinco mujeres presentaron una demanda contra Bill Cosby alegando que el comediante se hizo pasar por mentor durante las décadas de 1980 y 1990 antes de agredirlas sexualmente, informó el portal TMZ.
En la demanda, las demandantes Lili Bernard, Eden Tirl, Jewel Gittens, Jennifer Thompson y Cindra Ladd compartieron historias similares de desequilibrios de poder y mala conducta sexual, a menudo alegando que estaban drogadas. Bernard, quien interpretó a la Sra. Minifield en un episodio de 1992 de The Cosby Show, afirma que fue drogada y agredida varias veces, y que una vez que recuperó el conocimiento encontró a Cosby asfixiándola con una almohada. Cuando amenazó con ir a la policía, dice que Cosby la empujó por un tramo de escaleras y amenazó con arruinar su carrera, asustándola hasta dejarla en silencio.
Las cinco mujeres buscan daños no especificados. Un representante de Cosby calificó la demanda de “frívola” y dijo que los acusadores están “todos sobre el dinero”. Docenas de mujeres han acusado a Cosby de agresión y conducta sexual inapropiada, y en 2018 fue declarado culpable y sentenciado a no menos de tres años de prisión por tres cargos de agresión indecente agravada. Sin embargo, la Corte Suprema de Pensilvania anuló la condena en 2021, alegando que un acuerdo con un fiscal anterior impidió que lo acusaran. A principios de este año, fue declarado culpable de agredir a una niña que entonces tenía 16 años en un tribunal civil y se le ordenó pagar 500.000 dólares.
Keanu Reeves ha descrito John Wick: Capítulo 4 como la “película más difícil” que jamás haya hecho. El actor ha estado trabajando arduamente para crear la cuarta entrega de la serie antihéroe Wick. Habiendo dado a los fanáticos una muestra de lo que le espera al asesino titular, John Wick, con un tráiler que muestra el caos cinematográfico, Reeves reveló cuánto esfuerzo ha puesto en la película.
“John Wick 4 es la película más difícil que he hecho”, dijo Reeves recientemente en una entrevista: “En términos de acción, es la película más difícil que he hecho. Pero eso es lo que lo hace bueno”. Reeves, que no es ajeno a las acrobacias debido a sus papeles protagónicos en la franquicia The Matrix, entre otras cosas, también se burló de una secuencia de acción que gira en torno al Arco del Triunfo en París. El actor describió la secuencia en particular de manera simple, diciéndole a la audiencia que era “una escena de pelea en el tráfico”.
El Capítulo 4 ve al director Chad Stahelski regresar al timón en la franquicia de acción, que se centrará en John Wick buscando un nuevo enemigo con “alianzas poderosas”. El último tráiler de la película reveló que Bill Skarsgård interpretará al nuevo director Marquis, que parece destinado a ser el principal enemigo en el camino de Wick.
Junto a Reeves y Skarsgård, el elenco está compuesto por nombres nuevos y recurrentes, incluidos Donnie Yen, Laurence Fishburne, Lance Reddick, Scott Adkins, Hiroyuki Sanada, Shamier Anderson e Ian McShane. John Wick: Capítulo 4 llegará a los cines en 24 de marzo de 2023.
Brendan Fraser dice que hablar en público sobre sus acusaciones de agresión sexual descarriló su carrera. El actor, dijo que había tenido una “angustia personal” debido al incidente. Hablando en una entrevista sobre el efecto que tuvo el asunto en su carrera, Fraser reconoció que hacer pública su acusación había “descarrilado” proyectos futuros.
Cuando se le preguntó en una nueva entrevista con Lee Cohen si había cambiado la trayectoria de su camino en la actuación, la estrella de The Whale admitió: “Bueno, sí, porque existe un sistema que se trata de poder. Y había jugado según las reglas hasta ese momento. Y sentí como, OK, ahora, de repente, me han violado. Y ha ido demasiado lejos. Y ya no soportaré esto.”
Agregó: “Me estaba causando angustia emocional, me estaba causando angustia personal”. El protagonista de Hollywood continuó explicando que el movimiento Me Too, que comenzó a surgir en Hollywood en 2017, lo ayudó a presentar sus propias acusaciones. “Hablé porque vi a muchos de mis amigos y colegas que, en ese momento, emergían valientemente para decir su verdad al poder”, dijo Fraser. “Y yo también tenía algo que decir”.
Las acusaciones de agresión sexual del actor se hicieron contra el ex presidente de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood, Philip Berk. Hizo públicas las acusaciones en 2018 en una entrevista con GQ. En ese momento dijo que su ausencia de la pantalla grande fue en parte inspirada por un supuesto encuentro que tuvo con Berk.
Fraser afirmó que Berk lo agredió sexualmente mientras salía de un almuerzo organizado por la HFPA en el Hotel Beverly Hills en 2003. Después de describir el incidente en detalle, le dijo a la publicación: “Me sentí enfermo. Me sentí como un niño pequeño. Sentí como si hubiera una bola en mi garganta. Pensé que iba a llorar. Sentí como si alguien me hubiera arrojado pintura invisible”.
Desde entonces, Berk ha respondido a las acusaciones hechas por Fraser en un comunicado publicado a través de su propio sitio web personal, afirmando: “Por supuesto que la acusación es absurda. No solo tendría que haber tenido lugar el presunto asalto en una habitación llena de gente, sino que tendría que ser un superhéroe de Marvel para lograr tal hazaña”.
Fraser está regresando a la pantalla grande y ganando muchos aplausos de la prensa y el público con The Whale, que se estrenará en el Reino Unido el 3 de febrero de 2023.
Robert Downey Jr. ha respondido a las críticas de Quentin Tarantino a Marvel, calificándolas de “pérdida de tiempo”. Se le preguntó al actor de Iron Man sobre la reciente reacción contra los principales estudios de cómics, incluido Tarantino, quien dijo que pensaba que los actores de Marvel no eran “estrellas de cine”.
“Creo que nuestras opiniones sobre estos asuntos dicen mucho sobre nosotros”, comenzó Downey Jr. al hablar sobre el debate en curso en una entrevista con Deadline. “Creo que creativamente es una pérdida de tiempo estar en guerra con nosotros mismos. Tirar piedras de una forma u otra… y he tenido mis reacciones en el pasado cuando la gente decía cosas que sentía que desacreditaban mi integridad… Dije: “¿Sabes qué? Superémoslo. Todos somos una comunidad. Hay suficiente espacio para todo.”
Quentin Tarantino, quien actualmente está promocionando su nuevo libro Cinema Speculation, afirmó recientemente que la era del cine moderno es una de “las peores en la historia de Hollywood”.
Varios instrumentos y conjuntos pertenecientes a la fallecida cantante de Fleetwood Mac, Christine McVie, se subastaron durante el fin de semana. Según lo informado por la revista Rolling Stone, la venta de ‘Fleetwood Mac: Property From the Lives and Careers of Christine McVie, John McVie, and Mick Fleetwood’ tuvo lugar en Julien’s Auctions el 3 y 4 de diciembre.
La subasta ocurrió casualmente solo unos días después de que McVie muriera a la edad de 79 años. McVie había ayudado a curar los artículos involucrados en la subasta, que incluían el maxi vestido vintage que usó en la contraportada de ‘Rumours’, que se vendió por $ 56,250 dólares.
Por otra parte, la subasta incluyó el vestido hippie de lunares diseñado por Thea Porter que usó en los Rock Music Awards de 1976, dos de sus trofeos en los American Music Awards, el acordeón a piano Weltmeister LM-25-12 que usó para presentaciones en vivo, un Hammond B3 de gira órgano y un altavoz rotatorio Leslie con micrófonos.
Los artículos más grandes a la venta fueron las bolas de madera que colgaban de la cintura de Mick Fleetwood en la portada de ‘Rumours’, que terminaron vendiéndose por $ 128,000 dólares. También había varios instrumentos de John McVie, así como el sombrero de copa rojo plegable personalizado de Fleetwood. Una parte de las ganancias de la subasta se donará al brazo caritativo de la Recording Academy, MusiCares.
The team at Julien's Auctions is honored to be able to share Property from the Collections of Christine McVie, John McVie, and Mick Fleetwood. Happening December 3rd and 4th in Beverly Hills. Bid now at https://t.co/tzS6JKuf2p. A portion of the proceeds will benefit @musicares. pic.twitter.com/CIcOCjO75c
